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Local Natives – Violet Street

Terça-feira, 30.04.19

Cerca de dois anos depois de Sunlit Youth, os norte-americanos Local Natives de Taylor Rice estão de regresso aos discos com Violet Street, um registo produzido por Shawn Everett e que viu a luz do dia a vinte e seis de abril, à boleia da Loma Vista Recordings. Quarto disco do grupo californiano, Violet Street eleva o quinteto para um novo patamar instrumental mais arrojado, mantendo-se, no entanto, a excelência nas abordagens ao lado mais sentimental e frágil da existência humana, traduzidos em inspirados versos e a formatação primorosa de diferentes nuances melódicas numa mesma composição, duas imagens de marca do projeto.

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Impecavelmente produzido, Violet Street mantém, como de certo modo já referi, a banda de Salt Lake dentro de uma atmosfera bem delineada e de uma constante proximidade entre as vertentes lírica e musical, algo que ficou logo bem patente em Gorilla Manor, a obra que alicerçou definitivamente o rumo sonoro do grupo logo na estreia, há cerca de uma década. De facto, basta escutar o piano inicial e depois a inserção da batida e do registo vocal em falsete típico tremendamente lisérgico de Taylor, no ambiente deslumbrante, luminoso e efervescente do tema When Am I Gonna Lose You, para se perceber que esses elementos marcantes desde a estreia, muitas vezes agregados a detalhes pontuais, como palmas, distorções de guitarra e efeitos sintetizados, mantêm-se, mas de um modo ainda mais renovado, emotivo e delicioso. Depois, se em Café Amarillo, nos efeitos de cordas, no compasso da bateria e numa guitarra apenas insinuante, mas muito presente, somos puxados para ambientes mais melancólicos, amenos e nostálgicos, no neopsicadelismo progressivo de Gulf Shores e, principalmente, no ritmo efervescente de Megaton Mile e de Shy somos soterrados em variadas emanações sumptuosas e encaixes musicais sublimes, que sobrevivem muito à custa da tal complexidade e riqueza estilística que faz muitas vezes parecer que uma mesma composição dos Local Natives resulta de uma colagem simbiótica de diferentes puzzles com tonalidades e características diferentes, uma agregação que tanto pode ser feita por sobreposição, como se estivessemos a escutar dois temas em simultâneo, um por cima do outro, ou por sequência. Someday Now arrefece um pouco estes ânimos e puxa novamente o registo para um clima mais sombrio e resguardado, fazendo-o com a curiosidade de se suportar numa vasta miríade de efeitos percurssivos, nomeadamente metais, detalhes étnicos e conceptuais que puxam esse tema para uma latitude claramente tropical. Gardens Of Elysian também tem esta faceta mais climática, mas, apesar da rugosidade da guitarra, aposta numa toada eminentemente classicista e com forte cariz pop.

Em suma, num cruzamento feliz entre eletrónica e indie rock, toda esta pormenorizada descrição da vasta heterogeneidade de elementos e nuances que caraterizam cada um dos tema de um registo que, quanto a mim apenas peca pelo curto alinhamento, serve para justificar não só a coerência de Violet Street, até porque cada canção parece introduzir e impulsionar a seguinte, numa lógica de progressão, mas, principalmente, para clarificar a sua enorme riqueza e complexidade, aspetos que sustentam a enorme beleza de um disco que deve ser apreciado com cuidado e real atenção e que se assume, na minha opinião, como um dos melhores lançamentos do ano até ao momento. Espero que aprecies a sugestão...

Local Natives - Violet Street

01. Vogue
02. When Am I Gonna Lose You
03. Cafe Amarillo
04. Munich II
05. Megaton Mile
06. Someday Now
07. Shy
08. Garden Of Elysian
09. Gulf Shores
10. Tap Dancer

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publicado por stipe07 às 15:48

Booby Trap - Stand Up And Fight

Segunda-feira, 29.04.19

Depois de terem reeditado há pouco mais de um ano Brutal Intervention, a demo tape que lançaram no início da carreira e que deu o pontapé de saída de um percurso ímpar no panorama do crossover thrash nacional, os aveirenses Booby Trap de Pedro Junqueiro, Pedro Azevedo, Tó Jó e Hugo Lemos, estão de regresso aos originais com Stand Up And Fight, treze novos temas que contam algumas participações especiais, como é o caso de Lex Thunder (Midnight Priest, Toxikull) e Inês Menezes (Albert Fish, ex-Asfixia, ex-Nostragamus), entre outras e que foi gravado e produzido pela banda no seu próprio estúdio no final do ano transacto.

