Terça-feira, 22 de Outubro de 2019

Foals - Everything Not Saved Will Be Lost Part 2

Quase quatro anos depois de What Went Down, os Foals de Yannis Philippakis prepararam dose dupla para dois mil e dezanove, tendo começado com o lançamento, no passado mês de maio, de Everything Not Saved Will Be Lost Part 1, ao qual sucedeu, já neste mês de outubro, Everything Not Saved Will Be Lost Part 2, dois trabalhos com a chancela do consórcio Transgressive / Warner Bros. Sexto registo da carreira do projeto britânico e, tal como o antecessor, com artwork do artista equatoriano Vicente Muñoz, que pretende simbolizar muito do conteúdo lírico dos álbuns através de um cruzamento criativo entre a natureza e uma construção humana e produzido pela própria banda e por Brett Shaw, Everything Not Saved Will Be Lost Part 2 é o segundo registo do projeto sem a presença do baixista Walter Gervers que o ano passado abandonou amigavelmente os Foals.

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Everything Not Saved Will Be Lost Part 1 foi um disco muito focado no modo como o homem tem pressionado o ambiente e a natureza, colocando o futuro do nosso planeta em risco, mas também olhanva para assuntos importantes da realidade britânica como o brexit, a imigração e o fosso cada vez maior entre ricos e pobres. Everything Not Saved Will Be Lost Part 2 mantém-se, filosoficamente, nessa demanda de análise analítica da contemporaneidade conturbada em que a sociedade ocidental vive, fazendo-o de um modo ainda mais dramático e intenso que o antecessor. Os pouco mais de dez minutos de Neptune, no ocaso do registo, acabam por sublimar toda esta trama que os Foals nos facultaram este ano em dose dupla, fazendo-o com irrepreensível lucidez, mas também notável sentimentalismo.

De facto, se logo no clima cinematográfico impressivo da introdutória Red Desert é-nos apresentado um certo travo de angústia e dúvida, em composições do calibre de Black Bull, uma canção impulsiva e eloquente, assente em guitarras conduzidas por uma epicidade frenética, crua e impulsiva, que tem ainda o bónus de contar com um elevado protagonismo do baixo na arquitetura melódica que a sustenta, mas também em The Runner e Into The Surf, dois temas que têm essa toada hard, seca e vibrante, fica assente a tónica numa clara angústia e aversão dos Foals, relativamente ao modo como vêm hoje o poder e quem toma conta das suas rédeas. Nelas, as guitarras experimentais que sustentaram com enorme sucesso Antidotes o registo de estreia da banda e a atmosfera pop rock oitocentista bastante vincada de canções como a marcial Like Lightning, a empolgante Dreaming Of e a cinematográfica e a intrigante10,000 Feet, têm esse cunho realístico que confere às composições de Everything Not Saved Will Be Lost Part 2 poder e capacidade para se tornarem em bandas sonoras perfeitas das mais diversas manifestações de contra poder que temos assistido um pouco por todo o mundo nas últimas semanas e que, da questão das alterações climáticas ao sufoco do capitalismo, passando pela intolerância religiosa e pelo direito à auto determinação,  deixam este mundo mais irrequieto e vulnerável do que o aquilo que seria de supor. Só o tempo dirá se esta é, no cômputo geral, uma irrequietude saudável.

Registos pensados ao milímetro, carregados de nuances, quebras, detalhes, instantes de euforia, mas também de contemplação, Everything Not Saved Will Be Lost, Part 1 e Part 2 consolidam a verdadeira essência de um projeto que, por muitas voltas que procure dar ao seu catálogo, tem no seu adn as guitarras como elemento aglutinador e identitário primário, assim como o tal tribalismo percussivo, mas que também utiliza alguma sintetização para fugir ao óbvio de forma madura e cativante, sem nunca deixar de tentar estabelecer, com sentimentalismo penetrante e profundo, uma conexão assertiva entre as pistas de dança do passado e do presente. Espero que aprecies a sugestão...

Foals - Everything Not Saved Will Be Lost, Part 2

01. Red Desert
02. The Runner
03. Wash Off
04. Black Bull
05. Like Lightning
06. Dreaming Of
07. Ikaria
08. 10,000 Feet
09. Into The Surf
10. Neptune


autor stipe07 às 21:55
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Sexta-feira, 18 de Outubro de 2019

Miniature Tigers - Vampires In The Daylight

Três anos depois do muito recomendável I Dreamt I Was A Cowboy, os nova iorquinos Miniature Tigers de Charlie Brand, Rick Schaier, Algernon Quashie e Brandon Lee, mais uma banda natural de Brooklyn, um dos bairros musicalmente mais profícuos da maior cidade da costa leste dos Estados Unidos da América, estão de regresso com Vampires In The Daylight, um álbum que viu a luz do dia a onze de outubro, e disponível no sitio da banda.

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Banda inspirada no modo como se serve de alguns dos princípios orientadores da clássica pop, estes Miniature Tigers oferecem-nos uma espécie de sexy electronic pop, muito kitsch, ampliada por uma dose elevada de experimentalismo que parece não se preocupar demasiado com regras e conveções, fundindo, em suma os sons da pop dos anos sessenta com uma indie muito animada e psicadélica.

Logo a abrir o registo, o clima orquestral intrincado de Caged Bird tem essa vertente de heterogeneidade e logo depois as cordas exuberantes e a percussão frenética de Manic Upswings, assim como, numa abordagem radicalmente diferente, o singelo paladar climático de Anything Else, a vibe surf do tema homónimo o travo R&B de cariz mais ambiental de Wish, carimbam esta impressão geral de elevado ecletismo, num disco em que a temática das relações está bastante presente, com canções carregadas de trocadilhos e metáforas e com a própria sonoridade geral a não deixar de denotar uma inspirada languidez, carregada ainda mais pela voz muitas vezes em falsete de Rick.

Vampires In The Daylight é para ser escutado sem ideias pré definidas e de espírito livre e aberto, sendo um daqueles álbuns que vai revelando, pouco a pouco, o exotismo de muitas das suas canções, repletas de texturas acústicas e elétricas, sobrepostas ou de mão dada e que, consoante o nosso estado de espírito no momento, trazem à tona da predominância de de algumas das imensas paisagens sonoras contém, um exercício inconsciente que faz com que este disco se torne estranhamente viciante. Espero que aprecies a sugestão.

Miniature Tigers - Cool

01. Caged Bird
02. Manic Upswings
03. Rattlesnake ASMR
04. Anything Else
05. Wish
06. Cool
07. Vampires In The Daylight
08. Guilty Sunsets
09. LNOE
10. Better Than Ezra
11. Somewhere Soft


autor stipe07 às 19:03
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Quarta-feira, 16 de Outubro de 2019

Men On The Couch - Senso Comum

Já chegou aos escaparates Senso Comum, o primeiro álbum gravado em estúdio dos madeirenses Men On The Couch, de Guilherme Gomes, João Rodrigues, Tiago Rodrigues e Francisco Sousa, um alinhamento de onze canções captado nos míticos BlackSheep Studios em Sintra. Após vários anos a tocarem juntos, a banda madeirense decidiu finalmente pegar nas músicas que foi acumulando e aventurar-se na criação do disco de estreia, um álbum que, de acordo com o grupo, carrega todas as felicidades, desilusões, pensamentos e teorias que uns miúdos na casa dos vinte anos possam ter.

