man on the moon

Devon Portielje, Conner Molander e Dylan Phillips, são os Half Moon Run, um projeto canadiano oriundo de Montreal e que já faz música desde dois mil e nove. Estrearam-se nos discos três anos depois com Dark Eyes e em dois mil e quinze chamaram a atenção desta redação devido a Sun Leads Me On, um disco que tinha o selo Glassnote Records. Em dois mil e dezanove adicionaram ao seu catálogo o álbum A Blemish in the Great Light e no verão do ano passado voltaram a ser escutados por cá à boleia de Salt, o último disco do projeto, um compêndio de onze canções que navegavam nas águas turvas de um indie rock que em determinados momentos tanto infletia para a folk como para a própria eletrónica.

Agora, quase no ocaso de dois mil e vinte e quatro, os Half Moon Run voltam a chamar a atenção do nosso radar por causa de Loose Ends, uma canção que foi incubada durante o processo de gravação de Salt, mas que não fez parte do seu alinhamento. Trata-se de um solarengo e otimista instante sonoro, em que um buliçoso piano e uma viola acústica exemplarmente dedilhada, vão-se cruzando entre si no processo de construção melódica de uma composição tocante, feliz e detalhisticamente rica, mesmo assentando a sua base sonora numa filosofia interpretativa eminentemente acústica. Confere...

Os Suuns são um dos segredos mais bem guardados do panorama alternativo canadiano. Apareceram em dois mil e sete pela mão do vocalista e guitarrista Ben Shemie, ao qual se juntam, atualmente, Joseph Yarmush e Liam O’Neill. Estrearam-se nos álbuns em dois mil e dez com Zeroes QC e três anos depois chegou o extraordinário Images Du Futur, um trabalho que lhes elevou o estatuto grandemente, tendo merecido enormes elogios, não só no Canadá, mas também nos Estados Unidos e na Europa. Já na segunda metade da última década a dose dupla Hold/Still e Felt manteve a bitola elevada, dois discos que confirmaram definitivamente que estamos na presença de um grupo especial e distinto no panorama indie e alternativo atual.

Em dois mil e vinte e quatro os Suuns vão continuar a enriquecer o seu catálogo com um novo disco intitulado The Breaks. Será o sexto compêndio da carreira do trio sedeado em Montreal e irá ver a luz do dia a seis de setembro, com a chancela da Joyful Noise Recordings.

Já há vários singles divulgados do alinhamento de The Breaks e o mais recente é Doreen. Trata-se de uma canção com um perfil interpretativo bastante intimista e sentimental, que tem, inicialmente, no minimal mas aconchegante dedilhar de uma guitarra o braço direito do registo vocal envolvente de Ben que, quando termina, quer ele quer as cordas cedem o pódio a um jogo subtil, mas intrincado, de diversas interseções sintéticas, com um intenso travo progressivo e experimental. Confere Doreen e o vídeo que ilustra a canção, dirigido pela própria banda...

O trio Cola é formado por Tim Darcy e Ben Stidworthy, antigos membros dos Ought, aos quais se juntam Evan Cartwright, baterista dos projetos U.S. Girls e The Weather Station. Estrearam-se nos lançamentos discográficos em dois mil e vinte e dois com o registo Deep In View, um alinhamento de dez canções que já tem sucessor pronto. O novo álbum dos Cola chama-se The Gloss, irá ver a luz do dia no final desta semana com a chancela da Fire Talk e Pulling Quotes é o mais recente tema divulgado do disco.

Pulling Quotes versa sobre o início de um relacionamento e oferece-nos quase cinco minutos de indie punk rock algo cru e minimal, mas claramente pulsante e hipnótico, conduzido por uma repetitiva mas insinuante melodia, proporcionada por uma guitarra com um efeito metálico encorpado, que é depois acamada por um baixo seguro e vigoroso. Uma grande canção deste projeto sedeado em Montreal, no Canadá e que irá fazer parte daquele que será, certamente, um dos discos obrigatórios de dois mil e vinte quatro. Confere Pulling Quotes e os outros quatro singles já divulgados de Fire Talk...