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Em Stand Up And Fight os Booby Trap consolidam a elevada bitola qualitativa de um grupo que está hoje na linha da frente na defesa de um género musical que surgiu nos anos oitenta e que se define pela mistura entre o hardcore punk e o trash metal. Recordo que enquanto o trash metal nasceu quando parte da cena metal incorporou influências vindas do hardcore punk, o crossover thrash nasceu pelo caminho inverso, quando as bandas hardcore punk passaram a metalizar a sua música.

Os Booby Trap estão, claramente, no apogeu de um percurso que foi sendo calcorreado a pulso, com momentos altos e outros menos efusivos, mas a verdade é que hoje, quase três décadas depois do pontapé de saída com o mítico registo Brutal Intervention, estão bem vivos e em condições de se assumirem como porta estandartes nacionais de um movimento musical que tem como uma das suas maiores valências, o facto de ser seguido por legiões de fãs bastante devotos e que sugam até ao tutano canções com uma personalidade e uma amplitude sonora mais agressiva do que o habitual, no bom sentido.

Um grande passo em frente que a banda dá neste disco relativamente ao cardápio discográfico anterior é a inserção de alguns detalhes e elementos técnicos inéditos. Logo nas sirenes, na percurssão marcante e na guitarra imponente e lasciva que introduz o tema homónimo do disco, asim como no timbre vocal com um sotaque intenso e pronunciado e num tom que sustenta o seu charme e, principalmente, na coerente tonalidade do mesmo em relação à melodia, percebe-se que estes fantásticos atributos justificam, por si só, a tal catalogação dos Booby Trap como estando no seu melhor momento de sempre. Depois, o clima garage punk de Set The World On Fire, puro, vibrante e feito sem amarras e concessões, sujo e distorcido e carregado de sentimento e emoção latente e a toada mais progressiva da guitarra e uma maior omnipresença do baixo em Big Disgrace, uma composição feita de avanços e recuos particularmente lascivos, cativam definitivamente o ouvinte para um registo orelhudo, feito com uma filosofia instrumental rugosa mas que inflama distorções verdadeiramente inebriantes e que aprofundam, à medida que o alinhamento avança, o exuberante sentimento de exclamação inicial que o tema homónimo continha e que nunca mais abandona o ouvinte dedicado, porque essa energia vai ser uma constante em Stand Up And Fight, até ao ocaso de um alinhamento que coloca a nú as grandes virtudes instrumentais da banda, enfatizadas nos efeitos das cordas eletrificadas e no modo como se encadeiam com mudanças de ritmo e como as letras e as rimas se colam às melodias, ganhando vida e flutuando com notável precisão pelo limbo sentimental que transborda das canções. A própria voz do Pedro, além de manter as caraterísticas acima descritas com enorme vigor até ao final, consegue sempre variar o volume de acordo com a componente instrumental, nunca havendo uma sobreposição pouco recomendável de qualquer uma das partes ao longo das canções, como se exige em registos onde predominam temas curtos, crus, sujos e diretos, mas vigorosos, emocionados e sentidos, como é o caso.

Em suma, os Booby Trap sabem muito bem como harmonizar e tornar agradável aos nossos ouvidos sons aparentemente ofensivos e pouco melódicos, fazendo da rispidez visceral algo de extremamente sedutor e apelativo. A viagem lisérgica que o quarteto nos oferece nas reverberações ultra sónicas destes temas, com os riffs da guitarra a exibirem linhas e timbres com um clima marcadamente monumental, comprime tudo aquilo que sonoramente seduz este grupo aveirense em algo genuíno e com uma identidade muito própria.

