Segunda-feira, 30 de Abril de 2018

Sigur Rós - Route One

No solstício de verão de 2016, o dia com mais horas de sol desse ano (o que na Islândia significa que praticamente nunca fica de noite, devido à sua posição sobre o Círculo Polar Ártico) os Sigur Rós embarcaram num interessante projeto designado Route One para mostrar as paisagens da sua terra Natal. Conduziram durante as vinte e quatro horas desse dia pelos mil trezentos e trinta e dois quilómetros da Route One, a estrada que envolve toda a costa do país, motivo pelo qual é também chamada de Ring Route e gravaram essa viagem, cujos filmes, disponíveis no canal de youtube da banda, são uma verdadeira visita guiada por idílicas paisagens e uma bela maneira de ficar a descobrir a Islândia. A essas imagens acabaram por juntar várias melodias que depois de terem sido editadas e comprimidas, resultaram em pouco mais de quarenta minutos de música, divididos em oito faixas, que acabam de ser publicadas, sem aviso prévio, pela XL Recordings, materializando a banda sonora dessa incrível e curiosa jornada.

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Cada uma das oito composições de Route One, o oitavo disco da carreira do grupo islandês, representa um ponto específico da ilha, na forma de coordenadas. Assim, se 63º32’43.7″N 19º43’46.3″W refere-se a Steinahellier Cave, uma caverna encrustada na rocha, no sul da ilha, junto ao lago Holtsós, já 63º47’36.2″N 18º02’16.9″W é numa pequena ilha logo a seguir ao posto de gasolina de ÓB Kirkjubæjarklaustur, perto de Skaftárhreppur, por onde passa a Route One, um pouco a leste do primeiro ponto, 64º02’44.1″N 16º10’48.5″W são as coordenadas da ponte sobre o encontro do lago Jökulsárlón e o mar e 64º08’43.3″N 21º55’38.8″W o ponto de partida, em Reykjavík, só para referir alguns exemplos.

Sonoramente, Route One é um disco onde tudo se orienta de forma controlada, como se todos os detalhes instrumentais escutados, de forte cariz orgânico, fossem agrupados num bloco único de som que dá voz à exuberância natural de um país forjado à milhões de anos a fogo vulcânico e constantemente banhado por gelo. A Islândia é um dos locais do globo onde os quatro elementos melhor se revelam (água, terra, fogo e ar) e de forma mais extraordinária coabitam. Os Sigur Rós percebem melhor do que ninguém esta maravilhosa constatação que é um dos pilares fundamentais da essência de um país e de um povo e musicaram-na dando a maior liberdade possível ao arsenal instrumental de que se serviram, eminentemente sintético, para recriar as oito coordenadas. O resultado final é um falso minimalismo ambiental que desafia os nossos sentidos segundo após segundo, tal é a opulência sonora de detalhes, ruídos e efeitos que cruzam as melodias, uma receita que não soará particularmente estranha a quem já está devidamente identificado com a discografia dos Sigur Rós e percebe que há aqui o apelo da novidade, mas sem abandonar a essência.

Em suma, à medida que Route One avança e nos dilacera por dentro, testemunhamos euforicamente um intenso impacto lisérgico, num exercício musical que certamente será do agrado de quem não se importa de descobrir uns Sigur Rós mais crus, diretos e psicadélicos, mas que não deixam, mesmo assim, de nos fazer flutuar num universo de composições etéreas e sentimentalmente atrativas. Espero que aprecies a sugestão...

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63º32’43.7″N 19º43’46.3″W
63º47’36.2″N 18º02’16.9″W
64º02’44.1″N 16º10’48.5″W
64º08’43.3″N 21º55’38.8″W
64º46’34.1″N 14º02’55.8″W
65º27’29.1″N 15º31’56.0″W
65º30’17.9″N 18º37’01.3″W
65º38’27.9″N 20º16’56.9″W


autor stipe07 às 21:16
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Quarta-feira, 28 de Março de 2018

Suuns – Felt

Dois anos depois do excelente Hold/Still, um compêndio de onze canções com a chancela da Secretly Canadian que fez furor à época, o projeto Suuns, um quarteto oriundo de Montreal, no Canadá, está de regresso aos lançamentos discográficos com Felt e à boleia da mesma etiqueta. Os Suuns apareceram em 2007 pela mão do vocalista e guitarrista Ben Shemie e do baixista Joe Yarmush, aos quais se juntaram, pouco depois, o baterista Liam O'Neill e o teclista Max Henry. Estrearam-se nos álbuns em 2010 com Zeroes QC, três anos depois chegou o extraordinário Images Du Futur, um trabalho que lhes elevou o estatuto grandemente, tendo merecido enormes elogios, não só no Canadá, mas também nos Estados Unidos e na Europa e Hold/Still, manteve a bitola elevada, servindo este Felt para confirmar definitivamente que estamos na presença de um grupo especial e distinto no panorama indie e alternativo atual.