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Esta banda, que começou por cantar em inglês mas rapidamente optou pela língua mãe, oferece-nos, em Senso Comum, algumas músicas mais calmas e outras para abanar a anca, tendo, no processo de composição, olhado com uma certa gula para o pop rock contemporâneo, mas também, numa curiosa mescla, para alguma da melhor música popular brasileira. O resultado final são, de acordo com os próprios Men On The Couch, quarenta e três minutos de temas originais e refrescantes, que abordam vários temas do domínio comum da nossa sociedade, com letras leves e fáceis de digerir onde o ouvinte tem espaço para rir, chorar, dançar, gritar e refletir ao som das guitarras melódicas características da banda.

De facto, canções do calibre de Se eu morresse amanhã, uma composição que faz uma abordagem leviana e recheada de ironia a algo que assalta, pelo menos uma vez na vida, o pensamento de todos: O que é que acontecia se morrêssemos amanhã? Ficava tudo igual? Iam chorar por nós? Faziam uma grande festa? Era bolo de quê?, mas também Areia, uma história de amor passada numa ilha semelhante ao paraíso, intensificada pelos beijos salgados, mergulhos no mar e cervejas na areia, possibilitam-nos, desde logo, elevadas doses de sensibilidade e otimismo que nem sempre é fácil de decortinar nas propostas sonoras recentes deste jardim à beira mar plantado.

Mas Senso Comum não impressiona só pelas portas que os singles do disco nos escancaram; aliás, quem queira descobrir a fundo a filosofia estilística destes Men On The Couch não se pode cingir à audição de apenas estes dois temas de Senso ComumEnredos, um tema que impressiona pela forte luz que irradia e pelo travo festivo que uma declaração sentida de amor nem sempre tem, Clickbait, um orgasmo percussivo que nos oferece com notável nostalgia, memórias de alguma da melhor pop de há três décadas atrás que já era feita por cá, Na Lua, um portento de experimentalismo rock que impressiona pelo modo como um efeito ciranda melodia acima e abaixo sem nunca se insinuar demasiado, a soul contemplativa, mimnimal mas intensa de It's Okay e 760, composição que faz uma simbiose cuidada entre o jazz e a folk pop melancólica mais negra e extrovertida, são momentos também maiores de um alinhamento em que quem vence é, na soma de todas as partes, aquele rock clássico e intemporal, um resultado obtido através de um curioso nonsense e de uma vibe soalheira que tem uma contemporaneidade ímpar e um charme incomum. Espero que aprecies a sugestão...


autor stipe07 às 21:19
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Segunda-feira, 14 de Outubro de 2019

The Dodos – The Atlantic

Os The Dodos de Meric Long e Logan Kroeber parecem continuar fixados na temática do mar e, de modo mais redutor, no oceano atlântico, já depois de o último álbum da dupla de São Francisco, o registo Certainty Waves, produzido pelo próprio Meric Long e editado no início da passda primavera, através da Polyvinyl Records, ter-se centrado bastante nessa temática oceanográfica.

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De facto, The Atlantic, o novo tema divulgado da dupla, versa sobre a questão do isolamento e de como muitas vezes, ao não nos rodearmos das pessoas certas, acabamos por nos tornar numa espécie de ilha, perdida e inatingível. Sonoramente, na crueza do dedilhar das cordas, na variedade rítmica algo intuitiva e no clima melódico particularmente contemplativo, ampliado pelo registo vocal em falsete de Long, The Atlantic tem esse travo muito sui generis à imensidão de um oceano e à mágoa que aquela sensação claustrofóbica de desnorte traz sempre associada ao conceito de solidão. Confere...


autor stipe07 às 17:31
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Sábado, 12 de Outubro de 2019

Allah-Las - Lahs

Naturais de Los Angeles, os norte americanos Allah-Las de Miles Michaud, Pedrum Siadatian, Spencer Dunham e Matt Correia têm finalmente sucessor para o excelente registo Calico Review de dois mil e dezasseis. Foi ontem, onze de outubro, que viu a luz do dia Lahs, o novo compêndio de originais do quarteto, um trabalho que chegou aos escaparates através da Mexican Summer, a habitual editora do grupo.

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Os Allah-Las viajaram imenso depois da edição de Calico Review, com passagens por locais tão variados como todo o continente americano, a Europa, África do Sul, Austrália, Rússia e leste da Ásia e o conteúdo de Lahs é bastante inspirado por essa demanda mundo fora, nomeadamente as experiências que a banda foi conseguido vivenciar além das normais rotinas de uma digressão musical.

A música dos Allah-Las é algo que se esprai deliciosamente nos nossos ouvidos, sem pressas, arrufos ou complicações desnecessárias. Há uma constante sensação de conforto, calma, quietude e etérea contemplação nas composições deste quarteto e Lahs, o registo mais heterógeneo e completo da carreira do projeto, amplia esta filosofia interpretativa, adocicando-a com novas nuances, nomeadamente aquelas que foram retiradas da lista de arquétipos fundamentais do rock clássico e do alternativo. A soul da guitarra de Holding Pattern é, desde logo, uma primeira demonstração inequívoca de um maior experimentalismo, de um desejo de divagar que contraste com o cariz mais direto e incisivo dos dois trabalhos anteriores dos Allah-Las. Depois, se o efeito metálico da guitarra que ciranda por Keeping Dry espreguiça os nossos sentidos, fazendo também abanar ligeiramente a anca, a tal diversidade atinge píncaros de criatividade em Prazer Em Te Conhecer, um tema cantado em português e que nos oferece uma espécie de Califórnia verde e amarela, já que são evidentes as influências da melhor música popular brasileira, em especial a bossa nova, numa composição imbuída de uma indesmentível vibe tropical, além da típica psicadelia lo-fi que carateriza o adn dos Allah-Las.

Os Allah-Las estão atrasados ou adiantados quase meio século, depende da perspetiva que cada um possa ter acerca do conteúdo sonoro que replicam. Se na década de sessenta seriam certamente considerados como uma banda vanguardista e na linha da frente e um exemplo a seguir, na segunda década do século XXI conseguem exatamente os mesmos pressupostos porque, estando novamente o indie rock lo fi e de cariz mais psicotrópico na ordem do dia, são, na minha modesta opinião, um dos projetos que melhor replica o garage rock dos anos sessenta e a psicadelia da década seguinte.

À medida que nos embrenhamos no âmago do disco, na frescura dançante de In The Air,  na luminosidade de Roco Ono, no clima contemplativo de Star, na radiofonia feliz de Polar Onion, na mescla entre folk e o country sulista americano em Royal Star ou no reverb empoeirado que conduz Electricity, percebemos que a receita dos Allah-Las mantém-se tremendamente eficaz e ainda mais aditiva, mesmo no sentido psicotrópico do termo. A embalagem muito fresca que é, no seu todo, Lahs, assente numa guitarra vintage, que de Creedance Clearwater Revival a Velvet Underground, passando pelos Lynyrd Skynyrd, faz ainda alguns desvios pelo blues dos primórdios da carreira dos The Rolling Stones e pela irremediável crueza dos The Kinks, deixa-nos completamente absortos por este experimentalismo instrumental que pode servir como uma feliz homenagem ao final de um verão que se tem estendido um pouco mais além do necessário. Em suma, estamos na presença de um alinhamento com sabor a despedida do sol e do calor, feito de referências bem estabelecidas e com uma arquitetura musical que garante aos Allah-Las a impressão firme de que a sua sonoridade típica conquista e seduz, com as visões de uma pop caleidoscópia e o sentido de liberdade e prazer juvenil que suscita, também por experimentar um vasto leque de referências antigas. Espero que aprecies a sugestão...

