Quinta-feira, 31 de Outubro de 2019

Pete Yorn – Caretakers

Nascido em Nova Jersey há já quatro décadas e meia, Pete Yorn é um dos nomes mais interessantes do cenário indie norte-americano, um músico, cantor e compositor, que se notabilizou há cerca de dez anos quando gravou o disco Break Up, em parceria com a atriz e cantora Scarlett Johansson. Caretakers é o seu novo compêndio de originais, o oitavo registo do seu cardápio sonoro, um trabalho em que Yorn demonstra com elevada bitola qualitativa a sua elevadíssima capacidade interpretativa junto das cordas, nomeadamente a viola e a guitarra, os seus instrumentos de eleição.

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Tendo-se estreado no início deste milénio com o álbum musicforthemorningafter e já beneficiado de colaborações de nomes como Peter Buck ou os Guided By Voices, além da já referida Scarlett, nos oito discos que editou, Pete Yorn tem consolidado uma carreira bastante interessante dentro de um espetro sonoro que privilegia uma interseção cuidada entre alguns dos tiques essenciais do típico rock alternativo norte-americano e o chamado alt-country, que conserva, na sua essência, alguns dos mais belos fundamentos daquele som tipicamente americano que todos identificamos facilmente. Chapéus de cowboy e camisas aos quadrados por cima de t-shirts desbotoadas podem muito bem ser o dress code das canções de Yorn, caso elas se quisessem vestir com aquela que é a sua essência e travo.

De facto, em pouco mais de meia hora, Caretakers transporta-nos com nitidez para uma América repleta de dilemas, mas também profundamente humana, emocional e, de algum modo, simples. Canções do calibre de Calm Down, um exuberante exercício de manipulação de cordas luminosas com arranjos de forte cariz vintage, Can't Stop You, um mais intimista e afetuoso instante de melancolia e introspeção à boleia de uma guitarra eletrificada repleta de charme ou ECT, um portento de intimidade que convida ao sorriso fácil e à reflexão espontânea, são momentos maiores de um trabalho onde simplicidade e sofisticação se confundem e se sentem porque as canções deste disco falam do nosso interior com clareza e ressucitam o que de melhor a mente humana pode sentir, sendo a sua audição uma experiência ímpar e de ascenção plena a um estágio superior de letargia. Espero que aprecies a sugestão...

Pete Yorn - Caretakers

01. Calm Down
02. I Wanna Be the One
03. Can’t Stop You
04. Idols (We Don’t Ever Have To Say Goodbye)
05. Do You Want To Love Again?
06. Caretakers
07. Friends
08. ECT
09. POV
10. Opal
11. A Fire In The Sun
12. Try


autor stipe07 às 15:09
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Quarta-feira, 30 de Outubro de 2019

Tiago Vilhena - Portugal 2018

O músico e compositor Tiago Vilhena, que já foi George Marvison noutro projeto e membro dos Savana, acaba de se estrear nos lançamentos discográficos com Portugal 2018, um trabalho que tem a chancela da Pontiaq e cantado quase na sua totalidade em português. Portugal 2018 contém dez composições filosóficas e relaxadas, introspetivas e reveladoras, sendo um registo com um forte cunho ativista, mas tambémum álbum fantástico porque retrata profetas, dilemas da morte e da vida, poções e milagres. É um registo em que o autor olha de modo particularmente crítico para este mundo e, de modo muito particular, para o nosso jardim à beira mar plantado, questionando a existência, incorporando e relatando experiências de animais, criticando a inoportunidade, elogiando a vida, a viagem e a simplicidade.

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Ode à diversidade e ao bom gosto, Portugal 2018 contém um soberbo manancial de composições buriladas com inquestionável requinte e bom gosto, rematadas por uma limpidez e uma sapiência indesmentíveis, quer ao nível da produção quer da mistura. Se ao ouvires Portugal 2018 percebes que o buliçoso piano de Quem me trouxe ao mundo te faz sorrir de orelha a orelha sem notares, se o dedilhar intensamente impressivo das cordas que recriam um instante a dois de intenso frenesim sensual em Cabaço vai morrer é um filme que fazes no teu âmago sem esforço, se as ondas que sentes a se eriçarem na tua pele durante a audição de O mar têm um travo a sal e a ostras delicioso ou as sintetizações pueris que sustentam Fujo para sempre te iludem com uma espécie de despreocupação inócua, que resulta, na verdade, de um processo de experimentação tremandamente criterioso e bem sucedido, ou se D'esta vida te coloca dentro de uma espécie de caixinha de sons minúscula, que tem como cenário um delicioso pôr do sol em plena Primavera então estás, na minha humilde opinião, claramente sintonizado com a essência de um disco com uma beleza melódica, lírica e instrumental incomum, que instiga, hipnotiza e emociona, um registo capaz de fazer parar o relógio ao mais empedernido coração e colocá-lo no rumo certo, tal é o rol de emoções que transmite e a intensidade das mesmas. Espero que aprecies a sugestão...


autor stipe07 às 22:14
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Terça-feira, 29 de Outubro de 2019

Tame Impala – It Might Be Time

Tame Impala - It Might Be Time

Quase cinco anos após Currents e a testar os limites da nossa paciência devido a tão prolongado hiato, eis que os australianos Tame Impala de Kevin Parker voltam, finalmente, a dar sinais de vida com It Might Be Time, tema que fará parte de The Slow Rush, o novo registo de originais do projeto, um alinhamento com doze músicas gravadas, produzidas e misturadas pelo próprio Parker entre Los Angeles e o estúdio do artista em Fremantle, na Austrália, onde reside. The Slow Rush tem data de lançamento prevista para catorze de fevereiro do próximo ano, à boleia da Modular Records, a habitual etiqueta do grupo.

It Might Be Time é já o terceiro tema divulgado de The Slow Rush. Os leitores mais atentos de Man On The Moon certamente recordam-se que este ano a nossa redação já divulgou as composições Patience e Borderline. No entanto esta é a primeira canção a confirmar alguns dos detalhes fundamentais daquele que será o quarto alinhamento dos Tame Impala e certamente um dos marcos discográficos de dois mil e vinte.