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Uma das principais evidências deste quarteto canadiano, transversal a toda a sua discografia e cada vez mais apurada, é a escrita e composição de canções com um forte cariz impressivo e realístico. Simultaneamente músicos e filósofos e tendo na sua génese o jazz experimental muito presente, os Suuns refletem sobre a contemporaneidade que os inquieta e nos absorve e assim criam alinhamentos sedutoramente intrigantes, bem no centro de um noise rock apimentado por uma implícita dose de punk dance que quando abraça a eletrónica mais ambiental nos aproxima também de uma sonoridade algo amena e introspetiva, aspetos aparentemente distintos mas que nos mostram a abrangência destes Suuns e o modo quase impercetível como mesclam orgânico e sintético com propósitos bem definidos.

Simultaneamente existencial e sinistro e arrebatadoramente humano, Felt é, talvez, o disco mais cândido e direto do grupo, com a base de todas as canções a recair ora no baixo ora na guitarra, à qual depois são adicionados detalhes e batidas sintetizadas, tornando o que parece ser inicialmente apenas ruído, distorção e ritmos desordenados, como é o caso de Look No Further, em algo mais brando, com um resultado final com um resultado mais atmosférico do que à primeira vista se poderia antecipar. Mais adiante, a pafernália de ruídos sintéticos que abastecem Daydream até parece colocar em causa esta receita, mas a verdade é que o modo como as cordas espreitam no meio do caos, não é notoriamente obra do mero acaso. Esta é uma impressão que se repete noutros temas, uma definição estrutural e quase metódica deste Felt retratada vigorosamente em Watch You, Watch Me, canção onde o dedilhar e a distorção da guitarra, agregada a um sintetizador artilhado de diversos efeitos cósmicos e a um registo vocal robotizado, oferece aquele toque experimental que nos faz crer, logo ao terceiro tema, que este é um disco colossal, mas também tremendamente reflexivo. E logo depois, em contraste, o pendor hipnótico e intenso do baixo do tratado punk que é Baseline, para mim o melhor tema do disco, o modo como palmas e sopros adornam os loopings de Peace And Love, a luminosidade imprevista que a bateria irradia em Make It Real e a efervescente espiral de distorções abrasivas que trespassam essa bateria, agora tremendamente orgânica, em After The Fall, assim como a intensa e algo caótica viagem dos samples que gravitam em redor do piano em Control, reforçam tal impressão com racionalidade objetiva, sobre um conjunto de canções com uma base sonora bastante peculiar e climática, uma proposta ora banhada por um doce toque de psicadelia narcótica a preto e branco, ora consumida por um teor ambiental denso e complexo. 

Produzido por John Congleton, Felt é música futurista para alimentar uma alquimia que quer descobrir o balanço perfeito entre idealismo e conflito e que aos poucos, para o conseguir, acaba por revelar uma variedade de texturas e transformações que configuram uma espécie de psicadelia suja, justificada não só na pafernália de sons sintetizados que o registo contém, mas, principalmente, como já referi, pelo modo como é banhado ora por guitarras suaves, ora por loopings de distorção, uma união com uma certa tonalidade minimalista mas que costura todas as canções do álbum, sem excessos e onde tudo é moldado de maneira controlada. Assim, assertivos e capazes de romper limites, os Suuns oferecem-nos, entre belíssimas sonorizações instáveis e pequenas subtilezas, um portento sonoro de invulgar magnificiência, com proporções incrivelmente épicas, um verdadeiro orgasmo volumoso e soporífero, disponível para quem se deixar enredar nesta armadilha emocionalmente desconcertante, feita com uma química interessante e num ambiente despido de exageros desnecessários, mas que busca claramente a celebração e o apoteótico. Espero que aprecies a sugestão...