Allah-Las - Lahs

01. Holding Pattern
02. Keeping Dry
03. In The Air
04. Prazer Em Te Conhecer
05. Roco Ono
06. Star
07. Royal Blues
08. Electricity
09. Light Yearly
10. Polar Onion
11. On Our Way
12. Houston
13. Pleasure


autor stipe07 às 17:48
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Sexta-feira, 11 de Outubro de 2019

Storm The Palace - Delicious Monster

Com origem no nome latino da planta Monstera Deliciosa, Delicious Monster é o segundo e novo registo de originais do coletivo britânico Storm The Palace, atualmente formado por Sophie Dodds, Reuben Taylor, Willa Bews, Jon Bews e Alberto Bravo. São onze canções gravadas em Edimburgo no último inverno e escritas quase todas por Sophie, que também participou na produção do disco juntamente com Reuben Taylor, um trabalho com a chancela da etiqueta Abandoned Love Records.

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Ao segundo tomo da carreira, os Storm The Palace merecem amplo destaque porque conseguem ser particularmente originais, dentro de um quadro musical que faz parte do ADN da banda e que se sustenta numa simbiose bastante criativa entre a típica folk britânica, com nuances mais clássicas e o indie rock, sempre em busca de sonoridades estranhas, bizarras e inovadoras, mas também sedutoras e repletas de charme. Delicious Monster é, então, mais uma prova concreta da excentricidade deste grupo, da rara graça como os seus membros combinam e manipulam, com sentido melódico e lúdico, a estrutura de uma canção, no fundo, um esforço indisciplinado, infantil e claramente emocional, mas bem sucedido de se manterem à tona de água na lista das bandas imprescindíveis para contar a história atual da pop de Terras de Sua Majestade.

Se o anterior registo Snow, Stars and Public Transport versava, essencialmente, sobre a vida em sociedade em espaços públicos amplos e abertos, neste Delicious Monster temos uma abordagem mais intimista das relações e das conexões humanas que se estabelecem dentro de quatro paredes e de como o espaço doméstico pode ser o local mais aconchegante, mas também o mais incómodo e insuportável, consoante o nosso estado de espírito e a nossa condição em determinado momento.

O álbum inicia e logo em Clive sentimo-nos em casa, a sintonizar aquele velhinho rádio a pilhas com um napron rendado por cima e as belíssimas vozes de Sophie e Willa a deixarem-nos à vontade e confortáveis. A partir daí, na delicada If I Were A Seagull, no travo jazzístico de Ancient Goldfish, no olhar pela janela para os prados verdejantes em redor que nos suscita The Magician, no minimalismo das cordas que cirandam por Splendid e na lamechice encapotada de Give Me My Fucking Puppy You Bastard, o clima é de forte proximidade entre banda e ouvinte, uma sensação firmada não só nesta crueza instrumental de praticamente todas as canções, mas também na forte sensação de pertença relativamente ao espaço onde a banda toca e nos convida a penetrar, um antro de perdição que atiça todos os nossos sentidos e cuja acusticidade se abastece de um rock clássico cheio das tais nuances, sempre com uma elevada toada nostálgica e uma luminosidade muito peculiar.

Disco pleno de canções competentes na forma como abarcam diferentes sensações dentro de um mesmo cosmos e que misturam harmoniosamente a exuberância acústica com a voz, dando expressão a letras que exaltam o lado mais festivo da existência humana, conseguida através da combinação da guitarra com outros sons e detalhes, quase sempre precurssivos, os Storm The Palace conseguem confrontar-nos neste Delicious Monster com a nossa natureza, inseridos no universo que eles tão bem recriaram neste alinhamento, uma sensação curiosa e reconfortante que transforma a audição do álbum numa experiência ímpar e de ascenção plena a um estágio superior de letargia. Espero que aprecies a sugestão...


autor stipe07 às 22:55
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Quinta-feira, 10 de Outubro de 2019

Men On The Couch - Areia

Chega amanhã aos escaparates Senso Comum, o primeiro álbum gravado em estúdio dos madeirenses Men On The Couch, de Guilherme Gomes, João Rodrigues, Tiago Rodrigues e Francisco Sousa, um alinhamento de onze canções captado nos míticos BlackSheep Studios em Sintra e que será revisto pela nossa redação muito em breve. Após vários anos a tocarem juntos, a banda madeirense decidiu finalmente pegar nas músicas que foi acumulando e aventurar-se na criação do disco de estreia, um álbum que, de acordo com o grupo, carrega todas as felicidades, desilusões, pensamentos e teorias que uns miúdos na casa dos vinte anos possam ter.

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Para marcar a edição do disco de estreia, os Men On The Couch acabam de divulgar o vídeo de Areia, um dos destaques do seu alinhamento e o segundo single retirado do mesmo. O tema conta uma história de amor passada numa ilha semelhante ao paraíso, intensificada pelos beijos salgados, mergulhos no mar e cervejas na areia. Nesta balada com apenas três elementos, a melodia do rhodes acompanhada pelos acordes ao estilo bossa nova, convida o ouvinte a cantar de imediato e consegue fazê-lo viajar para uma altura onde tudo era mais simples. E a vida boa é mesmo assim: simples, como esta canção.

O vídeo foi filmado na ilha do Porto Santo e realizado por Saúl Caires (VINCO films). Nele os membros da banda aparecem enterrados na areia até ao pescoço como se fossem parte da praia, desempenhando um papel de narrador ausente e observando os vários acontecimentos mundanos de um dia típico numa ilha paradisíaca. Confere...


autor stipe07 às 20:37
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Quarta-feira, 9 de Outubro de 2019

The New Pornographers - In The Morse Code Of Brake Lights

Os The New Pornographers de Kathryn Calder, Neko Case, John Collins, Todd Fancey, Carl Newman, Joe Seiders, Blaine Thurier e Simi Stone, já têm sucessor para o excelente Whiteout Conditions de dois mil e dezassete. In The Morse Code Of Brake Lights é o oitavo registo da carreira do coletivo canadiano e tem onze canções que mantêm o habitual indie pop rock inspirado do grupo, produzidas pelo próprio Carl Newman, membro da banda e patrocinadas pela Concord Records.

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A primeira coisa que me apraz dizer depois de ter escutado este disco é que In The Morse Code Of Brake Lights, um registo incubado, em grande parte, da mente de Neko Case, é luz em forma de música, um disco cheio de brilho e cor em movimento, uma obra com um alinhamento alegre e festivo e que parece querer exaltar, acima de tudo, o lado bom da existência humana. Registo mais grandioso que o antecessor, algo logo audível na presença de uma orquestra durante a gravação do registo e com uma maior ênfase nas cordas, nele tanto podemos saborear alguns dos melhores tiques da pop contemporânea, nomeadamente no clima cósmico oferecido por The Surprise Knock, como a melhor herança do rock clássico e intemporal em Falling Down The Stairs Of Your Smile, uma canção em que não se deixa, em nenhum instante, de ter vontade de pular e de querer desertar para uma espécie de universo paralelo que o tema sugere, feito com aquela felicidade incontrolável e contagiante que todos nós procuramos e que, nesta composição, tanto surgem na impulsividade do baixo e nas notas mais delicadas do piano e na cosmicidade dos sintetizadores, mas também quando elas estão presentes de um modo particularmente explosivo, nas guitarras, assim como nas vozes de Newman e Case, que se alternam e se sobrepôem em camadas, à medida que estes e outros instrumentos fluem naturalmente, sem se acomodarem ao ponto de se sufocarem entre si, naquilo a que é usual chamar-se de som de banda