Pouco mais de dois anos depois de The Besnard Lakes Are The Last Of The Great Thunderstorm Warnings, os canadianos The Besnard Lakes, do casal Jace Lasek e Olga Goreas e aos quais se juntam Sheenah Ko, Kevin Laing, Gabriel Lambert, estão de volta ao nosso radar devido a uma nova canção intitulada (Dizzy) Eagle, gravada nos estúdios The Rigaud Ranch e que infelizmente ainda não traz atrelada o anúncio de um novo disco da banda de Montreal.

(Dizzy) Eagle é um fabuloso portento de rock progressivo, com um forte pendor cinematográfico e de elevado cariz experimental, um tema intrincado e complexo, repleto de nuances e variações rítmicas, como é apanágio deste quinteto. É uma canção eloquente e épica e onde das guitarras aos sintetizadores, todas as porções sonoras que nela desfilam encaixam como um enorme puzzle que, no seu todo, cria uma atmosfera sonhadora e plena de hipnotismo, muito por culpa também da voz única de Olga, que nos embala rumo a um mundo onde também abunda um elevado travo vintage particularmente psicadélico. Confere...

Devon Portielje, Conner Molander e Dylan Phillips, são os Half Moon Run, um projeto canadiano oriundo de Montreal e que já faz música desde dois mil e nove. Estrearam-se nos discos três anos depois com Dark Eyes e em dois mil e quinze chamaram a atenção desta redação devido a Sun Leads Me On, um disco que tinha o selo Glassnote Records. O último registo da banda chama-se A Blemish in the Great Light e viu a luz ainda antes da pandemia, em dois mil e dezanove.

Agora, em dois mil e vinte e três, o trio canadiano regressa ao nosso radar devido a Salt, o novo disco do projeto, que chegou aos escaparates no início do verão. Salt navega nas águas turvas de um indie rock que tanto pode infletir, em determinados momentos, para a folk como para a própria eletrónica. Em You Can Let Go, o anguloso tema que abre o alinhamento de Salt, a vibração intermitente da guitarra, o registo vocal hipnótico de Devon e o ritmo quase compulsivo da bateria, sustentam uma melodia tocante, um modus operandi que nos induz numa filosofia sonora que explana o modo exímio como os Half Moon Run parecem não sentir-se confortáveis com um certo ideal de continuidade num só espetro sonoro, mas antes decididos a apostar todas as fichas em pequenos ou grandes detalhes, orgânicos ou sintéticos, que façam a ponte entre dois territórios, numa espécie de simbiose de risco, mas particularmente bem sucedida, entre uns Radiohead e uns Fleet Foxes, raramente ouvida nas propostas atuais.

Esta fusão mantém-se em canções como Alco, um tema que teve como base do seu arquétipo sonoro uma melodia criada por Devon num ukelele que adquiriu na Tailândia em dois mil e doze. A partir desse esqueleto cresceu uma harmoniosa e transcendente composição, incubada no seio de um indie rock que procura aquele ambiente majestoso que é muitas vezes classificado como hino de estádio, ampliado com uma bateria imponente e diversos efeitos e riffs de guitarra que chegam a piscar o olho a ambientes progressivos, num resultado final de forte cariz radiofónico. Mas, o buliçoso piano que nos faz abanar a anca em Hotel In Memphis, o modo intrigante como uma caixa de ritmos é manipulada enquanto ecos vocais a sobrevoaam em 9beat, à boa maneira radioheadiana, os violinos pulsantes de Gigafire, ou o clima intimista aconchegante de Dodge The Ruble, são também trunfos maiores de um alinhamento com uma instrumentação sempre  intrincada e em que os elementos acústicos e eletrónicos e a própria escrita de algumas canções, exalam sempre uma qualidade hipnótica e aventureira, mas sempre acessível, ao mesmo tempo que encarnam exemplos impagáveis dessa simbiose entre diversos universos estilísticos, que acabam por se transformar, no seu todo, numa súmula feliz de todo o ideário intencional destes Half Moon Run e daquilo que os realiza enquanto compositores criativos e intérpretes inspirados.