Quanto ao seu conteúdo, It Might Be Time oferece-nos quatro minutos e meio de um pop rock de forte matriz psicadélica e com uma atmosfera sonora bastante aprazível, num resultado final algo melancólico e espiritual e onde, como é norma no projeto, é dado um enorme ênfase na nostalgia e no modo como apresenta com uma contemporaneidade invulgar alguns sons do passado, importantes pedras de toque da filosofia sonora dos Tame Impala.Confere...


autor stipe07 às 13:33
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Segunda-feira, 28 de Outubro de 2019

The Growlers – Natural Affair

Os The Growlers são uma banda norte americana de Costa Mesa, na Califórnia, formada por Brooks Nielsen (voz), Matt Taylor (guitarra), Scott Montoya (bateria), Anthony Braun Perry (baixo) e Kyle Straka (teclas e guitarra) e que descobri já em 2012 por causa de Hung At Heart, o terceiro álbum da discografia do grupo, um disco gravado em Nashville, editado em novembro desse ano através da Everloving Records e que foi produzido por Dan Auerbach dos The Black Keys. Um ano após esse registo, disponibilizaram Guilded Pleasures e em dois mil e catorze, com uma cadência quase anual, os The Growlers regressaram às edições com Chinese Fountain, um trabalho que cimentou definitivamente o adn de um projeto que aposta numa sonoridade fortemente influenciada pela psicadelia dos anos sessenta.

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Após Chinese Fountain os The Growlers entraram num período de relativo pousio e criaram a sua própria etiqueta, a Beach Goth Records and Tapes. Casual Acquaintances, disco editado o ano passado, foi o primeiro sinal de vida do grupo nesta nova fase da carreira, um levantamento de algumas demos, lados b e temas inacabados que a banda foi juntando ao longo das sessões de gravação dos discos anteriores e que acabam de ver finalmente sucessor, um trabalho intitulado Natural Affair e que merece ser descoberto com alguma minúcia já que contém canções com elevada bitola qualitativa.

Frequentemente catalogados com uma banda de surf rock, a sonoridade do projeto vai muito além dessa simples catalogação e Natural Affair é mais uma demonstração cabal dessa permissa. Se no tema homónimo do registo é a pop radiante e efusiva que dita leis, logo a seguir, em Long Hot Night (Halfway To Certain) e em Shadow Woman a toada é um pouco mais à blues, com Pulp Of Youth e Foghorn Town a olharem com astúcia para climas algo etéreos e psicadélicos e Social Man a ter um travo tropical que se saúda, até porque se espraia com enorme deleite pelos nossos ouvidos. A partir daí, no chill lo fi de Truly ou no modo astuto como a banda exercita alguns dos cânones fundamentais do rock psicadélico setentista em Tune Out, percebe-se claramente o charme e a personalidade ímpar de um disco cuja aparente simplicidade e descomprometimento não será obra do acaso, mas a obediência clara a um desejo de criação de uma imagem própria, inerente ao conceito de rebeldia, mas sem descurar um apreço pela qualidade comercial e pela apresentação de um alinhamento de canções que agrade às massas.

Os The Growlers têm toda a aparência de conviverem pacificamente com a herança do rock das últimas quatro ou cinco décadas, mas escapam do eventual efeito preverso da mesma e fazem-no com mestria, até porque há uma elevada sensação de espontaneidade num álbum que deve estar no radar de todos aqueles que se interessam por este espetro sonoro. Espero que aprecies a sugestão...

The Growlers - Natural Affair

01. Natural Affair
02. Long Hot Night (Halfway To Certain)
03. Pulp Of Youth
04. Social Man
05. Foghorn Town
06. Shadow Woman
07. Truly
08. Tune Out
09. Coinstar
10. Stupid Things
11. Try Hard Fool
12. Die And Live Forever


autor stipe07 às 21:50
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Domingo, 27 de Outubro de 2019

The 1975 – Frail State Of Mind

The 1975 - Frail State Of Mind

Depois de um percurso discográfico com três tomos em que a grande aposta foi um anguloso piscar de olhos a algumas das referências pop dos anos oitenta com forte tendência radiofónica, não faltando até interseções com o melhor R&B norte americano e a eletrónica mais futurista, os The 1975 de Matt Healy preparam-se para uma verdadeira inflexão sonora à boleia de Notes On A Conditional Form, o ábum que o grupo britânico se prepara para lançar no início do próximo ano.


autor stipe07 às 12:01
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Sexta-feira, 25 de Outubro de 2019

Coldplay – Arabesque vs Orphans

Quatro anos depois de A Head Full Of Dreams, os britânicos Coldplay estão finalmente de regresso, e já a vinte de dois de novembro, com Everyday Life, um disco duplo que contém um total de dezasseis composições, um alinhamento que já é conhecido e cuja primeira metade tem como título Sunrise, ao passo que a segunda se chama Sunset. Everyday Life irá ver a luz do dia através da Parlohone, a etiqueta de sempre da banda formada por Chris Martin, Guy Berryman, Will Champion e Jonny Buckland.

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Disco antecipado desde há algumas semanas através da publicação de diversas mensagens enigmáticas na página oficial da banda, cartas escritas aos fãs e da divulgação de diversos cartazes em várias cidades do mundo, com fotos vintage dos membros dos Coldplay a tocarem numa orquestra dos anos vinte do século passado, juntamente com o filósofo alemão Friedrich Nietzsche, Everyday Life acaba de se entreabrir com a divulgação dos singles Arabesque e Orphans, um tema de cada uma das duas metades do registo.

Se Arabesque, sétima canção de Sunrise, com trechos cantados em francês e que conta com as participações especiais de Stromae (voz) e de Femi Kuti (sopros), está repleta de detalhes eletreónicos, mas também conta com um excelente trabalho percurssivo, já Orphans, segunda composição de Sunset, oferece-nos aquela faceta eminentemente pop que marcou os últimos trabalhos dos Coldplay, um tema luminoso e festivo, mas também melodicamente amplo e épico e que celebra o otimismo e a alegria. Confere Arabesque e Orphans e a tracklist de Everyday Life... 