A partir daí, na leveza dos sopros e da voila que alimentam Opening Ceremony, no clima eminentemente classicista de Colossus Of Rhodes, uma composição em que o baixo é quem dita as regras na condução melódica, no inconfundível charme que os violinos e os detalhes sintetizados repletos de metais conferem à agridoce Higher Beams, ou no charme de um piano pleno de vigor e de soul que suporta toda uma trama orquestral complexa, arritmada, mas vigorante, em Need Some Giants, sentimo-nos preenchidos e sorrimos ao som de um disco cheio de notas e movimentos sinuosos, uma espécie de caldeirão sonoro feito por um elenco de extraordinários músicos e artistas, que sabem melhor do que ninguém como recortar, picotar e colar o que de melhor existe neste universo sonoro ao qual dão vida e que deve estar sempre pronto para projetar inúmeras possibilidades e aventuras ao ouvinte, assentes num misto de power pop psicadélica e rock progressivo. Espero que aprecies a sugestão...

The New Pornographers - In The Morse Code Of Brake Lights

01. You’ll Need A Backseat Driver
02. The Surprise Knock
03. Falling Down The Stairs Of Your Smile
04. Colossus Of Rhodes
05. Higher Beams
06. Dreamlike And On The Rush
07. You Won’t Need Those Where You’re Going
08. Need Some Giants
09. Opening Ceremony
10. One Kind Of Solomon
11. Leather On The Seat


autor stipe07 às 21:05
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Segunda-feira, 7 de Outubro de 2019

DIIV - Deceiver

Já chegou aos escaparates e à boleia da Captured Tracks Deceiver, o terceiro registo de originais dos nova-iorquinos DIIV de Zachary Cole Smith, músico dos Beach Fossils e que tem atualmente como companheiros de banda neste projeto Andrew Bailey (guitarra), Colin Caulfield (baixo) e Ben Newman (bateria). Gravado no passado mês de março em Los Angeles com o produtor Sonny Diperri, Deceiver sucede ao excelente Is The Is Are, um registo com já três anos e que não renegando totalmente os atributos essenciais do adn do grupo, assentes num garage rock que dialoga incansavelmente com o surf rock e que incorpora, nessa trama, doses indiscretas de uma pop suja e nostálgica, conduziu-nos, na altura, a um amigável confronto entre o rock alternativo de cariz mais lo fi com aquela pop particularmente luminosa e com um travo a maresia muito peculiar.

Deceiver não sacode a toalha da mesa de toda a trama anterior que os DIIV criaram, quer em Oshin, o disco de estreia, quer em Is The Is Are, mas é um claro passo em frente rumo a sonoridades algo diferentes e mais abrangentes. E feita esta ressalva, convém esclarecer a situação pessoal atual de Zachary e que marca, indivutavelmente o conteúdo deste álbum. Assim, recordo que Is The Is Are foi um disco muito centrado nos problemas do músico com a adição às drogas, mas o mesmo confessou pouco depois do lançamento desse trabalho que não foi totalmente honesto no seu conteúdo e que era altura de se dedicar verdadeiramente à superação desse problema. Assim, nos últimos três anos Zachary tem realmente tentado lutar contra essa questão, tendo estado internado em diferentes clínicas. Deceiver é, portanto, claramente marcado por esta realidade, como se percebeu logo em Skin Game, o primeiro single divulgado do registo, um diálogo imaginário entre duas personagens, que poderão ser muito bem o próprio Zachary e os seus dilemas relativamente à psicotropia. A canção debruça-se exatamente sobre esse processo de reabilitação que tem sido particularmente doloroso para um artista que parece já ter percebido que, além do indispensável isolamento, a auto sinceridade e a força de vontade são condições essenciais para o sucesso.

A partir daí, o que temos é, no fundo, uma banda sonora tremendamente confessional relativamente a este processo de reabilitação e de catarse e que alarga o espetro sonoro que tipifica os DIIV, oferecendo ao seu cardápio uma dose mais carregada daquele rock com forte pendor nostálgico, que marcou a última década do século passado. Das diversas camadas de guitarras, das mudanças rítmicas e do registo vocal abafado de Horsehead, passando pelo clima melancólico que ressuscita a melhor herança de bandas como os The smashing Pumpkins, no período Gish, em, Like Before You Were Born, até ao rock efusiante e com forte travo aos Sonic Youth em Skin Game, ou a suprema melancolia de uns My Bloody Valentine na lindíssima Between Tides, são várias as referências de elite dessa década que marcaram o processo de composição melódica e instrumental de Deceiver, com especial ênfase na primeira metade do registo. A partir daí, no portento de indie krautrock repleto de nostalgia e crueza que é Blankenship, na tonalidade progressiva e suja de Taker, no travo grunge de For The Guilty e na luminosidade vibrante de The Spark, completa-se o ciclo de um disco em que sombra, rugosidade e monumentalidade se misturam entre si com intensidade e requinte superiores, através da crueza orgânica das guitarras, repletas de efeitos e distorções inebriantes e de um salutar experimentalismo percurssivo em que baixo e bateria atingem, juntos, um patamar interpretativo particularmente turtuoso, enquanto todos juntos obedecem à vontade de Zachary de se expôr sem receios e assim afugentar definitivamente todos os fantasmas interiores que o consumiram durante tantos anos e que parecem finalmente ter sido plenamente exorcizados. Se para isso foi preciso criar um dos melhores discos do ano, já que este é um daqueles excelentes instantes sonoros que merecem figurar em lugar de destaque na indie contemporânea, principalmente pelo modo como faz um piscar de olhos objetivo aquela crueza orgânica que vive permanentemente de braço dado com o experimentalismo e em simbiose com a psicadelia, melhor ainda. Espero que aprecies a sugestão...

DIIV - Deceiver

01. Horsehead
02. Like Before You Were Born
03. Skin Game
04. Between Tides
05. Taker
06. For The Guilty
07. The Spark
08. Lorelai
09. Blankenship
10. Acheron


autor stipe07 às 21:16
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Sexta-feira, 4 de Outubro de 2019

Colony House – Looking For Some Light

Os Colony House são Caleb Chapman, Will Chapman, Park Cotrell e Scott Mills, uma banda norte americana de indie rock de Franklin, no Tennessee e que se inspirou num complexo habitacional na baixa da sua cidade natal para dar nome a um projeto que se estreou nos discos há meia década com When I Was Younger, uma coleção de catorze canções particularmente inspiradas e com uma toada eminentemente comercial e virada para o airplay fácil. Três anos depois viu a luz do dia Only The Lonely, o sempre difícil segundo disco, que já tem sucessor. O terceiro álbum dos Colony House intitula-se Leave What's Left Behind, será editado muito em breve e tem em Looking For Some Light o mais recente single divulgado de antecipação ao registo.

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Com a banda a partir, de forma decidida, para um ambiente épico, mas também climático, que pretende de algum modo recriar o clima de tensão e de assombro em que vive o país natal dos Colony House, Looking For Some Light aposta em guitarras e sintetizadores, que servem de bitola do processo de criação musical de um tema agregado, no seu todo, como um edifício sonoro complexo e claramente inspirado, com ecos e sensações que também nos convidam à auto análise interior. Confere...