Suuns - Felt

01. Look No Further
02. X-Alt
03. Watch You, Watch Me
04. Baseline
05. After The Fall
06. Control
07. Make It Real
08. Daydream
09. Peace and Love
10. Moonbeams
11. Materials


autor stipe07 às 21:03
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Quinta-feira, 22 de Março de 2018

Beautify Junkyards - The Invisible World of Beautify Junkyards

Foi a nove de março último, à boleia da inglesa Ghost Box , que viu a luz do dia The Invisible World of Beautify Junkyards, a nova coleção de canções dos Beautify Junkyards. É o terceiro disco deste coletivo formado por João Branco Kyron (sintetizadores e voz), Rita Vian (voz), João Pedro Moreira (viola, sintetizadores), Helena Espvall (violoncelo e viola), Sergue (baixo) e António Watts (bateria e percussões) e que assume de uma vez por todas querer estar na linha da frente do panorama sonoro nacional, através de uma inédita mas convincente folk cósmica, particularmente lisérgica e esplendorosa.

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Primeira aposta internacinal da Ghost Box, The Invisible World of Beautify Junkyards foi misturado por Artur David (Orelha Negra, Mão Morta e Cool Hipnoise), masterizado por Jon Brooks e tem um título feliz já que logo no forte cariz impressivo da melodia que nos hipnotiza em Ghost Dance percebe-se a declarada intenção do projeto em transportar o ouvinte para um universo paralelo ao nosso. Fazem-no mergulhados num mundo controlado por cordas inebriantes e sintetizadores plenos de exotismo, uma eletrónica eminentemente ambiental misturada com folk, que cria melodias que quer claramente levar-nos a passear pelo mundo dos sonhos. Depois, as letras parecem que dançam nos nossos ouvidos e, para culminar a eficaz receita, a voz da Rita, amiúde acompanhada pelo João, cresce, tema após tema, num misto de euforia, subtileza e entrega, bastanto escutá-la em Sybil's Dream para se ficar plenamente convencido da sua superior capacidade interpretativa.

Resultado de várias sessões de improviso particularmente inspiradas, The Invisible World of Beautify Junkyards é, conforme refere o press release do lançamento, um registo mais atmosférico e emocional que os anteriores e a verdade é que está cheio de momentos que configuram um passeio por um universo feito de exaltações melancólicas, que são nada mais nada menos do que um retrato sombrio do estranho quotidiano que sustenta a vida adulta. O clima matinal e agridoce de Prism, a exuberância pueril de Golden Apples Of The Sun e o impressionismo dos detalhes e efeitos de Manha Tropical e, na sequência, do single Aquarius, uma canção assente num extraordinário diálogo percurssivo entre a pafernália instrumental que a sustenta, acordam-nos lentamente daquele estágio letárgico em que entrámos no início do registo, já que são canções menos festivas e que de certo modo nos ajudam à compreensão da nossa maturidade e da depressão que a mesma pode em nós criar, rompendo com essa antiga lógica inicial de que este mundo paralelo dos Beautify Junkyards é apenas festivo e exaltante. Por mais encantadoras que sejam as melodias abordadas pela obra, está latente em alguns instantes uma dor profunda que parece em determinados instantes afogar-nos. O amor, a solidão, o abandono, a vida e a morte, tudo parece servir como assunto, conceitos que pouco têm a ver com o universo das histórias infantis, mas antes com a crueza da realidade em que vivemos.

Com artwork da autoria do designer Julian House, que já elaborou capas de discos dos Oasis, Broadcast e Primal Scream, The Invisible World of Beautify Junkyards merece audição atenta, mais que não seja para destrincar no âmago da sua enorme beleza as pequenas contradições intencionais que encerra, um misto de maturidade e infantilidade, como se a mente deste coletivo se perdesse no tal mundo que ele mesmo criou. Essa saudável loucura acaba por ser o fio condutor de um alinhamento que merece ser tratado como um referencial que flutua constantemente entre a metáfora e a realidade, através de letras corroídas pelo medo de encarar o quotidiano adulto, entrelaçadas com as melodias ascendentes e alegres do disco e as contrárias a essas, uma simbiose que faz dele uma obra prima e que nos deixa com um enorme sorriso nos lábios quando somos confrontados com toda esta beleza melódica. Espero que aprecies a sugestão...


autor stipe07 às 18:19
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Segunda-feira, 12 de Março de 2018

Moby - Everything Was Beautiful, And Nothing Hurt

Everything Was Beautiful, And Nothing Hurt é o título do novo álbum Moby, um disco lançado no início deste mês à boleia da Mute e que tem como tema central o nosso mundo e o modo como o homem o tem maltratado. Este registo sucede ao muito recomendável These Systems Are Failing lançado  o ano passado e mostra que este músico e produtor nova iorquino, com nove álbuns só nos últimos dez anos, vive uma das fases mais inspiradas e produtivas de uma já longa e respeitável carreira, que tem feito dele um dos expoentes maiores da eletrónica do novo milénio.