Coldplay - Arabesque - Orphans

01. Arabesque
02. Orphans

Disc 1: Sunrise
01 “Sunrise”
02 “Church”
03 “Trouble in Town”
04 “BrokEn”
05 “Daddy”
06 “WOTW / POTP”
07 “Arabesque”
08 “When I Need a Friend”

Disc 2: Sunset
01 “Guns”
02 “Orphans”
03 “Èkó”
04 “Cry Cry Cry”
05 “Old Friends”
06 “بني آدم” (“Bani Adam,” Arabic for “Children Of Adam”)
07 “Champion Of The World”
08 “Everyday Life”


autor stipe07 às 11:06
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Quinta-feira, 24 de Outubro de 2019

Mando Diao - Bang

Já chegou aos escaparates Bang, o novo registo de originais dos suecos Mando Diao, uma banda de rock alternativo formada em dois mil e um, com origem em Borlänge e comandada atualmente por Björn Dixgård, Mats Björke e Carl-Johan Fogelklou. Bang é o nono tomo da carreira dos Mando Diao, sucedendo ao excelente trabalho Good Times, editado na primavera de dois mil e dezassete.

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A primeira impressão que fica da audição de Bang, ainda mais intensa para quem conhece com algum detalhe a discografia do projeto, é uma clara sensação de imediatismo e crueza do seu alinhamento. Em Bang, e um pouco à imagem do que já sucedeu com o antecessor Good Times, os Mando Diao resolveram simplificar o seu receituário estilístico e o seu modus operandi, que tinha-se tornado algo difuso e enigmático em Aelita (2014) e, principalmente, em Infruset (2012), criando agora canções que não deixam de conter um indispensável cardápio de nuances e detalhes, quer no modo como as cordas se apresentam ou como as sintetizações conduzem ou adornam as composições, mas que são, no cômputo geral, composições de elevado airplay e intensidade.

Long Long Way um dos singles divulgados de Bang, é um bom exemplo de toda esta trama que conjura Bang. É uma composição bastante otimista e que impressiona pela exuberância das cordas e dos arranjos que as adornam, sendo, claramente, um tema que faz com nitidez a súmula de um trabalho um pouco diferente da suposta escalada sonora e vertiginosa ao universo indie rock mais pop e até progressivo, que marcou a primeira metade desta década da carreira dos Mando Diao, para voltar a colocar as fichas numa estética também plena de adrenalina, mas com uma forte filosofia garageira, talvez o território onde este quarteto sueco se tem sentido mais confortável ao longo da carreira.

Bang é, portanto, não só um exercício de continuidade de superior calibre relativamente ao antecessor, sem deixar também de ser, no fundo, um registo um pouco diferente do que estamos habituados ultimamente nos Mando Diao, já que nesse Good Times era mais tímida a vontade de optar por uma direção diferente. De facto, o travo funk de Bang Your Head, o virtuosismo vocal e a delicadeza acústica que nunca se deixa esconder inteiramente na crescente My Woman, a luminosidade punk de One Last Fire ou a deliciosa soul empoeirada que conduz a stoniana He Can't Control You, são momentos maiores de um registo que recoloca os Mando Diao no trilho ideal e os faz terem mais um notável punhado de canções que irão certamente incendiar plateias em concertos futuros de uma banda que se tem valorizado pela originalidade simultaneamente vintage e contemporânea das suas obras, discos que sustentam uma identidade firme e coesa de uma banda que merece, claramente, e agora mais do que nunca, uma superior projeção. Confere...

Mando Diao - BANG

01. One Last Fire
02. He Can’t Control You
03. Long Long Way
04. Don’t Tell Me
05. I Was Blind
06. Bang Your Head
07. Get Free
08. My Woman
09. Scream For You
10. Society


autor stipe07 às 18:07
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Quarta-feira, 23 de Outubro de 2019

Born-Folk - Fall-Inn

Têm apenas alguns meses de vida os Born-Folk, um projeto oriundo de Lisboa constituido por músicos com influências oriundas de épocas distintas, mas que assume uma dimensão criativa pop, livre e eclética. O grupo quer chegar ao âmago do coração, de modo assumidamente casual e algo romântico, tendo já na forja um EP intitulado Come Inside! e do qual começou por ser retirado o tema Heat And Rum, no ocaso do último verão. Agora, em pleno estio outunal, chega a vez da composição Fall-Inn, tema que encerra o alinhamento do EP e também já com direito a um vídeo realizado por Luis Vieira, um possível retrato de um peculiar “rendez vous” outonal falhado com uma “patinadora artística” que vai pirateando corações com o seu sorriso alemão.

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Se Heat And Rum era uma típica canção de verão, com uma indesmentível e peculiar vibe surf rock sessentista, carregada de surf tremolo na guitarra e voz delicada e com uma letra em que estava patente toda a simbologia ligada à temática do surf, calor, ondas e raparigas a exibirem-se e toda a parte, Fall-Inn, conduzida por um eletrificação de cordas agreste e abrasiva, mas tremendamente charmosa e com um travo punk delicioso, tem um clima mais outunal. De acordo com os Born-Folk, no hotel FALL-INN (uma espécie de open space hostel) somos saqueados por uma coelhinha pirata que embala os hóspedes com o seu olho empalado. A enigmática mensagem em “alemão da região da baixa googlândia” é o hall de entrada. Segue-se uma imperial overdrive interminável até à infusão fatal, um cházinho relaxante e inebriante carregado de wah wah “delayano” que nos levará até ao grand finale, onde a queda é uma aposta segura. Willkommen!!! Confere...


autor stipe07 às 18:53
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Terça-feira, 22 de Outubro de 2019

Foals - Everything Not Saved Will Be Lost Part 2

Quase quatro anos depois de What Went Down, os Foals de Yannis Philippakis prepararam dose dupla para dois mil e dezanove, tendo começado com o lançamento, no passado mês de maio, de Everything Not Saved Will Be Lost Part 1, ao qual sucedeu, já neste mês de outubro, Everything Not Saved Will Be Lost Part 2, dois trabalhos com a chancela do consórcio Transgressive / Warner Bros. Sexto registo da carreira do projeto britânico e, tal como o antecessor, com artwork do artista equatoriano Vicente Muñoz, que pretende simbolizar muito do conteúdo lírico dos álbuns através de um cruzamento criativo entre a natureza e uma construção humana e produzido pela própria banda e por Brett Shaw, Everything Not Saved Will Be Lost Part 2 é o segundo registo do projeto sem a presença do baixista Walter Gervers que o ano passado abandonou amigavelmente os Foals.