Colony House - Looking For Some Light


autor stipe07 às 21:28
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Quinta-feira, 3 de Outubro de 2019

The Monochrome Set - Fabula Mendax

Já com um percurso de quatro décadas, os The Monochrome Set liderados pelo cantor de origem indiana Bid (pseudónimo de Ganesh Seshadri), ao qual se juntam o guitarrista Lester Square e o baixista Andy Warren, são uma das bandas mais subestimadas da história da música britânica. Nasceram nos início dos anos setenta do século passado e começaram a ganhar fama no final da era punk, optando, sonoramente, por uma vertente eminentemente arty dentro daquele rock de cariz mais nostálgico e sombrio. O nome do grupo inspira-se nas pinturas monocromáticas de Yves Klein e alguns dos títulos das suas músicas mais emblemáticas, como Alphaville e Eine Symphonie des Grauens, sugerem uma ligação a grandes obras primas de Jean-Luc Godard e F. W. Murnau). Em mil novecentos e setenta e nove lançaram uma série de singles pela Rough Trade que são agora peças de colecionador, seguidos pelas primeiras obras primas, Strange Boutique (1980) e Love Zombies (1980). Três anos depois mudaram para a Cherryl Red Records onde lançaram Eligible Bachelors (1982) e “The Lost Weekend” (1985). Já neste século, mais de três décadas depois, editam uma súmula desse período intitulada 1979 – 1985: Complete Recordings, o documento perfeito do capítulo inicial da história dos The Monochrome Set, que teve sequência com mais quatro discos na década de noventa e outros dois já no novo século. Juntamente com essa súmula, o trio editou também à boleia da Tapete Records, um registo de originais intitulado Maisieworld, sucessor de Platinum Coils (2012) e Super Plastic City (2013), que já tem sucessor, um trabalho intitulado Fabula Mendax e sobre o qual me debruçarei já de seguida.

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Intemporais e merecedores de rasgados elogios, sendo fonte de inspiração para nomes como Graham Coxon, os Franz Ferdinand ou Edwin Collins, os The Monochrome Set continuam a mostrar-se paicularmente incisivos no modo como se servem da clássica tríade guitarra, baixo e bateria para esculpir canções que mostram ser verdadeiras espirais sonoras, ora rugosas e algo climáticas, ora dançantes e capazes de fazer sobressair o nosso lado mais festivo e exaltante. Assim, Fabula Mendax, um álbum inspirado em manuscritos escritos no século XV por Armande de Pange, um companheiro de Joana d'Arc, apresenta-se como um verdadeiro frenesim rock que encontra continuidade segura na melhor herança da banda, enquanto narra a história de Armande que foge da sua família descontrolada, que acaba por ser apanhada no caos da Guerra dos Cem Anos. Ela encontra e segue a enigmática Joan, tornando-se mais tarde parte de seu crescente grupo de seguidores. Enquanto viajam para o oeste na zona de guerra do norte da França, eles encontram uma mistura heterogénea de nobres intrigantes, cavaleiros belicosos, bispos nefastos e muitos supervilões, bandidos e renegados.

Assim, na exuberância das cordas que sustentam Rest, Unquiet Spirit, na luminosidade folk da smithiana Throw It Out The Window, na solenidade pop dos arranjos de cordas da soturna Darkly Sky, no travo punk vigoroso da sinistra Summer Of The Demon ou na festiva I Can't Sleep, escutamos The Monochrome Set na sua forma mais ornamentada e, assim como se fosse um conjunto ao serviço de Joana D'Arc, apresenta uma infinidade de violinistas, batedores, tocadores e lamentadores, que cercam um núcleo central de notórios excêntricos. No final, o resultado é uma sucessão de músicas que, destacam a natureza volátil, caprichosa e instável deste projeto. OsThe Monochrome Set irão apresentar o novo disco em Portugal no dia 14 de Dezembro no TAGV, em Coimbra. Espero que aprecies a sugestão...

21/09/2019 GR Athens, AN Club 09/11/2019 JP Tokyo, Koenji High

28/09/2019 UK London, The Lexington 23/11/2019 UK Oxford, The Jericho Tavern

01/10/2019 DE Nuremberg, Kantine 14/12/2019 PT Coimbra, TAGV

02/10/2019 DE Karlsruhe, KOHI-Kulturraum 01/02/2020 UK Norwich, Waterfront Studio

03/10/2019 DE Frankfurt, The Cave 08/02/2020 UK Liverpool, Jimmy's

04/10/2019 DE Reutlingen, franz.K 28/02/2020 UK Glasgow, Mono

05/10/2019 DE Hamburg, Yoko 29/02/2020 UK Dundee, Beat Generator

12/10/2019 UK Bristol, The Crofters Rights 07/03/2020 UK Newcastle, The Cluny

25/10/2019 NL The Hague, Paard 11/04/2020 UK Manchester, The Deaf Institute

26/10/2019 FR Paris, Petit Bain 18/04/2020 UK Lewes, The Con Club

02/11/2019 UK Hasting, The Printworks 25/04/2020 UK Sheffield, Greystones

08/11/2019 JP Tokyo, Shinjuku Marz US tours in 2020


autor stipe07 às 17:48
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Terça-feira, 1 de Outubro de 2019

Foreign Poetry - Freeform

Os Foreign Poetry são Danny Geffin e Moritz Kerschbaumer. Danny é inglês, Moritz é austríaco e ambos tocam vários instrumentos e escrevem canções. Conheceram-se em Londres, durante o verão de dois mil e onze, quando tocavam em projetos diferentes e se cruzaram na mesma noite no The Ritzy, em Brixton. Moritz tocava com Luís Nunes, mais conhecido por (Walter) Benjamin e Danny era uma das duas metades dos Geffin Brothers. Alguns anos depois Moritz enviou a Danny duas ideias para canções nas quais andava a trabalhar e este retribuiu dias depois devolvendo-as cheias de ideias novas. Este encontro tornou-se num hábito, as ideias de ambos começaram a andar para trás e para a frente e ao fim de um ano neste modus operandi, estava praticamente estruturado um alinhamento de canções intitulado Grace and Error on the Edge of Now, que viu a luz do dia há poucos dias, à boleia da Pataca Discos e que será alvo de revisão crítica atenta neste bogue muito em breve.

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Seja como for, posso já adiantar que este Grace and Error on the Edge of Now foi polido nos estúdios da Pataca Discos, em Lisboa, onde o disco ganhou novas e belas texturas, com a ajuda dos Anna Louisa Etherington (violino), Alice Febles Padron (coros), Luís (W. Benjamin) Nunes (bateria, percussão e coros) e Tony Love (bateria), sendo uma estreia em grande de um projeto que serviu-se de variadas texturas e arranjos, melodias vocais com raízes folclóricas e uma crua vulnerabilidade, para incubar uma espécie de álbum conceptual, que aborda ideias tão mundanas como o universo pessoal, a adolescência e a juventude, o impacto da teconologia na condição humana e as complexidades da vida e das relações humanas, fazendo tudo isso de um modo relevante, provocador e rico. Nele, Moritz e Danny criaram paisagens sonoras e orquestrações complexas, mas também apostaram em grooves mais descontraídos e numa narrativa lírica eminentemente simples, com nomes como Arthur Russell, The National, Lambchop e Future Islands, a serem referências óbvias de um compêndio de rock psicadélico, mas sem rock nem psicadelia no seu estado mais puro, já que a folk é também um ingrediente essencial de toda a trama sonora do registo.