Importa ainda referir que a capa ficou mais uma vez a cargo do aveirense Deivis Tavares e, segundo Pedro Junqueiro, vocalista da banda, tem a intenção de transmitir aquele sentimento de luta contra o sedentarismo instituído, contra tudo aquilo que nos oprime mas que a letargia e comodismo dos tempos modernos não nos faz levantar o cu do sofá e lutar pelo que é nosso por direito. Espero que aprecies a sugestão...

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1 - Stand Up And Fight 
2 - Set The World On Fire 
3 - Big Disgrace 
4 - O Bom, O Mau E O Filho Da Puta 
5 - Fuckers 
6 - A Message Of Love 
7 - Spiders 
8 - Full Of Shit 
9 - I'd Rather See You Dead 
10 - Psycho Trap 
11 - Alcohol 
12- Bombing For Oil 
13 - The Ritual

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publicado por stipe07 às 16:13

Jay-Jay Johanson – Kings Cross

Sábado, 27.04.19

Já está nos escaparates Kings Cross, o décimo segundo álbum do sueco Jay-Jay Johanson, mais um riquíssimo reportório de experimentações sónicas que cimentam o percurso sonoro tremendamente impressivo e cinmetográfico de um dos nomes mais relevantes da pop europeia das últimas três décadas. Com a participação especial de Robin Guthrie dos míticos Cocteau Twins em Lost Forever e com um dueto com Jeanne Added em Fever, Kings Cross consiste num inspirado compêndio de eletropop idealizado por um Jay-Jay Johanson que teve o firme intuíto de nos captar com a sua voz melancólica, ao som de arrebatadoras melodias, revestidas de sons intrincados e algo misteriosos, geralmente de origem sintética e batidas e efeitos percurssivos de cariz emimentemente experimental.

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Not Time Yet, a canção que abre o alinhamento de Kings Cross, torna logo explícita toda a trama esplanada num alinhamento de canções que têm a pop eletrónica, de cariz eminentemente reflexivo e ambiental, como grande suporte sonoro, conforme já referi, mas é demasiado redutor, aviso desde já, parcelar de modo tão concreto todo o emaranhado de referências estilísticas que o artista sueco absorveu, degustou e depois esplanou neste seu novo álbum.

Assim, se no caso dessa primeira composição do álbum, temos um som polido, mas desafiante por se mostrar um pouco escuro, mesmo assumindo-se como particularmente charmoso e intenso, na tonalidade mais descontraída e cativante do jazz que alinha Heard Somebody Whistle, na soul da percurssão, do baixo e do insinuante piano de Smoke, na romântica fragilidade que flutua à tona do manto sonoro ondulado que nos embala em Hallucination, na guitarra que ressoa com vigor em Niagara Falls e no clima íntimo e de forte pendor clássico de Old Dog ficamos devidamente esclarecidos acerca de toda a diversidade instrumental que suportou a gravação de um disco que, contendo diferentes texturas e travos conceptuais, entronca sempre numa filosofia interpretativa típica de um músico que já se movimentou por espetros sonoros tão vastos e díspares como a folk, o rock progressivo, a música clássica contemporânea ou a eletrónica, e que, quer por isso, quer devido à sua enorme sensibilidade poética e artística, consegue sempre proporcionar ao ouvinte instantes de arrebatadora sedução, mesmo quando uma espécie de ideia de simplicidade paira sempre como uma nuvem melancólica e mágica em seu redor. Espero que aprecies a sugestão...

Jay-Jay Johanson - Kings Cross

01. Not Time Yet
02. Heard Somebody Whistle
03. Smoke
04. Lost forever (Feat. Robin Guthrie)
05. Hallucination
06. Old Dog
07. Niagara Falls
08. Fever (Feat. Jeanne Added)
09. Swift Kick In The Butt
10. We Used To Be So Close
11. Everything I Own
12. Dead End Playing

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publicado por stipe07 às 14:04