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Everything Not Saved Will Be Lost Part 1 foi um disco muito focado no modo como o homem tem pressionado o ambiente e a natureza, colocando o futuro do nosso planeta em risco, mas também olhanva para assuntos importantes da realidade britânica como o brexit, a imigração e o fosso cada vez maior entre ricos e pobres. Everything Not Saved Will Be Lost Part 2 mantém-se, filosoficamente, nessa demanda de análise analítica da contemporaneidade conturbada em que a sociedade ocidental vive, fazendo-o de um modo ainda mais dramático e intenso que o antecessor. Os pouco mais de dez minutos de Neptune, no ocaso do registo, acabam por sublimar toda esta trama que os Foals nos facultaram este ano em dose dupla, fazendo-o com irrepreensível lucidez, mas também notável sentimentalismo.

De facto, se logo no clima cinematográfico impressivo da introdutória Red Desert é-nos apresentado um certo travo de angústia e dúvida, em composições do calibre de Black Bull, uma canção impulsiva e eloquente, assente em guitarras conduzidas por uma epicidade frenética, crua e impulsiva, que tem ainda o bónus de contar com um elevado protagonismo do baixo na arquitetura melódica que a sustenta, mas também em The Runner e Into The Surf, dois temas que têm essa toada hard, seca e vibrante, fica assente a tónica numa clara angústia e aversão dos Foals, relativamente ao modo como vêm hoje o poder e quem toma conta das suas rédeas. Nelas, as guitarras experimentais que sustentaram com enorme sucesso Antidotes o registo de estreia da banda e a atmosfera pop rock oitocentista bastante vincada de canções como a marcial Like Lightning, a empolgante Dreaming Of e a cinematográfica e a intrigante10,000 Feet, têm esse cunho realístico que confere às composições de Everything Not Saved Will Be Lost Part 2 poder e capacidade para se tornarem em bandas sonoras perfeitas das mais diversas manifestações de contra poder que temos assistido um pouco por todo o mundo nas últimas semanas e que, da questão das alterações climáticas ao sufoco do capitalismo, passando pela intolerância religiosa e pelo direito à auto determinação,  deixam este mundo mais irrequieto e vulnerável do que o aquilo que seria de supor. Só o tempo dirá se esta é, no cômputo geral, uma irrequietude saudável.

Registos pensados ao milímetro, carregados de nuances, quebras, detalhes, instantes de euforia, mas também de contemplação, Everything Not Saved Will Be Lost, Part 1 e Part 2 consolidam a verdadeira essência de um projeto que, por muitas voltas que procure dar ao seu catálogo, tem no seu adn as guitarras como elemento aglutinador e identitário primário, assim como o tal tribalismo percussivo, mas que também utiliza alguma sintetização para fugir ao óbvio de forma madura e cativante, sem nunca deixar de tentar estabelecer, com sentimentalismo penetrante e profundo, uma conexão assertiva entre as pistas de dança do passado e do presente. Espero que aprecies a sugestão...

Foals - Everything Not Saved Will Be Lost, Part 2

01. Red Desert
02. The Runner
03. Wash Off
04. Black Bull
05. Like Lightning
06. Dreaming Of
07. Ikaria
08. 10,000 Feet
09. Into The Surf
10. Neptune


autor stipe07 às 21:55
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Segunda-feira, 21 de Outubro de 2019

Perfume Genius – Pop Song

Perfume Genius - Pop Song

Cerca de dois anos e meio depois do excelente No Shape, Mike Hadreas, aka Perfume Genius, está de regresso com novidades que poderão muito bem antecipar o lançamento em breve do quinto álbum da carreira de um dos nomes mais excitantes do cenário musical alternativo. Importa, no entanto, ressalvar que Hadreas não este parado durante este par de anos, já que criou os temas Eighth GradeBooksmart e13 Reasons Why, para a banda sonora do filme The Goldfinch, além de ter andado em digressão a promover No Shape e de ter ainda autorizado algumas remisturas e participado em colaborações.

Entretanto também já era do conhecimento público que Perfume Genius andava a colaborar com a coreógrafa Kate Wallich e com a companhia de dança The YC, num bailado contemporâneo e numa performance ao vivo. O nome dessa inusitada obra éThe Sun Still Burns Here e começam a ser revelados cada vez mais detalhes do produto final e da performance, estando o seu conteúdo cada vez menos confinado aos estúdios de dança onde têm decorrido os ensaios e as gravações.

Eye In The Wall foi o primeiro grande detalhe já revelado desse trabalho colaborativo, uma composição sonora assinada por Perfume Genius e que nos oferece uma espécie de sinistro western percurssivo, com uma impactante atmosfera lo-fi, mas também com aquela dose de delicadeza e emotividade que carateriza, através de um aparato tecnológico amplo, os principais caminhos de expressão musical da sua discografia. Agora, algumas semanas depois, acaba de ser revelada mais uma composição dessa performance colaborativa e com a assinatura de Hadreas. A canção intitula-se Pop Song e permite-nos contemplar um curioso exercício de simbiose entre elementos sintéticos particularmente rugosos, com um edifício percussivo repleto de groove, tudo temperado com o habitual falsete de Hadreas, sempre emotivo e realisticamente magnético. Confere...


autor stipe07 às 21:12
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Sexta-feira, 18 de Outubro de 2019

Miniature Tigers - Vampires In The Daylight

Três anos depois do muito recomendável I Dreamt I Was A Cowboy, os nova iorquinos Miniature Tigers de Charlie Brand, Rick Schaier, Algernon Quashie e Brandon Lee, mais uma banda natural de Brooklyn, um dos bairros musicalmente mais profícuos da maior cidade da costa leste dos Estados Unidos da América, estão de regresso com Vampires In The Daylight, um álbum que viu a luz do dia a onze de outubro, e disponível no sitio da banda.

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Banda inspirada no modo como se serve de alguns dos princípios orientadores da clássica pop, estes Miniature Tigers oferecem-nos uma espécie de sexy electronic pop, muito kitsch, ampliada por uma dose elevada de experimentalismo que parece não se preocupar demasiado com regras e conveções, fundindo, em suma os sons da pop dos anos sessenta com uma indie muito animada e psicadélica.