Depois de em pleno verão termos ficado a conhecer Chain Of Events, um dos temas já divulgados deste álbum de estreia dos Foreign Poetry que, faltava referir, foi misturado por Luís Nunes e o próprio Moritz Kerschbaumer e masterizado por Tiago de Sousa, agora, em pleno período de lançamento do registo, chegou a vez de também ganhar direito a superior relevância a canção Freeform, uma belíssima composição envolta numa eletrónica repleta de subtilezas detalhísticas, imbuídas de um charme incomum e etéreo e com uma forte vibe nostálgica e contemplativa, conceitos que amplificam ainda mais a certeza de estarmos na presença de um disco que merece dedicada e fervorosa audição. Confere...


autor stipe07 às 12:34
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Segunda-feira, 30 de Setembro de 2019

Temples - Hot Motion

Foi à boleia da ATO Records que já viu a luz do dia Hot Motion, o terceiro registo de originais dos britânicos Temples, uma banda de rock psicadélico formada por James Edward Bagshaw (vocalista e guitarrista), Thomas Edison Warsmley (baixista), Sam Toms (baterista) e Adam Smith (teclista e guitarrista). Este quarteto natural de Kessering, estreou-se nos discos em dois mil e catorze com o excelente Sun Structures, três anos depois foi editado Volcano, o sempre difícil segundo disco e agora foi a vez de Hot Motion, onze canções que reavivam mais uma vez e com notável esforço, mas de um modo menos intuitivo, aquele som que conduziu alguns dos melhores intérpretes do rock experimental e progressivo da história do rock clássico.

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Ao terceiro disco os Temples brindam-nos com aquele que é, claramente, o alinhamento mais intrincado, complexo e grandioso da carreira do projeto. E fazem-no com uma abordagem, quer sonora quer lírica algo sombria, que talvez seja reflexo do período conturbado em que se vive atualmente nas Terras de Sua Majestade, fruto de todas as indefinições e até já de um certo caos instalado, devido ao brexit.

Portanto, Hot Motion pode muito bem ser, se o ouvinte quiser, um espelho de todo esse clima, com canções como a tremendamente nostálgica You’re Either On Something, uma composição liricamente muito bem sucedida (You're either on something or you're onto something), a homónima Hot Motion, que versa sobre as tensões do desejo, sobre sonhos e pesadelos e já com direito a um hipnótico vídeo da autoria de David Lynch, ou a desconcertante e aguda The Howl, a ficarem um pouco a milhas daquela postura mais direta, luminosa e até algo lo fi que caraterizou Sun Structures, o maravilhoso disco de estreia do grupo, que apostava em melodias contagiantes e com forte perfil radiofónico, uma premissa deixada agora para segundo plano, na minha opinião.

Assim, onde antes havia cor, espírito de aventura, jovialidade e crueza, existe agora desejo de majestosidade, de conjurar o complexo e de confrontação até, por parte de uns Temples mais sérios, digamos assim e que parecem ter sido apanhados numa teia conjuntural que terá mirrado aquela faceta divertida, ligeira e festiva que já os caraterizou e que agora parece um pouco distante. Espero que aprecies a sugestão...

Temples - Hot Motion

01. Hot Motion
02. You’re Either On Something
03. Holy Horses
04. The Howl
05. Context
06. The Beam
07. Not Quite The Same
08. Atomise
09. It’s All Coming Out
10. Step Down
11. Monuments


autor stipe07 às 18:25
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Sábado, 28 de Setembro de 2019

The High Dials – Primitive Feelings – Part 2 EP

Montréal, no Canadá, é o poiso dos The High Dials, banda com uma década de carreira e de regresso aos discos em dois mil dezanove com Primitive Feelings, um longa duração com lançamento em formato vinil previsto para muito em breve. Entretanto alinhamento desse álbum físico já começou a ser antecipado digitalmente com dois eps, tendo o primeiro, com oito composições, provavelmente o lado a dessa edição, visto a luz do dia no final da passada primavera e o segundo, o lado b da edição, a revelar-se por estes dias, permitindo-nos contemplar finalmente, na íntegra, um dos melhores discos de dois mil e dezanove.

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Primitive Feelings é o sexto registo de originais dos The High Dials e, pelo que se percebe, quer da primeira metade revelada, quer das seis canções que também podemos agora contmeplar, é um disco repleto de texturas sonoras que privilegiam um punk rock algo sujo e lo fi, mas onde também não faltam texturas eletrónicas particularmente pulsantes e contemporâneas e com um elevado groove e um espírito shoegazenuances que se saúdam num projeto particularmente inovador e reputado na esfera indie canadiana.

O fabuloso baixo vibrante e o reverb ecoante que sustentam Fear Of Heights, sendo já uma imagem de marca desta banda, também claramente influenciada pela melhor herança da indie psicadélica britânica forjada em terras de Sua Majestade no último meio século, é um prometedor ponto de partida para um alinhamento com uma ímpar índole psicotrópica, capaz de enlear os nossos sentidos e nos deixar em completa letargia. Depois, a batida incisiva e os riffs incendiários que dão robustez à impetuosa My Dream Addiction, um dos destaques maior destas seis canções, a vibe cósmica proporcionada pelos sintetizadores que fazem gravitar Co-Stars, a presença de alguns dos arquétipos típicos da pop e do punk dos anos oitenta em Cold Shoulder, a graciosidade pop de Work Of Fiction e, por fim, a soul contemplativa que exala de Rays Of Shade, ampliam o efeito soporífero desta segunda amostra de um trabalho que, no seu todo, tem tudo para potenciar a fama destes The High Dials, não só devido à bitola qualitativa e criativa desse novo capítulo de um catálogo discográfico que é já riquissímo, mas também por causa da superior capacidade que têm de fazer o nosso espírito facilmente levitar e provocar no âmago de quem os escuta devotamente um cocktail delicioso de boas sensações. Espero que aprecies a sugestão...

The High Dials - Primitive Feelings - Part 2

01. Fear Of Heights
02. My Dream Addiction
03. Co-Stars
04. Cold Shoulder
05. Work Of Fiction
06. Rays Of Shade


autor stipe07 às 13:48
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Sexta-feira, 27 de Setembro de 2019

Wildlife – No Control

Sedeados em Toronto, os Wildlife têm vindo a captar desde o início desta década a atenção da crítica e de uma cada vez mais vasta legião de fãs, quer no Canadá, quer nos Estados Unidos, devido a um já interessante catálogo de propostas sonoras que gravitam em torno de um indie rock bastante inspirado e atual e que o projeto replica de modo efusiante. Tal também sucede, pelos vistos, nas prestações ao vivo da banda, sempre bastante dramáticas enérgicas e já emblemáticas.

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Em dois mil e três o disco On The Heart, dos Wildlife, uma mistura de suor, gritos e lágrimas, ou seja de difícil incubação e de aturado trabalho de estúdio, foi produzido por Peter Katis (The National, Interpol) e Gus Van Go (The Stills) e ganhou enorme relevo também devido ao facto de ser um trabalho conceptual, porque com ele os Wildlife quiseram escrever uma espécie de carta de amor aos corações de todos nós e à capacidade que esse músculo tem de nos proporcionar os mais belos sentimentos. Três anos depois, Age of Everything catapultou definitivamente a banda para o mainstream e agora, perto do ocaso de dois mil e dezanove, os Wildlife preparam-se para lançar aquele que é, de acordo com o grupo, o álbum mais conciso e vibrante do cardápio do projeto.