Glen Hansard – This Wild Willing

Sexta-feira, 26.04.19

Pouco mais de um ano depois do excelente registo Between Two Shores, o irlandês Glen Hansard, um já velho conhecido do universo musical e com algumas citações por cá devido ao seu envolvimento no projeto The Swell Season, onde fazia parceria com Marketá Irglova e de cuja discografia destaco a banda sonora de Once, que lhes valeu um óscar, mas também por causa de Rhythm And Repose álbum de estreia que este ícone da folk contemporânea lançou em dois mil e doze, está de regresso aos lançamentos discográficos com This Wild Willingdoze canções abrigadas pela reputada -ANTI e que começaram a ser incubadas pelo músico no verão passado em Paris, cidade onde Hansard se refugiou durante uma breve temporada com o propósito de compôr depois de uma extenuante digressão europeia e na ressaca de uma infeção pulmonar que o atormentou por algum tempo. Depois de vários esboços sonoros prontos, no final do ano partilhou algumas dessas ideias com dois músicos da área da eletrónica experimental, David Cleary (DEASY) e Dunk Murphy (Sunken Foal), tendo até, informalmente, incubado uma banda chamada The Invisible Brethren com esta dupla. Este contacto de Hansard com um espetro sonoro a que estava pouco habituado acabou por enriquecer a sua experiência ao nível da composição e por influenciar decisivamente o refinamento do arquétipo sonoro de um registo que contou ainda com as participações especiais de Graham Hopkins e Earl Harvin na bateria e na percurssão, Michael Buckley nos sopros, Breanndán Ó Beaglaoich, Cape Breton, Rosie MacKenzie, a já referida Markéta Irglová e a iraniana Aida Shahghasemi, nas vozes, Eamon O’Leary (The Murphy Beds) no banjo e no bandolim e Anna Roberts-Gevalt (Anna & Elizabeth) e Brían Mac Gloinn (Ye Vagabonds) no violino, além de Una O’Kane, Katie O’Connor e Paula Hughes, que já costumam acompanhar o artista irlandês na estrada.

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Gravado nos estúdios da Black Box e produzido pelo próprio autor com a ajuda de David Odlum, This Wild Willing oferece-nos um Glen Hansard mais charmoso e desafiador do que nunca, com um registo vocal eminentemente sussurante, visceralmente emotivo e algo misterioso enquanto se debruça sobre a temática do amor não correspondido e das paixões arrebatadoras, aspetos que permanecem bem presentes na sua escrita. A viola acústica, às vezes mais folk, outras eminentemente country, perdeu agora protagonismo no processo de condução melódica, fruto do tal contacto do autor com um espetro sonoro de cariz mais sintético, o que acabou por resultar em canções mais buriladas, diversificadas e instrumentalmente ricas. Assim, se em Brother's Keeper, Mary e Threading Water, Glen Hansard preserva essa filosofia eminentemente acústica, com a ajuda de banjos e bandolins, na alternância entre silêncio e explosão de I'll Be You, Be Me, ele oferece às drum machines a liderança e em Race To The Bottom ao baixo. Depois, na majestosidade de Don't Settle são as teclas que dirigem a orquestra e em The Closing Door já são os sopros que sobressaiem, assim como em Fool's Game, à boleia do saxofone, num emaranhado de canções que nos transportam para bem longe, ao mesmo tempo que, havendo predisposição para isso, tocam fundo bem aqui, no nosso coração.

Famoso também por ter sido durante largos anos frontman dos míticos The Frames, Glen Hansard oferece-nos em The Wild Willing o momento maior e mais ousado da sua carreira a solo. Nele o autor privilegia novas estéticas, cheias de subtilezas e detalhes inéditos, onde não falta um sample de uma parceria esquecida de David Bowiecom os Queen, trilha diversos caminhos, expande horizontes e aprimora o modo como se manifesta artisticamente num processo de mutação que reflete ousadia e inquietude, duas permissas indispensáveis em qualquer artista que queira levar cada vez mais adiante a sua carreira. Dando uma espécie de passo no desconhecido, mas com altivez e coragem, Hansard enche-nos de paixão e luz ao longo de pouco mais de uma hora que deve ser saboreada com esperança, ânimo e devoção. Espero que aprecies a sugestão...