Logo a abrir o registo, o clima orquestral intrincado de Caged Bird tem essa vertente de heterogeneidade e logo depois as cordas exuberantes e a percussão frenética de Manic Upswings, assim como, numa abordagem radicalmente diferente, o singelo paladar climático de Anything Else, a vibe surf do tema homónimo o travo R&B de cariz mais ambiental de Wish, carimbam esta impressão geral de elevado ecletismo, num disco em que a temática das relações está bastante presente, com canções carregadas de trocadilhos e metáforas e com a própria sonoridade geral a não deixar de denotar uma inspirada languidez, carregada ainda mais pela voz muitas vezes em falsete de Rick.

Vampires In The Daylight é para ser escutado sem ideias pré definidas e de espírito livre e aberto, sendo um daqueles álbuns que vai revelando, pouco a pouco, o exotismo de muitas das suas canções, repletas de texturas acústicas e elétricas, sobrepostas ou de mão dada e que, consoante o nosso estado de espírito no momento, trazem à tona da predominância de de algumas das imensas paisagens sonoras contém, um exercício inconsciente que faz com que este disco se torne estranhamente viciante. Espero que aprecies a sugestão.

Miniature Tigers - Cool

01. Caged Bird
02. Manic Upswings
03. Rattlesnake ASMR
04. Anything Else
05. Wish
06. Cool
07. Vampires In The Daylight
08. Guilty Sunsets
09. LNOE
10. Better Than Ezra
11. Somewhere Soft


autor stipe07 às 19:03
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Quinta-feira, 17 de Outubro de 2019

Vetiver – Wanted, Never Asked

Vetiver - Wanted, Never Asked

Andy Cabic, a mente profunda e inspirada que em São Francisco, na solarenga Califórnia, alimenta e dá vida ao projeto Vetiver, está de regresso aos discos, com um trabalho intitulado Up On High, que chegará aos escaparates a um de novembro próximo, através das etiquetas Mama Bird Recording Co. (US/World) e Loose Music (UK/EU).

Em jeito de antecipação do registo, já são conhecidos alguns temas do seu alinhamento, sendo o mais recente Wanted, Never Asked, uma aconchegante composição, que contém na sua essência a melhor herança da mais genuína folk norte-americana, uma canção com um travo de pureza e simplicidade únicos, amena, íntima e cuidadosamente produzida, mas também arrojada no modo como, através da suavidade das cordas e do groove da bateria exala uma enorme elegância e sofisticação. Confere...


autor stipe07 às 13:10
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Quarta-feira, 16 de Outubro de 2019

Men On The Couch - Senso Comum

Já chegou aos escaparates Senso Comum, o primeiro álbum gravado em estúdio dos madeirenses Men On The Couch, de Guilherme Gomes, João Rodrigues, Tiago Rodrigues e Francisco Sousa, um alinhamento de onze canções captado nos míticos BlackSheep Studios em Sintra. Após vários anos a tocarem juntos, a banda madeirense decidiu finalmente pegar nas músicas que foi acumulando e aventurar-se na criação do disco de estreia, um álbum que, de acordo com o grupo, carrega todas as felicidades, desilusões, pensamentos e teorias que uns miúdos na casa dos vinte anos possam ter.

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Esta banda, que começou por cantar em inglês mas rapidamente optou pela língua mãe, oferece-nos, em Senso Comum, algumas músicas mais calmas e outras para abanar a anca, tendo, no processo de composição, olhado com uma certa gula para o pop rock contemporâneo, mas também, numa curiosa mescla, para alguma da melhor música popular brasileira. O resultado final são, de acordo com os próprios Men On The Couch, quarenta e três minutos de temas originais e refrescantes, que abordam vários temas do domínio comum da nossa sociedade, com letras leves e fáceis de digerir onde o ouvinte tem espaço para rir, chorar, dançar, gritar e refletir ao som das guitarras melódicas características da banda.

De facto, canções do calibre de Se eu morresse amanhã, uma composição que faz uma abordagem leviana e recheada de ironia a algo que assalta, pelo menos uma vez na vida, o pensamento de todos: O que é que acontecia se morrêssemos amanhã? Ficava tudo igual? Iam chorar por nós? Faziam uma grande festa? Era bolo de quê?, mas também Areia, uma história de amor passada numa ilha semelhante ao paraíso, intensificada pelos beijos salgados, mergulhos no mar e cervejas na areia, possibilitam-nos, desde logo, elevadas doses de sensibilidade e otimismo que nem sempre é fácil de decortinar nas propostas sonoras recentes deste jardim à beira mar plantado.

Mas Senso Comum não impressiona só pelas portas que os singles do disco nos escancaram; aliás, quem queira descobrir a fundo a filosofia estilística destes Men On The Couch não se pode cingir à audição de apenas estes dois temas de Senso ComumEnredos, um tema que impressiona pela forte luz que irradia e pelo travo festivo que uma declaração sentida de amor nem sempre tem, Clickbait, um orgasmo percussivo que nos oferece com notável nostalgia, memórias de alguma da melhor pop de há três décadas atrás que já era feita por cá, Na Lua, um portento de experimentalismo rock que impressiona pelo modo como um efeito ciranda melodia acima e abaixo sem nunca se insinuar demasiado, a soul contemplativa, mimnimal mas intensa de It's Okay e 760, composição que faz uma simbiose cuidada entre o jazz e a folk pop melancólica mais negra e extrovertida, são momentos também maiores de um alinhamento em que quem vence é, na soma de todas as partes, aquele rock clássico e intemporal, um resultado obtido através de um curioso nonsense e de uma vibe soalheira que tem uma contemporaneidade ímpar e um charme incomum. Espero que aprecies a sugestão...


autor stipe07 às 21:19
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Terça-feira, 15 de Outubro de 2019

Panda Bear – Playing The Long Game

Panda Bear - Playing The Long Game

Pouco mais de meio ano após a edição do excelente registo Buoys, o seu sexto álbum de estúdio, o músico norte-americano Panda Bear acaba de dar mais um vigoroso passo em frente na sua carreira a solo, com a divulgação de um novo tema intitulado Playing The long Game e que não fazia parte do alinhamento desse registo. Além da canção, este músico natural de Baltimore, no Maryland e a residir em Lisboa e um dos nomes obrigatórios da indie pop e daquele rock mais experimental e alternativo que se deixa cruzar por uma elevada componente sintética, sempre com uma ímpar contemporaneidade e enorme bom gosto, também deu a conhecer ao grande público o vídeo da mesma, realizado pela portuguesa Fernanda Pereira e onde se pode ver Noah Lennox a deambular por uma floresta enquanto uma horda de mascarados vagueia à distância.