Produzido por Dave Schiffman e por Mike Keire e gravado durante três semanas neste verão nos estúdios Threshold Studio, Take The Light With You é o nome desse novo registo de originais dos Wildlife, um compêndio de canções assentes num punk rock bastante cru e direto, mas também com momentos mais nostálgicos e etéreos e dos quais já foi retirado o single No Control, uma canção que antecipa um alinhamento que terá tudo para ser uma das melhores surpresas do ano. Confere...

Wildlife - No Control


autor stipe07 às 13:10
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Quarta-feira, 25 de Setembro de 2019

Gruff Rhys – Pang!

Enquanto os míticos Super Furry Animals permanecem numa pausa mais ou menos indefinida, Gruffydd Maredudd Bowen Rhys, nascido em dezoito de julho de mil novecentos e setenta no País de Gales, continua a cimentar a sua bem sucedida carreira a solo com álbuns onde vai testando progressivamente novas fórmulas um pouco diferentes do rock alternativo com toques de psicadelia da banda de onde é originário. O seu mais recente exercício criativo é Pang!, o sexto registo de originais deste seu percurso a solo, iniciado há década e meia com Yr Atal Genhedlaeth, um disco divertido e cantado inteiramente no idioma galês. Dois anos depois, com Candylion, o músico atinge ainda maior notoriedade com esse projeto que a crítica descreveu como delicado e repleto de bons arranjos e onde se destacou também a participação especial do grupo de post rock Explosions in The Sky, além da produção impecável de Mario Caldato Jr, que já trabalhou com os Beastie Boys e os Planet Hemp, entre outros. Em dois mil e onze, com Hotel Shampoo, Gruff apostou em composições certinhas feitas a partir de uma instrumentação bastante cuidada, que exalava uma pop pura e descontraída por quase todos os poros. Três anos depois, em dois mil e catorze, o galês regressou com American Interior, a banda sonora de um filme onde Rhys era o ator principal e embarcava numa viagem musical pela América repetindo a aventura do explorador e seu antepassado, John Evans, no século dezoito. Já em dois mil e dezoito, Babelsberg ampliou até um superior nível qualitativo a visão incomum de Rhys relativamente aqueles que o músico considerava ser, há uns dezoito meses, os grandes eixos orientadores de uma pop alicerçada num salutar experimentalismo e onde não existem limites para a simbiose entre diferentes estilos musicais.

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Com nove canções repletas de onomatopeias, produzidas pelo produtor Sul Africano Muzi, sendo grande parte delas cantadas em galês e com alguns trechos em zulu, Pang!, um disco que tem, curiosamente, nome inglês, proporciona ao ouvinte uma sequência bastante criativa de canções que sobrevivem essencialmente à custa de uma elevada luminosodade nas cordas, muitas vezes trespassadas quer por elementos percurssivos variados, quer por instrumentos de sopros, utilizados quase sempre para adornar melodicamente e para conferir a cada composição o seu cariz identitário, ajudando assim a cimentar o ecletismo do alinhamento.

Portanto, da psicadelia folk do tema homónimo, passando pela perene acusticidade de Eli Haul, pelo funk com travo a tropicalia de Bae Bae Bae, pela forte toada jazzística de Digidigol, pela solarenga Ara Deg (Ddaw’r Awen), a melhor composição do disco, e pelo piscar de olhos à melhor herança do índico em Taranau Mai e à do Adriático em Annedd Im Danedd, Pang! é um verdadeiro festim sonoro global, uma viagem à volta do mundo, mas também uma viagem no tempo, esta última algo atípica porque nunca deixa de haver um travo de contemporaneidade em toda a amálgama que é possível destrinçar canção após canção e que foi eficazmente idealizada e minuciosamente plasmada.

Disco coeso, dinâmico e de certo modo concetual, Pang! é um marco intenso e flamejante na trajetória individual deste músico, um disco que transporta um infinito catálogo de sons e díspares referências que parecem alinhar-se apenas na cabeça e nos inventos nada óbvios de Rhys. Espero que aprecies a sugestão...

Gruff Rhys - Pang!

01. Pang!
02. Bae Bae Bae
03. Digidigol
04. Ara Deg (Ddaw’r Awen)
05. Eli Haul
06. Niwl O Anwiredd
07. Taranau Mai
08. Ôl Bys / Nodau Clust
09. Annedd Im Danedd


autor stipe07 às 18:31
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Terça-feira, 24 de Setembro de 2019

Y La Bamba – Entre Los Dos EP

Quase um ano após o excelente Mujeres, o projeto norte americano Y La Bamba, liderado por Luz Elena Mendoza, está de regresso aos lançamentos discográficos com Entre Los Dos, o novo tomo de canções deste grupo sedeado em Portland. Entre Los Dos é um EP com sete espetaculares canções e editado através da Tender Loving Empire, a etiqueta de sempre dos Y La Bamba.

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Depois do excelente Ojos Del Sol, lançado há cerca de três anos, a crítica começou finalmente a ficar bastante atenta a este projeto Y La Bamba, único no modo como mescla post punk com música latina, eletrónica e alguns dos arquétipos fundamentais da indie de cariz mais lo fiMujeres, um registo gravado pela própria Luz Elena Mendoza, com a ajuda de Ryan Oxford nos estúdios Color Therapy Studios e nos Besitos Fritos Studios em Portland e misturado por Jeff Bond, ampliou ainda mais a elevada bitola qualitativa de uma proposta sonora única no cenário musical contemporâneo e que oferece ao ouvinte mais devoto uma viagem espiritual, convidando-nos a refletir e a conhecer as posições da autora acerca de questões como o machismo, o feminismo e o modo como as mulheres se posicionam socialmente, politicamente e até moralmente nos dias de hoje, com particular enfoque nas que são oriundas de países latinos, especialmente as mexicanas a residir nos Estados Unidos da América.

As sete canções de Entre Los Dos, que além de Luz contam com Grace Bugbee aos comandos do baixo, John Niekrasz na bateria, Margaret Wher Gibson nos teclados e a dupla Ed Rodriguez e Ryan Oxford na guitarra elétrica, são como que um fechar de ciclo de uma espécie de triologia iniciada no tal Ojos Del Sol, três trabalhos que plasmam, com fidelidade e minúcia uma abordagem muito pessoal e íntima, claramente auto-reflexiva, mas que também é, de algum modo, sociológica, por parte de Luz, relativamente ao modo como a mulher é vista nos dias de hoje. No carrocel percurssivo de Gabriel e de Los Gritos, canções que conjugam o melhor dos ritmos da música tradicional espanhola e mexicana, com um toque rock e a voz sublime de Luz, na acusticidade minimal etérea de Entre Los Dos e de Octavio, na eletrónica em forma de dream pop de cariz lo fi e etéreo que cimenta Rios Sueltos, no festim folk punk de Soñadora e na riqueza estilística que define os arranjos que ampliam o grau de rugosidade de Las Platicas, apreciamos uma narrativa plena de histórias simples e comuns, mas onde este timbre ordinário das mesmas é enganador, porque são relatos de vidas difíceis e que muitas vezes escapam à própria compreensão de quem nunca vivenciou na pele tais realidades. Os Y La Bamba acabam por suavizar, até com uma certa ironia e sarcasmo, dores, agruras e medos, com  composições que ampliam o diâmetro da nossa anca, deixando-a possuída, sem dono e sem vontade própria, porque não resistimos a acompanhar tambem fisicamente um alinhamento que além de todo o cariz sério e profundo que sustenta, também consegue mexer muito com a temperatura do nosso corpo. Espero que aprecies a sugestão...