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Com um arranque de carreira memorável à boleia de Play, ainda o melhor disco da sua discografia, é sempre com elevada dose de ansiedade que os seguidores de Moby se preparam para escutar um novo alinhamento do artista, sempre à espera de algo que supere ou pelo menos iguale a elevada bitola qualitativa desse disco de estreia, prestes a fazer vinte anos de vida. Everything Was Beautiful, And Nothing Hurt ainda não é o tal álbum que destrona Play do pódio do melhor registo do cardápio de Moby, mas é, talvez, aquele que mais se aproxima do seu grau de excelência.

Disco com uma tremenda sensibilidade e cheio de melodias bastante aditivas, Everything Was Beautiful, And Nothing Hurt transporta consigo um ideário, quer sonoro, quer lírico e poético muito vincado e descrito logo no início desta análise e a verdade é que ao longo das suas doze canções e de alguns dos vídeos já produzidos de promoção aos singles, o autor consegue tocar o ouvinte e deixá-lo a refletir sobre esta contemporaneidade tão conturbada e perigosa que testemunhamos, quer para a nossa espécie quer para o futuro sustentado do planeta em que vivemos.

Assim, e debruçando-me em alguns daqueles que são, na minha opinião, os melhores instantes do registo, se The Tired And The Hurt é um infatigável corpo eletrónico que revela as suas diferentes camadas sonoras enquanto o sagrado e o profano se entrelaçam sem pudor e se Mere Anarchy sustenta-se numa eletrónica de cariz ambiental e progressivo, onde não falta um clima melancólico que dá um aspecto algo sombrio à música, o que combina bem com a escolha do intérprete, um especialista na replicação de ambientes mais negros, já Like A Motherless Child, canção que conta com a participação especial vocal de Raquel Rodriguez, é um verdadeiro assombro orquestral intenso e belo e The Waste Of Suns revela-se uma daquelas canções que constroem um universo quase obscuro em torno de si e que se vão transformando à medida que avançam, surpreendendo em cada nota, timbre ou inflexão ritmíca e melódica.

Daqui em diante ainda há tempo para sentir em The Sorrow Tree um toque de lustro dos anos oitenta, através de um sintetizador que apenas permanece o tempo suficiente para nos preparar para uma batida crua, cheia de loops e efeitos em repetição constante, algo que nos provoca um saudável torpor, que de algum modo apenas é interrompido em The Middle Is Gone, aquela canção que todos os grandes discos têm e que também serve para exaltar a qualidade dos mesmos, principalmente quandonas asas de um piano se desviam um pouco do rumo sonoro geral do trabalho. Nesse tema, os efeitos robóticos carregados de poeira da voz de Moby e aquele som típico da agulha a ranger no vinil, assim como um subtil efeito de guitarra colocam-nos na rota certa de um álbum que do tecno minimal ao space rock, passando pela chillwave e a eletrónica ambiental, impressiona pela atmosfera densa e pastosa mas libertadora e esotérica que transporta. Espero que aprecies a sugestão...

Moby - Everything Was Beautiful, And Nothing Hurt

01. Mere Anarchy
02. The Waste Of Suns
03. Like A Motherless Child
04. The Last Of Goodbyes
05. The Ceremony Of Innocence
05. The Tired And The Hurt
07. Welcome To Hard Times
08. The Sorrow Tree
09. Falling Rain And Light
10. The Middle Is Gone
11. This Wild Darkness
12. A Dark Cloud Is Coming


autor stipe07 às 21:43
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Sexta-feira, 9 de Março de 2018

Beach House – Dive

Beach House - Dive

Quase três anos depois da dose dupla que foi Depression Cherry e Thank Your Lucky Stars, o quarto e o quinto discos da dupla Beach House, lançados em 2015, parece que este projeto sedeado em Baltimore, no Maryland, formado pela francesa Victoria Legrand e pelo norte americano Alex Scally tem novo disco em carteira. É um trabalho intitulado 7 e foi misturado por Alan Moulder, tendo sido gravado no estúdio da banda em Baltimore e também nos estúdios Carriage House em Stamford e nos estúdios Palmetto Studio em Los Angeles.