Canção sobre dilemas existenciais mais ou menos óbvios, como confessou o próprio Lennox (The song is about a brief series of thoughts I had one morning about who I am, what I’m doing, and where I’m going), Playing The Long Game foi produzida pelo próprio músico com a colaboração de Rusty Santos e Sebastian Sartor e assenta numa pop experimental eminentemente sintética e com um indesmentível travo R&B, uma composição de forte cariz etéreo e contemplativo, mas também com uma frescura e um colorido muito curiosos e apelativos. Confere...


autor stipe07 às 15:34
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Segunda-feira, 14 de Outubro de 2019

The Dodos – The Atlantic

Os The Dodos de Meric Long e Logan Kroeber parecem continuar fixados na temática do mar e, de modo mais redutor, no oceano atlântico, já depois de o último álbum da dupla de São Francisco, o registo Certainty Waves, produzido pelo próprio Meric Long e editado no início da passda primavera, através da Polyvinyl Records, ter-se centrado bastante nessa temática oceanográfica.

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De facto, The Atlantic, o novo tema divulgado da dupla, versa sobre a questão do isolamento e de como muitas vezes, ao não nos rodearmos das pessoas certas, acabamos por nos tornar numa espécie de ilha, perdida e inatingível. Sonoramente, na crueza do dedilhar das cordas, na variedade rítmica algo intuitiva e no clima melódico particularmente contemplativo, ampliado pelo registo vocal em falsete de Long, The Atlantic tem esse travo muito sui generis à imensidão de um oceano e à mágoa que aquela sensação claustrofóbica de desnorte traz sempre associada ao conceito de solidão. Confere...


autor stipe07 às 17:31
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Sábado, 12 de Outubro de 2019

Allah-Las - Lahs

Naturais de Los Angeles, os norte americanos Allah-Las de Miles Michaud, Pedrum Siadatian, Spencer Dunham e Matt Correia têm finalmente sucessor para o excelente registo Calico Review de dois mil e dezasseis. Foi ontem, onze de outubro, que viu a luz do dia Lahs, o novo compêndio de originais do quarteto, um trabalho que chegou aos escaparates através da Mexican Summer, a habitual editora do grupo.

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Os Allah-Las viajaram imenso depois da edição de Calico Review, com passagens por locais tão variados como todo o continente americano, a Europa, África do Sul, Austrália, Rússia e leste da Ásia e o conteúdo de Lahs é bastante inspirado por essa demanda mundo fora, nomeadamente as experiências que a banda foi conseguido vivenciar além das normais rotinas de uma digressão musical.

A música dos Allah-Las é algo que se esprai deliciosamente nos nossos ouvidos, sem pressas, arrufos ou complicações desnecessárias. Há uma constante sensação de conforto, calma, quietude e etérea contemplação nas composições deste quarteto e Lahs, o registo mais heterógeneo e completo da carreira do projeto, amplia esta filosofia interpretativa, adocicando-a com novas nuances, nomeadamente aquelas que foram retiradas da lista de arquétipos fundamentais do rock clássico e do alternativo. A soul da guitarra de Holding Pattern é, desde logo, uma primeira demonstração inequívoca de um maior experimentalismo, de um desejo de divagar que contraste com o cariz mais direto e incisivo dos dois trabalhos anteriores dos Allah-Las. Depois, se o efeito metálico da guitarra que ciranda por Keeping Dry espreguiça os nossos sentidos, fazendo também abanar ligeiramente a anca, a tal diversidade atinge píncaros de criatividade em Prazer Em Te Conhecer, um tema cantado em português e que nos oferece uma espécie de Califórnia verde e amarela, já que são evidentes as influências da melhor música popular brasileira, em especial a bossa nova, numa composição imbuída de uma indesmentível vibe tropical, além da típica psicadelia lo-fi que carateriza o adn dos Allah-Las.

Os Allah-Las estão atrasados ou adiantados quase meio século, depende da perspetiva que cada um possa ter acerca do conteúdo sonoro que replicam. Se na década de sessenta seriam certamente considerados como uma banda vanguardista e na linha da frente e um exemplo a seguir, na segunda década do século XXI conseguem exatamente os mesmos pressupostos porque, estando novamente o indie rock lo fi e de cariz mais psicotrópico na ordem do dia, são, na minha modesta opinião, um dos projetos que melhor replica o garage rock dos anos sessenta e a psicadelia da década seguinte.

À medida que nos embrenhamos no âmago do disco, na frescura dançante de In The Air,  na luminosidade de Roco Ono, no clima contemplativo de Star, na radiofonia feliz de Polar Onion, na mescla entre folk e o country sulista americano em Royal Star ou no reverb empoeirado que conduz Electricity, percebemos que a receita dos Allah-Las mantém-se tremendamente eficaz e ainda mais aditiva, mesmo no sentido psicotrópico do termo. A embalagem muito fresca que é, no seu todo, Lahs, assente numa guitarra vintage, que de Creedance Clearwater Revival a Velvet Underground, passando pelos Lynyrd Skynyrd, faz ainda alguns desvios pelo blues dos primórdios da carreira dos The Rolling Stones e pela irremediável crueza dos The Kinks, deixa-nos completamente absortos por este experimentalismo instrumental que pode servir como uma feliz homenagem ao final de um verão que se tem estendido um pouco mais além do necessário. Em suma, estamos na presença de um alinhamento com sabor a despedida do sol e do calor, feito de referências bem estabelecidas e com uma arquitetura musical que garante aos Allah-Las a impressão firme de que a sua sonoridade típica conquista e seduz, com as visões de uma pop caleidoscópia e o sentido de liberdade e prazer juvenil que suscita, também por experimentar um vasto leque de referências antigas. Espero que aprecies a sugestão...