Glen Hansard - This Wild Willing

01. I’ll Be You, Be Me
02. Don’t Settle
03. Fool’s Game
04. Race To The Bottom
05. The Closing Door
06. Brother’s Keeper
07. Mary
08. Threading Water
09. Weight Of The World
10. Who’s Gonna Be Your Baby Now
11. Good Life Of Song
12. Leave A Light

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publicado por stipe07 às 13:28

Modest Mouse – I’m Still Here

Quinta-feira, 25.04.19

Modest Mouse - I'm Still Here

Outro dos grandes destaques da edição deste ano do Record Store Day foi, claramente, a edição em formato vinil de sete polegadas de dois novos temas de Modest Mouse, uma edição pensada em exclusivo para esta iniciativa anual amplamente publicitada neste espaço e que é marcada pela chegada de vários álbuns e singles, em edição limitada, às lojas de discos, um pouco por todo o mundo.

Assim, se na altura da efeméride, no início deste mês, ficámos a conhecer Poison The Well, o lado a do referido lançamento deste projeto de Portland, agora já é possível escutar I'm Still Here, o b side do lançamento, uma canção que navega à boleia de um garage rock incisivo e vibrante, feito de uma estreita ligação entre a bateria e guitarras carregadas de fuzz, uma opção estilística que salvaguarda alguns dos melhores detalhes da herança sonora do grupo.

Esta edição em exclusivo para o Record Store Day é a primeira de Modest Mouse após o álbum Strangers To Ourselves de dois mil e quinze, não havendo ainda nenhuma previsão de novo registo do projeto, apenas o anúncio de uma digressão com os The Black Keys a partir de setembro próximo. Confere...

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publicado por stipe07 às 11:42

Jaws - The Ceiling

Quarta-feira, 24.04.19

Já chegou aos escaparates The Ceiling, o novo registo de originais dos Jaws de Connor Schofield. Este novo registo do trio de Birmingham foi produzido por Gethin Pearson, que já tinha trabalhado com a banda há três anos no registo Simplicity e tem a chancela da Rough Trade Records, firmando o projeto numa posição relevante no que concerne àquele indie rock que oscila entre nuances algo etéreas e contemplativas, mais típicas da dream pop e outras mais efusiantes e progressivas.

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Driving At Night e Feel, os dois temas que abrem as hostilidades em The Ceiling, comprovam, desde logo e respetivamente, os territórios sonoros que os Jaws trilharam neste seu novo trabalho e que acabam por definir o adn do grupo. Portanto, este é um disco de continuidade relativamente ao som do grupo e de aprimoração de alguns dos seus principais atributos, num claro sinal de maturidade. A esse propósito, o tema Do You Remember? não terá sido escolhido ao acaso como um dos singles já extraídos do registo, visto ser uma canção onde o trio põe prego a fundo no pedal da distorção de modo a criar uma composição que encontra as suas raízes sonoras no típico rock alternativo de final do século passado, mas com um travo shoegaze muito apetecível. De facto, esta canção é fruto de uma produção cuidada que, nunca disfarçando a intensidade e o vigor elétrico, também demonstra uma atitude corajosa por parte dos Jaws de quererem conciliar limpidez e capacidade de airplay radiofónico, sem que isso castre a extraordinária capacidade criativa que o grupo demonstra possuir, sempre com a objetiva direcionada para a diversidade sonora descrita e que tem muitas vezes na sujidade de guitarras efusiantes, numa percurssão trememendamente intuitiva e ritmada e num baixo imponente, fortes aliados e mais valias.

O modo como a guitarra e algumas texturas sintéticas e samples vocais se relacionam em Fear, acaba por ser o instante mais intringante e menos linear do registo, deixando no ar um curioso ponto de interrogação acerca de uma possível inflexão sonora futura dos Jaws para territórios menos orgânicos e imediatos. Patience, um pouco depois, também se deixa deslizar para uma espécie de electrorock ambiental, mas as guitarras durante o refrão conseguem normalizar, de algum modo, a composição. Seja como for, se a acusticidade de January proporciona ao ouvinte um inspirado contacto com o lado mais experimental dos Jaws, em End of the World a banda volta ao rock mais direto, desta vez com a distorção metálica da guitarra a proporcionar uma toada mais punk e sombria que eu particularmente saúdo e que, na minha opinião, acaba por ser o melhor momento de um disco, abrigado numa filosofia interpretativa com um travo indie de excelência e onde apesar de sobressair o travo oitocentista, não deixa de exalar uma diversidade e uma abrangência que terá o louvável intuíto de nos proporcionar quarenta e cinco minutos de rock vibrante, majestoso e algo saudosista e nostálgico, mas também, a espaços, contemplativo e contemporâneo. Espero que aprecies a sugestão...