Disco coeso, vigoroso, tocante e irrepreensível, Salt está encharcado de criações duradouras, ricas em texturas e versos acolhedores que ultrapassam os limites do género, num disco que busca uma abrangência, mas que não resvala para um universo de banalidades sonoras que, em verdade se diga, alimentam há anos alguma da indústria fonográfica. Espero que aprecies a sugestão...

Devon Portielje, Conner Molander e Dylan Phillips, são os Half Moon Run, um projeto canadiano oriundo de Montreal e que já faz música desde dois mil e nove. Estrearam-se nos discos três anos depois com Dark Eyes e em dois mil e quinze chamaram a atenção desta redação devido a Sun Leads Me On, um disco que tinha o selo Glassnote Records. O último registo da banda chama-se A Blemish in the Great Light e viu a luz ainda antes da pandemia, em dois mil e dezanove.

Agora, em dois mil e vinte e três, o trio canadiano regressa ao nosso radar devido a  Salt, o novo disco do projeto, que irá chegar aos escaparates no início do verão. Há pouco mais de um mês demos aqui conta do conteúdo de You Can Let Go, uma canção produzida por Connor Seidel, misturada por Chris Shaw e masterizada por Ryan Morey e que terá sido o primeiro tema revelado do alinhamento de Salt. Agora chega a vez de conferirmos Alco, um tema que teve como base do seu arquétipo sonoro uma melodia criada por Devon num ukelele que adquiriu na Tailândia em dois mil e doze. A partir desse esqueleto cresceu uma harmoniosa e transcendente composição, incubada no seio de um indie rock que procura aquele ambiente majestoso que é muitas vezes classificado como hino de estádio, ampliado com uma bateria imponente e diversos efeitos e riffs de guitarra que chegam a piscar o olho a ambientes progressivos, num resultado final de forte cariz radiofónico. Confere...

Devon Portielje, Conner Molander e Dylan Phillips, são os Half Moon Run, um projeto canadiano oriundo de Montreal e que já faz música desde dois mil e nove. Estrearam-se nos discos três anos depois com Dark Eyes e em dois mil e quinze chamaram a atenção desta redação devido a Sun Leads Me On, um disco que tinha o selo Glassnote Records. O último registo da banda chama-se A Blemish in the Great Light e viu a luz ainda antes da pandemia, em dois mil e dezanove.

Agora, em dois mil e vinte e três, o trio canadiano regressa ao nosso radar devido a You Can Let Go, uma canção produzida por Connor Seidel, misturada por Chris Shaw e masterizada por Ryan Morey. You Can Let Go é uma harmoniosa e transcendente composição, incubada no seio de um indie rock que tanto inflete para a folk como para a própria eletrónica, através de uma linha de guitarra delicada, mas que também pisca o olho a ambientes progressivos e vários arranjos que criam paisagens sonoras bastante peculiares, um modus operandi intrincado e no qual a própria letra da canção (Now I'm trapped in the grass, Not gonna laugh, Not gonna go home, Not ready for the crash) exala uma qualidade hipnótica e aventureira, mas sempre acessível. Confere...