Allah-Las - Lahs

01. Holding Pattern
02. Keeping Dry
03. In The Air
04. Prazer Em Te Conhecer
05. Roco Ono
06. Star
07. Royal Blues
08. Electricity
09. Light Yearly
10. Polar Onion
11. On Our Way
12. Houston
13. Pleasure


autor stipe07 às 17:48
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Sexta-feira, 11 de Outubro de 2019

Storm The Palace - Delicious Monster

Com origem no nome latino da planta Monstera Deliciosa, Delicious Monster é o segundo e novo registo de originais do coletivo britânico Storm The Palace, atualmente formado por Sophie Dodds, Reuben Taylor, Willa Bews, Jon Bews e Alberto Bravo. São onze canções gravadas em Edimburgo no último inverno e escritas quase todas por Sophie, que também participou na produção do disco juntamente com Reuben Taylor, um trabalho com a chancela da etiqueta Abandoned Love Records.

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Ao segundo tomo da carreira, os Storm The Palace merecem amplo destaque porque conseguem ser particularmente originais, dentro de um quadro musical que faz parte do ADN da banda e que se sustenta numa simbiose bastante criativa entre a típica folk britânica, com nuances mais clássicas e o indie rock, sempre em busca de sonoridades estranhas, bizarras e inovadoras, mas também sedutoras e repletas de charme. Delicious Monster é, então, mais uma prova concreta da excentricidade deste grupo, da rara graça como os seus membros combinam e manipulam, com sentido melódico e lúdico, a estrutura de uma canção, no fundo, um esforço indisciplinado, infantil e claramente emocional, mas bem sucedido de se manterem à tona de água na lista das bandas imprescindíveis para contar a história atual da pop de Terras de Sua Majestade.

Se o anterior registo Snow, Stars and Public Transport versava, essencialmente, sobre a vida em sociedade em espaços públicos amplos e abertos, neste Delicious Monster temos uma abordagem mais intimista das relações e das conexões humanas que se estabelecem dentro de quatro paredes e de como o espaço doméstico pode ser o local mais aconchegante, mas também o mais incómodo e insuportável, consoante o nosso estado de espírito e a nossa condição em determinado momento.

O álbum inicia e logo em Clive sentimo-nos em casa, a sintonizar aquele velhinho rádio a pilhas com um napron rendado por cima e as belíssimas vozes de Sophie e Willa a deixarem-nos à vontade e confortáveis. A partir daí, na delicada If I Were A Seagull, no travo jazzístico de Ancient Goldfish, no olhar pela janela para os prados verdejantes em redor que nos suscita The Magician, no minimalismo das cordas que cirandam por Splendid e na lamechice encapotada de Give Me My Fucking Puppy You Bastard, o clima é de forte proximidade entre banda e ouvinte, uma sensação firmada não só nesta crueza instrumental de praticamente todas as canções, mas também na forte sensação de pertença relativamente ao espaço onde a banda toca e nos convida a penetrar, um antro de perdição que atiça todos os nossos sentidos e cuja acusticidade se abastece de um rock clássico cheio das tais nuances, sempre com uma elevada toada nostálgica e uma luminosidade muito peculiar.

Disco pleno de canções competentes na forma como abarcam diferentes sensações dentro de um mesmo cosmos e que misturam harmoniosamente a exuberância acústica com a voz, dando expressão a letras que exaltam o lado mais festivo da existência humana, conseguida através da combinação da guitarra com outros sons e detalhes, quase sempre precurssivos, os Storm The Palace conseguem confrontar-nos neste Delicious Monster com a nossa natureza, inseridos no universo que eles tão bem recriaram neste alinhamento, uma sensação curiosa e reconfortante que transforma a audição do álbum numa experiência ímpar e de ascenção plena a um estágio superior de letargia. Espero que aprecies a sugestão...


autor stipe07 às 22:55
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Quinta-feira, 10 de Outubro de 2019

Men On The Couch - Areia

Chega amanhã aos escaparates Senso Comum, o primeiro álbum gravado em estúdio dos madeirenses Men On The Couch, de Guilherme Gomes, João Rodrigues, Tiago Rodrigues e Francisco Sousa, um alinhamento de onze canções captado nos míticos BlackSheep Studios em Sintra e que será revisto pela nossa redação muito em breve. Após vários anos a tocarem juntos, a banda madeirense decidiu finalmente pegar nas músicas que foi acumulando e aventurar-se na criação do disco de estreia, um álbum que, de acordo com o grupo, carrega todas as felicidades, desilusões, pensamentos e teorias que uns miúdos na casa dos vinte anos possam ter.

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Para marcar a edição do disco de estreia, os Men On The Couch acabam de divulgar o vídeo de Areia, um dos destaques do seu alinhamento e o segundo single retirado do mesmo. O tema conta uma história de amor passada numa ilha semelhante ao paraíso, intensificada pelos beijos salgados, mergulhos no mar e cervejas na areia. Nesta balada com apenas três elementos, a melodia do rhodes acompanhada pelos acordes ao estilo bossa nova, convida o ouvinte a cantar de imediato e consegue fazê-lo viajar para uma altura onde tudo era mais simples. E a vida boa é mesmo assim: simples, como esta canção.

O vídeo foi filmado na ilha do Porto Santo e realizado por Saúl Caires (VINCO films). Nele os membros da banda aparecem enterrados na areia até ao pescoço como se fossem parte da praia, desempenhando um papel de narrador ausente e observando os vários acontecimentos mundanos de um dia típico numa ilha paradisíaca. Confere...


autor stipe07 às 20:37
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Quarta-feira, 9 de Outubro de 2019

The New Pornographers - In The Morse Code Of Brake Lights

Os The New Pornographers de Kathryn Calder, Neko Case, John Collins, Todd Fancey, Carl Newman, Joe Seiders, Blaine Thurier e Simi Stone, já têm sucessor para o excelente Whiteout Conditions de dois mil e dezassete. In The Morse Code Of Brake Lights é o oitavo registo da carreira do coletivo canadiano e tem onze canções que mantêm o habitual indie pop rock inspirado do grupo, produzidas pelo próprio Carl Newman, membro da banda e patrocinadas pela Concord Records.