Jaws - The Ceiling

01. Driving At Night
02. Feel
03. Do You Remember?
04. Fear
05. End Of The World
06. Patience
07. Looking / Passing
08. The Ceiling
09. Please Be Kind
10. January

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publicado por stipe07 às 12:36

Strand Of Oaks - Eraserland

Terça-feira, 23.04.19

Foi há cerca de dois anos que Tim Showalter editou Hard Love, o quinto registo de originais em que assinou Strand Of OaksHard Love sucedeu ao aclamado disco Heal, que o colocou, em dois mil e catorze, nas luzes da ribalta e foi, de acordo com o autor, um trabalho gravado numa época tumultuosa e sobre enorme pressão, devido ao peso do sucesso de Heal e ao escurtínio que sabia que iria ser feito relativamente ao sucessor desse tão bem sucedido trabalho. A boa aceitação por parte da crítica e dos fãs de Hard Love, acabou por constituir um bálsamo retemperador para Showalter que ganhou elan para colocar nos escaparates, o ano passado, um alinhamento de demos melhorados que sobraram das gravações de Hard Love, intitulado Harder Love, um alinhamento alternativo que encerrou um capítulo importante da vida discográfica do autor e o deixou de mente limpa e consciência tranquila para o próximo passo.

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Agora, um ano depois, Strand Of Oaks está de volta com o seu sexto e novo disco, um registo intitulado Eraserland, que viu a luz do dia à boleia da Dead Oceans, um trabalho curioso porque conta com a participação especial dos My Morning Jacket como banda de suporte de Showalter, além do guitarrista Jason Isbell e da voz de Emma Ruth Rundle num dos temas.

É um Timothy revigorado e com uma impressionante capacidade de nos fazer cavalgar à retaguarda umas quatro décadas sem que quase nos apercebamos, pelo menos de imediato, desse hiato temporal, que se apresenta em Eraserland, um tomo de onze composições que nos oferecem uma sentida homenagem do autor a alguns dos seus heróis musicais, com Springsteen e Tom Petty à cabeça, enquanto nos mostra que afinal pode ser bastante ténua a linha que separa aquilo que é a vida real de qualquer comum mortal e aquilo a que nós temos por hábito de chamar arte, neste caso, arte sonora, música, uma manifestação livre da critividade e da imaginação humanas. Strand Of Oaks volta a falar muito de si e da sua existência e fá-lo com um grau de impressionismo e realismo tal, através da música, que acaba por exaltar e de algum modo normalizar e relativizar aquilo que é para muitos algo só ao alcance de certos predistinados, a criação artística, neste caso a musical. Por exemplo, Weird Ways, um dos momentos maiores de Eraserland, é, talvez, aquela onde se sente o âmago desta genuína entrega por parte do autor. É uma canção plena de intimismo e nostalgia, que começa banhada por um manto etéreo de acusticidade, mas que depois, envolvida por uma vibe pop oitocentista indisfarçável, fica repleta de orquestrações opulentas e, apesar do ruido e da distorção da guitarra, contém, no seu todo, um grau de refinamento classicista incomensuravelmente belo, mas também um modo muito simples, direto e acessível de transmitir o seu ideário lírico, que tem muitas parecenças com nomes contemporâneos como Mount Eerie ou Margo Price, intérpretes e escritores reconhecidos pelo modo como se expôem sem receios e de mente aberta.

Acaba por ser curioso travarmos conhecimento com Timothy, investigando a sua vida pessoal e perceber o quanto ele é recatado e comedido em público e depois contactarmos com esta escrita tão vibrante, confessional e comunicativa. Talvez esta acabe por ser uma fervorosa demonstração de saudável alienação e exorcização por parte de um músico que, com quinze anos, no sotão de sua casa, se sentiu ausente do resto do mundo e percebeu que a música seria a sua cura e a composição sonora a alquimia que lhe permitiria exorcizar todos os seus medos, problemas e angústias.