7 verá a luz do dia a onze de maio próximo e do seu alinhamento, que já é conhecido, farão parte Lemon Glow, canção que divulgámos há algumas semanas e Dive, o mais recente single divulgado do registo. Esta canção volta a mostrar aquela toada simples e nebulosa, bastante melódica e etérea, plena de sintetizadores assertivos e ruidosos e guitarras com efeitos recheados de eco, que mantêm intacta a aura melancólica e mágica de um projeto que vive em redor da voz doce de Victoria e da mestria instrumental de Alex e se aproxima cada vez mais de algumas referências óbvias de finais do século passado. Importa ainda referir que a dupla está de regresso a Portugal este ano. Dia 25 de Setembro atuam no Coliseu de Lisboa antes de seguirem até ao Teatro Sá da Bandeira, no Porto, no dia seguinte. Confere...


autor stipe07 às 20:54
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Quarta-feira, 7 de Março de 2018

Yo La Tengo - There's A Riot Going On

Nem sempre devidamente divulgados e apreciados, os norte americanos Yo La Tengo são um dos projetos mais influentes do indie rock contemporâneo. Nasceram em 1984 pelas mãos do casal Ira Kaplan e Georgia Hubley (voz e bateria) e Dave Schramm (entretanto retirado) e James McNew e conquistaram-me definitivamente há pouco mais de meia década com o excelente Fade, uma rodela lançada à boleia da Matador Records. Esse disco já tem finalmente sucessor, um registo intitulado There's A Riot Going On que nos mostra uns Yo La Tengo numa nova fase da carreira, abrigados por espiral contemplativa e particularmente intimista que mostra o projeto a aproveitar a sua maturidade para a dialogar com as tendências mais atuais do indie rock, nomeadamente quando pisca o olho à eletrónica, principalmente a de cariz mais ambiental.

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Se Fade era um álbum sensível e orgânico, com canções cheias de personalidade, feitas de melodias amigáveis e algo psicadélicas, assentes quase sempre em guitarras distorcidas e interligadas numa sequência que fluia naturalmente, ao décimo quarto álbum, em pouco mais de três décadas de carreira, os Yo La Tengo calcorreiam territórios mais experimentais, apesar de nunca se perder aquele cunho lo fi muito identitário que os distingue. Assim, There's A Riot Going On é um disco menos virado para a radiofonia; Mesmo contendo as habituais canções com uma sonoridade simultaneamente enérgica e memorável, como é o caso do efusivo single Shades Of Blue  ou do clima exótico de Polynesia #1, além da homenagem à melhor tropicalia caliente em Esportes Casual, o seu alinhamento está sobretudo repleto de temas que se abrigam à sombra de territórios sonoros mais delicados e instrumentais, como sucede logo em You Are Here, uma composição com um início introspetivo, mas que depois seduz definitivamente pela mistura de detalhes e arranjos que nos provocam enquanto criam uma melancolia inebriante, épica e grandiosa. A partir daí segue-se um alinhamento assente num formato mais íntimo, amiúde quase silencioso, onde frequentemente se canta baixo e onde existe, a epaços, uma falsa sensação de escassez instrumental. Seja como for, há também instantes de muita beleza, com temas como For You Too ou Ashes, por exemplo, a conterem deliciosos detalhes sonoros, mais percetíveis se a audição for feita com recurso a headphones.

Um dos maiores atributos deste There's A Riot Going On acaba por ser a sensação de conexão entre as suas canções, mesmo havendo alguns segundos de quase absoluto silêncio entre elas. Acaba por ser uma espécie de narrativa, mas sem clímax, com uma dinâmica bem definida e onde é habitual, entre outras nuances, as cordas de uma guitarra se entrelaçarem com efeitos sintetizados borbulhantes e com uma bateria com uma cadência às vezes nada usual. Há uma evidente luminosidade e um apurado sentido épico no resultado final, que nem os momentos mais introspetivos colocam em causa e se a audição for sentida acabamos, sem grande esforço, por nos sentirmos absorvidos pelo cunho simultaneamente cândido e profundo que os Yo La Tengo quiseram dar a um registo que é para ser ouvido e contemplado naqueles instantes de pausa e de sossego que todos nós precisamos amiúde de usufruir. Espero que aprecies a sugestão...