Os Suuns são um dos segredos mais bem guardados do panorama alternativo canadiano. Apareceram em dois mil e sete pela mão do vocalista e guitarrista Ben Shemie e do baixista Joe Yarmush, aos quais se juntaram, pouco depois, o baterista Liam O'Neill e o teclista Max Henry. Estrearam-se nos álbuns em dois mil e dez com Zeroes QC e três anos depois chegou o extraordinário Images Du Futur, um trabalho que lhes elevou o estatuto grandemente, tendo merecido enormes elogios, não só no Canadá, mas também nos Estados Unidos e na Europa. Já na segunda metade da última década a dose dupla Hold/Still e Felt manteve a bitola elevada, dois discos que confirmaram definitivamente que estamos na presença de um grupo especial e distinto no panorama indie e alternativo atual.

No final de dois mil e vinte e um os Suuns regressaram em força ao nosso radar devido a The Witness, o quinto disco da carreira do grupo, um alinhamento de oito canções que reforçou a mestria intepretativa destes verdadeiros músicos e filósofos e que impressinou porque, não colocando minimamente em causa a herança do projeto e oferecendo-nos, principalmente ao nível da escrita e da composição, mais um fantástico naipe de canções com um forte cariz impressivo e realístico, tinha na sua génese o jazz experimental, algo inédito e até algo surpreendente na carreira da banda.

Agora, no início de dois mil e vinte e três, os Suuns voltam à carga com Wave, uma nova canção que não traz ainda atrelada anúncio de um novo álbum do trio. Wave foi masterizada por James Plotkin, produzida por Adrian Popovich nos estúdios Mountain City Recording Studio, em julho passado e incubada durante jam sessions da banda que decorreram durante a digressão que o projeto canadiano fez o ano passado de suporte a The Witness e que exploraram novos horizontes sonoros, através de um registo eminentemente experimental e intuitivo. O tema profundamente orgânico, projeta-se num conjunto de rugosas e abrasivas sintetizações, com uma base sonora bastante peculiar e climática, ora banhadas por um doce toque de psicadelia narcótica a preto e branco, ora consumidas por uma batida com um teor ambiental denso e encorpado. Confere...

Aproxima-se o natal e, como é hábito, algumas bandas aproveitam para gravar temas relacionados com esta época tão especial, sejam versões de clássicos, ou originais escritos propositadamente para a ocasião. E nós, como também é habitual, cá estamos, ano após ano, para ir divulgando algumas das propostas mais interessantes do género, que podem dar um colorido diferente a esta época tão especial e que também se costumam materializar no formato programa de rádio deste blogue, que vai para o ar todas as semanas, na Paivense FM.

Os canadianos Stars, projeto oriundo de Montreal, no estado do Quebeque, formado por Torquil Campbell, Evan Cranley, Patrick McGee, Amy Millan e Chris Seligman, começaram a carreira em 2000 e já contam no seu historial com oito discos de originais e alguns EPs, um cardápio que aposta numa pop que entre o nostálgico e o esplendoroso, tem algo de profundamente dramático e atrativo. E são uma das bandas que resolveu lançar uma canção para celebrar esta época festiva. O tema chama-se Christmas Anyway e, como se exige a uma boa canção de Natal, procura ser orelhudo, de assimilação imediata e sintonizar intuitivamente o ouvinte no espírito da época. Confere... 

Meia década depois do registo Everything Now, os canadianos Arcade Fire estão finalmente de regresso aos discos com WE, o sexto álbum da banda liderada por Win Butler. Produzido por Nigel Godrich e os próprios Win Butler e Régine, o núcleo duro do grupo, WE viu a luz do dia hoje mesmo com a chancela da Columbia Records.