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A primeira coisa que me apraz dizer depois de ter escutado este disco é que In The Morse Code Of Brake Lights, um registo incubado, em grande parte, da mente de Neko Case, é luz em forma de música, um disco cheio de brilho e cor em movimento, uma obra com um alinhamento alegre e festivo e que parece querer exaltar, acima de tudo, o lado bom da existência humana. Registo mais grandioso que o antecessor, algo logo audível na presença de uma orquestra durante a gravação do registo e com uma maior ênfase nas cordas, nele tanto podemos saborear alguns dos melhores tiques da pop contemporânea, nomeadamente no clima cósmico oferecido por The Surprise Knock, como a melhor herança do rock clássico e intemporal em Falling Down The Stairs Of Your Smile, uma canção em que não se deixa, em nenhum instante, de ter vontade de pular e de querer desertar para uma espécie de universo paralelo que o tema sugere, feito com aquela felicidade incontrolável e contagiante que todos nós procuramos e que, nesta composição, tanto surgem na impulsividade do baixo e nas notas mais delicadas do piano e na cosmicidade dos sintetizadores, mas também quando elas estão presentes de um modo particularmente explosivo, nas guitarras, assim como nas vozes de Newman e Case, que se alternam e se sobrepôem em camadas, à medida que estes e outros instrumentos fluem naturalmente, sem se acomodarem ao ponto de se sufocarem entre si, naquilo a que é usual chamar-se de som de banda

A partir daí, na leveza dos sopros e da voila que alimentam Opening Ceremony, no clima eminentemente classicista de Colossus Of Rhodes, uma composição em que o baixo é quem dita as regras na condução melódica, no inconfundível charme que os violinos e os detalhes sintetizados repletos de metais conferem à agridoce Higher Beams, ou no charme de um piano pleno de vigor e de soul que suporta toda uma trama orquestral complexa, arritmada, mas vigorante, em Need Some Giants, sentimo-nos preenchidos e sorrimos ao som de um disco cheio de notas e movimentos sinuosos, uma espécie de caldeirão sonoro feito por um elenco de extraordinários músicos e artistas, que sabem melhor do que ninguém como recortar, picotar e colar o que de melhor existe neste universo sonoro ao qual dão vida e que deve estar sempre pronto para projetar inúmeras possibilidades e aventuras ao ouvinte, assentes num misto de power pop psicadélica e rock progressivo. Espero que aprecies a sugestão...

The New Pornographers - In The Morse Code Of Brake Lights

01. You’ll Need A Backseat Driver
02. The Surprise Knock
03. Falling Down The Stairs Of Your Smile
04. Colossus Of Rhodes
05. Higher Beams
06. Dreamlike And On The Rush
07. You Won’t Need Those Where You’re Going
08. Need Some Giants
09. Opening Ceremony
10. One Kind Of Solomon
11. Leather On The Seat


autor stipe07 às 21:05
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Terça-feira, 8 de Outubro de 2019

Taïs Reganelli - Vem (Além de toda solidão)

Filha de pais brasileiros, Taïs Reganelli nasceu em Berna, na Suíça, há quarenta e um anos, durante o exílio político de seu pai, o jornalista Wilson Roberto Reganelli, que foi embora do Brasil após a morte de seu companheiro de trabalho, o também jornalista Vladimir Herzog, assassinado pela ditadura militar. A família viveu na Suíça doze anos antes de voltar definitivamente ao país natal, para Campinas, no interior de São Paulo, quase no ocaso da década de oitenta do século passado.

Resultado de imagem para Taïs Reganelli Vem (Além de toda solidão)

Taïs Reganelli iniciou sua carreira ainda na adolescência, cantando em bares, teatros e espaços culturais da cidade, sempre acompanhada de seu irmão mais velho, o violonista Henrique Torres, com quem formou um duo por mais de vinte anos. Em mil novecentos e noventa e nove, fixou-se em Itália onde durante dois anos deu vários concertos com o irmão,  regressando de novo ao Brasil em dois mil e um para cimentar um lugar de relevo no cenário musical do país irmão e dividir o palco com grandes nomes da música popular brasileira. Ao longo desses anos tocou em vários países da América Latina e da Europa, entre eles Nicarágua, Chile, França, Espanha, Bélgica, Holanda, Itália e Portugal. Lançou quatro álbuns de carreira, destacando-se Leve, há oito anos, que ganhou posições de destaque em várias listas dos melhores discos brasileiros desse ano.

Atualmente a cantora e compositora Taïs Reganelli, vive em Portugal, está apaixonada por Lisboa e a explorar a nossa cultura musical e conceitos tão nossos como a saudade e a solidão. Na sequência, a intérprete estreia-se no nosso país com o lançamento do single Vem (Além de toda solidão), um original da Madredeus composto por Pedro Ayres Magalhães, Rodrigo Leão e Gabriel Gomes e que Taïs canta com pronúncia brasileira, dando ao original um cunho muito pessoal e uma identidade diferente da original sob a produção do pianista e compositor Pablo Lapidusas.

Esta versão do single Vem (Além de toda solidão), também já tem direito a um vídeo realizado por Juliano Luccas, captado na capital do nosso país e inspirado na verdade e crueza da interpretação de Jacques Brel no filme da canção Ne me quitte pas. O vídeo mistura imagens de sítios icónicos de Lisboa com cenas de um corpo feminino, acentuando o contraste entre o macro (a imponente arquitetura lisboeta, o mar...) e o micro (o umbigo, uma lágrima que cai...). 

A cantora explica assim o motivo da escolha da canção para o seu primeiro single: Os Madredeus influenciaram muito a minha carreira e sempre incluí suas músicas em meus concertos no Brasil. Quando cheguei aqui (em Lisboa) quis gravar uma canção deles e de que gostava imenso, em homenagem ao país que estava me recebendo.

Depois do lançamento de Vem (Além de toda solidão), Taïs Reganelli prepara a gravação de mais dois singles e vídeos e de um concerto ao vivo no Casino do Estoril, no dia vinte e um de Novembro, às vinte e duas horas. Confere...

Facebook: https://www.facebook.com/taisreganellioficial/

Instagram: https://www.instagram.com/taisreganelli/

YouTube: https://www.youtube.com/user/taisreganelli


autor stipe07 às 17:06
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