Yo La Tengo - There's A Riot Going On

01. You Are Here
02. Shades Of Blue
03. She May, She Might
04. For You Too
05. Ashes
06. Polynesia #1
07. Dream Dream Away
08. Shortwave
09. Above the Sound
10. Let’s Do It Wrong
11. What Chance Have I Got
12. Esportes Casual
13. Forever
14. Out Of The Pool
15. Here You Are


autor stipe07 às 21:10
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Sábado, 3 de Março de 2018

In Tall Buildings – Akinetic

Exatamente três anos depois do excelente Driver, disco que figurou na lista dos melhores álbuns de 2015 para esta redação, o projeto In Tall Buildings do norte-americano Erik Hall, está de regresso com Akinetic, um compêndio de dez canções produzidas com a ajuda de Brian Deck no estúdio caseiro de Erik e abrigadas pela Western Vinyl. É um registo com um clima pop particularmente amplo e luminoso e que, balançando entre escuridão e lucidez, está cheio de alegorias acerca desta espécie de sentimento de alienação massiva que a humanidade enfrenta atualmente, tendo em conta o modo como coloca em perigo, constantemente, a sua própria sobrevivência.

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Músico e compositor de Pilsen, nos arredores de Chicago e que, de acordo com o próprio, compõe inspirado por duas dicas filosóficas, uma de Allen Ginsburg (First thought, best thought) e a outra da autoria de Kurt Vonnegut (Edit yourself, mercilessly), Erik Hall é uma das personagens mais interessantes de descobrir do cenário indie norte-americano menos divulgado, tal é a elevada bitola qualitativa das composições sonoras que incuba. Se a teoria de Ginsburg apela à primazia do instintivo e da naturalidade e da crueza, acima de tudo, já as palavras de Vonnegut parecem instar à constante insatisfação e à busca permanente da perfeição, considerando-se cada criação como algo inacabado e que pode ser alvo de melhorias e alterações e a verdade é que um dos grandes atributos da filosofica sonora de In Tall Buildings é o constante vaivém, muitas vezes pouco implícito e percetível, entre estas duas realidades aparentemente antagónicas.

Assim, em Akinetic o autor propôe e cria paisagens sonoras simples e amenas, de algum modo descomplicadas e acessíveis, mas que não descuram a beleza dos arranjos e um enorme e intrincado bom gosto na forma como as constrói, deixando sempre margem de manobra para que nos possamos apropriar das mesmas e dar-lhes o nosso próprio sentido. Aquela eletrofolk acústica ambiental, que em determinados instantes pisca o olho a um certo travo psicadélico, é, portanto, a trave mestra do alinhamento, competente na forma como abarca diferentes sensações dentro de um mesmo cosmos e como mistura harmoniosamente a exuberância acústica das cordas com a voz grave, mas suave e confessional de Hall, sendo este um álbum ameno, íntimo, cuidadosamente produzido e arrojado no modo como exala uma enorme elegância e sofisticação.

Ficamos logo agarrados ao disco com Beginning To Fade, o tema de abertura, feito de uma melodia que tem por base a bateria e a distorção de uma guitarra carregada de soul, às quais vão sendo adicionados vários detalhes e elementos, incluindo o dedilhar de algumas cordas. Este tema inicial é perfeito para nos transportar para um disco essencialmente vincadamente experimental, algo que logo depois, em dose dupla, no ritmado tema homónimo e em Long Way Down, fica ainda mais explícito, não só devido à dinâmica da batida e ao efeito sintetizado que acompanha a primeira e as cordas que conduzem a segunda, mas também devido ao modo sinuoso e cativante, como Erik nos convida à introspeção e à reflexão sobre este mundo moderno, ao mesmo tempo que não poupa na materialização dos melhores atributos que guarda na sua bagagem sonora. Overconscious acaba também por surpreender devido ao modo como o piano é introduzido em toda esta equação, oferecendo ao clima do registo também um pouco daquela sonoridade pop claramente urbana, que acaba por se mostrar perfeita no modo como em Siren Song o baixo e uma bateria galopante se cruzam com o sintetizador. A seguir, em Curtain, percebemos que In Tall Buildings também manipula com mestria os típicos suspiros sensuais que a subtil eletrificação da guitarra e uma batida marcada proporcionam e que se mantém aquela intacta a elevada dose de sensualidade e suavidade na tonalidade das canções que impressionou no registo anterior.

Até ao ocaso de Akinetic, a espiral melodicamente hipnótica de Wake Up e o dedilhar deambulante das cordas em Days In Clover são outros dois momentos que trazem brisas bastante aprazíveis ao ouvinte, fechando-se a cortina de um disco com uma atmosfera simultaneamente íntima e vibrante, que proporciona uma sensação intrincada e fortemente espiritual, que parece querer transmitir todas as sensações positivas e os raios de luz que fazem falta aos nosso dias, agora algo frios e sombrios. Álbum essencial e único, rico e arrojado e apontando em diferentes direções sonoras, Akinetic engloba diferentes aspetos e detalhes de diversas raízes musicais, num pacote cheio de paisagens sonoras que contam histórias que a voz de Hall sabe, melhor do que ninguém, como encaixar. Espero que aprecies a sugestão...