Y La Bamba - Entre Los Dos

01. Gabriel
02. Entre Los Dos
03. Rios Sueltos
04. Octavio
05. Soñadora
06. Las Platicas
07. Los Gritos


autor stipe07 às 20:59
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Sexta-feira, 20 de Setembro de 2019

DIIV – Blankenship

DIIV - Blankenship

Continuam a ser reveladas estrondosas composições de Deceiver, o terceiro registo de originais dos nova-iorquinos DIIV de Zachary Cole Smith, músico dos Beach Fossils e que tem atualmente como companheiros de banda neste projeto Andrew Bailey (guitarra), Colin Caulfield (baixo) e Ben Newman (bateria). E à medida que se abre o pano sobre aquele que será, certamente, um dos melhores discos de dois mil e dezanove, ficamos cada vez mais entusiasmados com a proximidade da data de lançamento, prevista para quatro de outubro, à boleia da Captured Tracks.

Gravado no passado mês de março em Los Angeles com o produtor Sonny Diperri, Deceiver irá suceder ao excelente Is The Is Are, um registo com já três anos e que não renegando totalmente os atributos essenciais do adn do grupo, assentes num garage rock que dialoga incansavelmente com o surf rock e que incorpora, nessa trama, doses indiscretas de uma pop suja e nostálgica, conduziu-nos, na altura, a um amigável confronto entre o rock alternativo de cariz mais lo fi com aquela pop particularmente luminosa e com um travo a maresia muito peculiar.

DIIV

Is The Is Are foi um disco muito centrado nos problemas de Zachary com a adição às drogas, mas o músico confessou, pouco depois do lançamento desse trabalho, que não foi totalmente honesto no conteúdo do mesmo e que era altura de se dedicar verdadeiramente à superação desse problema. Assim, nos últimos três anos o músico tem realmente tentado lutar contra essa questão, tendo estado internado em diferentes clínicas.

Sendo o conteúdo de Deceiver também muito centrado nessa questão psicotrópica, como se percebeu logo em Skin Game, o primeiro single divulgado do registo há já dois meses, um diálogo imaginário entre duas personagens, que poderão ser muito bem o próprio Zachary e os seus dilemas relativamente à psicotropia e em Taker, a segunda composição também manteve essa tonalidade auto reflexiva e particularmente dolorosa. Blankenship, a nova canção divulgada do registo, atesta, de vez, esta teoria, oferecendo-nos a composição mais ruidosa, efervescente e crua das três já conhecidas, um portento de indie krautrock repleto de nostalgia e crueza, idealizada por um artista que parece já ter percebido que, além do indispensável isolamento, a auto sinceridade e a força de vontade são condições essenciais para o sucesso. Confere...


autor stipe07 às 13:08
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Quinta-feira, 19 de Setembro de 2019

LOLA LOLA - Killed a Man in a Field

Com raízes nos extintos Tornados e no sempre pulsante e inovador movimento criativo da cidade do Porto, os LOLA LOLA formaram-se há meia década, fruto da junção de um trio já muito experimentado nas lides musicais, Tiago Gil (Guitarra), Miguel Lourenço (Baixo) e Hélder Coelho (Bateria), que receberam de braços abertos a desconcertante voz de Carla Capela, conhecida da noite portuense como DJ Just Honey e o sax barítono de Rui Teixeira.

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Alimentados pelo universo musical das décadas de 50 e 60 e inspirados pelo R&B/Popcorn, 60´s Beat e Rock n’ Roll, os LOLA LOLA assinaram, no início de 2015, pela prestigiada editora independente Sleazy Records, à boleia da qual lançaram os singles Money in the Can (Junho/2015), Sweet Lovin' (Dezembro/2016) e o double-sider Voodoo Man/ Voodoo Woman (Fevereiro/2018).

Com as suas canções destacadas um pouco por todo o mundo por djs de culto, rádios e blogosfera musical, os LOLA LOLA também têm tocado por toda a Península Ibérica, granjeando uma cada vez mais vasta e fiel legião de fãs que irá certamente ampliar-se devido a Killed A Man In The Field, o novo lançamento do grupo, um sete polegadas que tem como b side uma recriação enérgica do clássico Somebody’s always trying de Joy Byers e que marca a estreia dos LOLA LOLA  pela soberana Chaputa! Records.

Este quarto registo fonográfico dos LOLA LOLA, ilustrado por Rui Ricardo, produzido por Nuno Riviera e masterizado por Mike Mariconda, vê a luz do dia amanhã, mas o tema principal, uma canção que nos leva a viajar por uma larga paisagem de cor e infinito, (...) um rasgo de primordial simplicidade, com uma melodia assente numa base densa e segura, já tem direito a um video captado na Reserva Natural do Estuário do Douro e com brilhantes interpretações de Carla Capela e Tiago André Sue. No filme, assinado por Rodrigo Areias e Susana Abreu, contemplamos uma história de amor trágico que trespassa corações, revelando-se na eternidade da paisagem que a vida é efémera.

Sempre com sede de estrada, os LOLA LOLA aproveitam o lançamento deste 7’ para regressar aos concertos, no Sabotage Club, dia 18 de Outubro e no Barracuda Clube de Roque, no dia seguinte. Confere...

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autor stipe07 às 13:14
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Terça-feira, 17 de Setembro de 2019

R.E.M. - Fascinating

Depois da devastação provocada pelo furacão Dorian em algumas regiões das Caraíbas, com especial enfoque no arquipélago das Bahamas, foram várias as iniciativas do meio artístico com vista à angariação de fundos para os milhares que sofreram com esse fenómeno natural. Os R.E.M. foram um desses casos mais visíveis, com a divulgação de uma canção do grupo que estava guardada há quase vinte anos e à espera do momento certo para se revelar.

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Fascinating é o nome desse tema inédito da banda de Athens, na Georgia, uma composição gravada em dois mil e um nos Compass Point Studions, em Nassau, capital das Bahamas, durante as sessões de Around The Sun, o décimo terceiro álbum da carreira dos R.E.M. e que esteve para fazer parte do alinhamento do álbum seguinte, Reveal, editado três anos depois.

À época Fascinating era um dos temas preferidos de Michael Stipe de todas as composições que os R.E.M. estavam a compôr mas, por motivos pouco claros, acabou por não fazer parte de Reveal. Seja como for, esta belíssima melodia, assente num piano suplicante, uma batida sintetizada suave e vários efeitos borbulhantes, onde não faltam sopros, revelou-se em boa hora, com as receitas da sua venda, cerca de dois dólares, a reverterem para a fundação Mercy Corps, uma das mais ativas na ajuda imediata às vitimas do furacão e no apoio futuro à reconstrução das Bahamas. Confere...

We first became aware of Mercy Corps around the time of Hurricane Katrina, and we supported their efforts to help in that situation, I spend a lot of time every year in the Abaco Islands, which was literally ground zero for this disaster. I know a lot of people who lost everything—their homes, their businesses, literally everything they own is gone. I approached [R.E.M. manager] Bertis [Downs], and said, ‘ want to do something as a band to help out however we can. He suggested Mercy Corps, and I said, ‘That’s great—they’re a great organization.” (Mike Mills, baixista dos R.E.M.).


autor stipe07 às 13:25
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