Antes de mais, vale a pena confessar que a suprema constatação que a nossa redação fez logo após a primeira audição de WE é que, finalmente, quase vinte anos depois do fabuloso e inimitável Funeral, os Arcade Fire estão de regresso às obras-primas. WE é já, logo no primeiro dia de vida oficial, um notável clássico e, na nossa opinião, supera tudo aquilo que o grupo de Montreal apresentou ao mundo depois dessa auspiciosa estreia em dois mil e quatro. Sonoramente, a curiosa estrutura dos sete temas do registo, liga, com contemporaneidade ímpar, um arco conceptual que abraça a herança kraftwerkiana setentista com o melhor rock oitocentista em temas como Age Of Anxiety (Rabbit Hole), passando pela pureza e pelo imediatismo, que definem os pilares que sustentaram o rock impetuoso dos primórdios deste século e, já agora, da carreira do projeto, em The Lightning I, II e sem esquecer o clima mais clássico, progressivo e noventista da dupla End Of The Empire I-III e End Of The Empire IV (Sagittarius A*). Nos sintetizadores imponentes e no registo percussivo que mescla origens orgânicas com sintéticas em Unconditional II (Race And Religion), uma canção que conta com a participação especial de Peter Gabriel, constatamos, com elevada dose de impressionismo a simbiose de toda esta trama conceptual que conduziu a filosofia sonora do álbum.

Estes são carimbos sonoros do alinhamento de WE que justificam a apreciação elogiosa acima referida que, parecendo algo precipitada e resultado de um estado de letargia critica ébria devido à audição entusiasmada do registo, estamos certos que continuará a ecoar nestas paredes e ouvidos, após as múltiplas audições futuras de um trabalho que em pouco mais de quarenta minutos nos oferece um naipe de canções que passam impecavelmente a lustro e com laivos de epicidade extrema esta espécie de revisitação catálogo da história do rock nos últimos quarenta anos, principalmente no seu formato mais pop.

Tematicamente WE é um disco de ruptura com o catálogo anterior dos Arcade Fire. Se Everything Now foi um olhar crítico e críptico dos Arcade Fire sobre o imediato e, na altura, um claro manifesto político e de protesto claro ao rumo que o país vizinho tinha tomado com a subida de Trump ao poder, além da abordagem sociológica que o disco fazia aos novos dilemas da contemporaneidade de cariz mais urbano e tecnológico em que a dita sociedade ocidental mais desenvolvida  ainda hoje vive, WE, um disco que começou a ser gravado em março de dois mil e vinte, poucas horas antes de ser decretado o primeiro confinamento global devido ao COVID, prefere olhar em frente, projetando um futuro imaginário, liberto de muitas das amarras que hoje nos afrontam, ao mesmo tempo que reflete sobre o perigo das forças que constantemente tentam nos afastar das pessoas que amamos e a urgente necessidade de superá-las. É uma jornada catártica que segue um arco definido que vai da escuridão à luz ao longo de sete canções, divididas em dois lados distintos: o lado I, que canaliza o medo e a solidão do isolamento e o lado WE, que expressa a alegria e o poder da reconexão.

A partir desta trama impecavelmente balizada, a forma como as canções evoluem e o sentimentalismo que é colocado em cada uma, são, como não podia deixar de ser, uma imagem de marca que estará sempre marcada de modo indelével em WE. A exuberância das cordas, o modo como os temas evoluem através do piano e da voz inconfundível de Butler, alicerçada num catálogo de nuances e variações nunca visto, até atingirem um pico orquestral quase sempre exuberante, são caraterísticas de um álbum que emociona e instiga e que carrega um ambiente sonoro que aprimorou a tonalidade da escrita quase religiosa de Butler e Chassagne. Podemos até acrescentar que WE terá a capacidade de até nos pode fazer dançar, com a certeza de que, ao contário do que aconteceu com registos anteriores do grupo, não há o risco de, há mínima escorregadela, podermos cair para um lado mais obscuro e depressivo. Em suma, sendo WE um trabalho altamente preciso e controlado e pensado ao mínimo detalhe, é indesmentível que vai ao encontro das enormes expetativas que sobre ele recaia desde que foi prometido, personificando um salto qualitativo em frente (ou para atrás, dependendo da perspetiva) na carreira dos Arcade Fire, ao mesmo tempo que volta a empolgar os fãs e apreciadores da banda relativamente ao futuro sonoro de uma das maiores e melhores bandas do mundo. Espero que aprecies a sugestão...