In Tall Buildings - Akinetic

01. Beginning To Fade
02. Akinetic
03. Long Way Down
04. Overconscious
05. Cascadia
06. Siren Song
07. Curtain
08. New Moon
09. Days In Clover
10. Wake Up


autor stipe07 às 11:36
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Quarta-feira, 28 de Fevereiro de 2018

Insecure Men – Insecure Men

O ano de 2015 estava a ser complicado para Saul Adamczewski, fruto de uma espiral errática de comportamentos relacionados com o consumo de substâncias psicotrópicas que lhe fizeram perder ou colocar em causa, entre outras coisas, o lugar de guitarrista nos carismáticos Fat White Family. A viver em Londres no apartamento de um amigo, acabou por encontrar a salvação num conjunto de canções que foi compondo e que agora vêem a luz do dia através da Fat Possum, através do projeto Insecure Men, que partilha com Ben Romans-Hopcraft, seu amigo de infância e líder dos Childhood.

Insecure Men tem como principal atributo esse curioso travo a uma altiva alienação lisérgica, muito marcada não só nas vocalizações de Saul, mas também, e principalmente, na pafernália de arranjos e efeitos que vão pairando em redor de onze canções que se sustentam, ora nas cordas ora nas teclas, sempre com aquela necessária dose de exotismo que exigem composições sonoras que pretendem homenagear aquela pop vintage de início da segunda metado do século passado e que tanto inspira esta dupla.

Canções como a intimista Subaru Nights ou a vibrante e solarenga Teenage Toy estão repletas de inspirados arranjos, distorções enleantes e de toda uma pafernália de detalhes e efeitos, qur orgânicos quer sintéticos, que conferem ao clima inicial de Insecure Men uma toada bastante impressiva e cativante. Depois, quer no exercício narcisista de Saul em I Don’t Wanna Dance (With My Baby), quer no intimismo falsamente(?) confessional de All Women Love Me, deliciamo-nos com uma inspirada ode à capacidade que cada um de nós tem, caso queira, de exalar aquele charme que não deixa ninguem indiferente à nossa passagem. Depois, em Cliff Has Left The Building, Mekong Glitter e Whitney Houston & I, os Insecure Men inspiram-se diretamente em alguns ícones da cultura pop contemporânea, nomeadamente Cliff Richard, Gary Glitter e Whitney houston, como parece ser óbvio, não só para homenagear, mesmo que seja com uma elevada dose satírica, mas também para provarem que se mantém particularmente vincada a capacidade de Saul em apresentar os seus pontos de vista, de modo livre e divertido, sem ser ofensivo, sobre outras personagens tão ou mais controversas que ele, mesmo que isso possa ferir algumas suceptibilidades mais puristas. Curiosamente, Heathrow e Saddest Man In Penge acabam por ser a cereja no topo do bolo desta filosofia de abordagem incisiva ao universo que rodeia os Insecure Men, já que a primeira satiriza aquele modo de ser british que sempre marcou a classe média inglesa e a segunda inspira-se no período em que Saul viveu com a sua mãe, gastando tudo aquilo que ganhava no seu emprego da altura com a já referida adição a substâncias menos lícitas.

Instrumentalmente habilidoso e repleto de sons modulados e camadas sonoras sintetizadas que lhe conferem uma toada geral bastante espectral, Insecure Men consegue transmitir, com uma precisão notável, sentimentos que frequentemente são um exclusivo dos cantos mais recônditos da alma de muitos de nós e que Saul não tem receio de expôr. Aqui fá-lo através de uma fresca coleção de canções pop, que além de explanarem a sua pessoal inclinação quase genética para o confronto inofensivo, demonstram a sua enorme capacidade criativa e de auto exaltação algo enganadora, porque não serve um propósito narcisista, mas de crítica ao mainstream. A capa propagandística do álbum, que retrata o músico como uma espécie de líder norte-coreano, é um excelente exemplo e uma boa ilustração de todo este modus operandi. Espero que aprecies a sugestão...

Insecure Men - Insecure Men

01. Subaru Nights
02. Teenage Toy
03. All Women Love Me
04. Mekong Glitter
05. Heathrow
06. I Don’t Wanna Dance (With My Baby)
07. The Saddest Man In Penge
08. Ulster
09. Cliff Has Left The Building
10. Whitney Houston And I
11. Burried In The Bleak


autor stipe07 às 18:43
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Sábado, 17 de Fevereiro de 2018

Montero – Performer

É inegável que com o virar do século a Austrália tornou-se, por razões nem sempre fáceis de destrinçar, um viveiro para o germinar de projetos sonoros que misturando rock, pop e psicadelia de forte travo glam vintage, acabaram por conquistar ouvintes além fronteiras e, em certos caso, o estrelato mundial. Os Tame Impala são, obviamente, o grupo mais bem sucedido, mas os POND, os King Gizzard and the Lizard Wizard de Stu Mackenzie, os The Jungle Giants, Jagwar Ma, Underground Lovers, The Ocean Party ou os Coloured Clocks, entre outros, também merecem destaque, sendo agora acompanhados por Montero, um projeto da autoria do aclamado artista Bjenny Montero, de regresso aos discos com Performer depois do enorme sucesso conseguido com o seu disco de estreia The Loving Gaze (2013), que continha o single Adriana, um dos temas com maior airplay esta década nas rádios australianas.

Perennial "Performer" Montero returns with new album, Performer (ta-dah!), out next month on Chapter Music

Escrito entre Londres e Atenas e produzido por Joey Watason (POND, Tame Impala), Performer está impregnado com uma tremenda sensibilidade pop e recheado de temas com uma epicidade incomum e um fulgor que instiga e faz mover quase de modo instintivo quem se predispõe à escuta dedicada. É um alinhamento de dez temas que se assume como uma espécie de ode ao melhor revivalismo neopsicadélico, sendo bons exemplos dessa permissa o aurea dos sintetizadores que abastecem Montero Airlines e a majestosa Tokin’ The Night Away e o intenso downgrade sonoro, fortemente lisérgico, cósmico e imponente do tema homónimo, mas também a vibe etérea tremendamente lisérgica de Aloha, o clima vibrante de Runnign Race, a amplitude e a luminosidade cósmica de Caught Up In My Own World, e o charme luxuriante de Vibrations, sendo estes apenas alguns exemplos do modo como este registo é exímio a confundir-nos com um celebração indulgente e inspirada dos melhores sons do passado sem ousar afastar-se do melhor clima indie do pop rock atual.

Performer impressiona pela alegria e pelo tom poético, corajoso, denso e sofisticado de canções com uma beleza ímpar e até certo ponto onírica. No seu todo, assume-se como um agregado coeso e inspirado de composições que, num misto de pop, eletrónica e pequenas experimentações próximas do rock, transmitem um rol de emoções e sensações expressas com intensidade e minúcia, misticismo e argúcia e sempre com uma serenidade extraordinariamente melancólica e bastante contemplativa. Através dele Montero enche-nos com um espaço sonoro pleno de texturas e fôlegos e onde é transversal uma sensação de experimentação nada inócua e que espelha o cimento das coordenadas que se apoderaram do departamento de inspiração deste músico, compositor e cartoonista, sendo o resultado da ambição do mesmo em se rodear com uma áurea resplandecente e inventiva e de se mostrar ainda mais heterogéneo e abrangente do que na estreia. Espero que aprecies a sugestão...

Montero - Performer

01. Montero Airlines
02. Aloha
03. Caught Up In My Own World
04. Running Race
05. Performer
06. Quantify
07. Vibrations
08. Tokin’ The Night Away
09. Destiny
10. Pilot


autor stipe07 às 13:51
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Quinta-feira, 15 de Fevereiro de 2018

Beach House – Lemon Glow

Beach House - Lemon Glow

Quase três anos depois da dose dupla que foi Depression Cherry e Thank Your Lucky Stars, o quarto e o quinto discos da dupla Beach House, lançados em 2015, parece que este projeto sedeado em Baltimore, no Maryland, formado pela francesa Victoria Legrand e pelo norte americano Alex Scally tem novo disco em carteira.

De facto, os Beach House acabam de divulgar uma nova canção intitulada Lemon Gow. tema que tem aquela toada simples e nebulosa, bastante melódica e etérea, plena de sintetizadores assertivos e ruidosos e guitarras com efeitos recheados de eco, que mantêm intacta a aura melancólica e mágica de um projeto que vive em redor da voz doce de Victoria e da mestria instrumental de Alex e se aproxima cada vez mais de algumas referências óbvias de finais do século passado. Confere...


autor stipe07 às 17:38
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