São, portanto, vários os instantes de puro deleite de um disco escrito sob um manto nublado de dúvidas, hesitações e um estado de espírito algo depressivo depois do frenesim de promoção a Heal e que, de acordo com o próprio Timothy, teve como grande força motriz a audição do clássico registo Spirit Of Eden dos Talk Talk, num passeio junto à praia numa quente noite no verão de dois mil e dezassete. Além da já descrita Weird Ways, logo a seguir, em Hyperspace Blues, encontramos uma canção repleta de cor e frenesim, um luminoso instante pop abastecido por referências noisefolk e psicadélicas, que depois se vão encontrar noutros temas do alinhamento, nomeadamente no clima envolvente do baixo que embala e conduz a pulsante Final Fires, no efeito cósmico da guitarra audível na melancólica Keys e no andamento vibrante, proeminente e majestoso que conduz Moon Landing e, numa faceta mais radiofónica e pop, Ruby, composição em que piano e guitarra conjuram entre si para nos facultar uma impressionante e tremendamente realista viagem ao melhor dos anos oitenta. Depois, momentos mais intimistas como Wild and Willing ou Forever Chords, composições aparentemente minimalistas mas adornadas por camadas sonoras ricas em detalhes implícitos, nunca ofuscam a natural predisposição deste reverendo barbudo para expor tudo aquilo que sente e precisa de expelir com genuína entrega e sensibilidade extrema.

Escutar com devoção Eraserland é embarcar numa viagem emocional e emocionante rumo ao fulcro cósmico da mente de Strand Of Oaks. A empatia entre o autor e os músicos convidados referidos anteriormente é outro factor que ajuda a ampliar ainda mais a elegância e o charme de um alinhamento que de mãos dadas com uma produção irrepreensível, nos proporciona muito do que de melhor propõe hoje a música independente americana contemporânea. É um álbum que volta a expandir os territórios deste artista verdadeiramente singular, que replica uma vez mais com mestria um emaranhado de antigas nostalgias e novas tendências, que reproduzem toda a força neo hippie tipicamente rock, mas que também se deixa consumir abertamente tanto pelo experimentalismo punk lisérgico como pela soul. Espero que aprecies a sugestão...

Strand Of Oaks - Eraserland

01. Weird Ways
02. Hyperspace Blues
03. Keys
04. Visions
05. Final Fires
06. Moon Landing
07. Ruby
08. Wild and Willing
09. Eraserland
10. Forever Chords
11. Cruel Fisherman (Hidden Track)

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publicado por stipe07 às 11:44

Damien Jurado – In The Shape Of A Storm

Segunda-feira, 22.04.19

Quase um ano depois do portentoso registo The Horizon Just Laughed, um disco de despedida de Seattle, de onde Damien Jurado saiu para se mudar para a solarenga Los Angeles, este cantautor norte-americano único está de regresso aos discos com In The Shape Of A Storm, dez canções concebidas à guitarra com a ajuda de Josh Gordon, novo companheiro de viagem de Jurado e abrigadas pela Mama Bird Recording Co., a nova editora que publica o artista, com sede em Portland, no Oregon. No alinhamento de In The Shape Of A Storm conferimos uma dezena de nuvens negras e ameaçadoras que, conforme o título do disco indica, estão sempre disponiveis para se precipitarem sobre o nosso âmago, desde que estejamos dispostos a absorver toda a emotividade que delas transbordam.

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In The Shape Of A Storm, o décimo quarto longa duração da carreira de Jurado, é, de facto, o primeiro álbum completamente acústico deste artista, gravado em apenas duas horas de uma inspirada tarde californiana, mas não é por isso que deixa de ser um registo melodica e instrumentalmente rico, se comparado com os últimos trabalhos do autor. Foi pensado por um dos nomes fundamentais da folk norte americana e um dos artistas que melhor tem sabido preservar algumas das caraterísticas mais genuínas de um cancioneiro que dá enorme protagonismo ao timbre acentuado e rugoso das cordas para dissertar crónicas sobre uma América profunda e muitas vezes oculta, não só para os estrangeiros, mas também para muitos nativos que desde sempre se habituaram à rotina e aos hábitos de algumas das metrópoles mais frenéticas e avançadas do mundo, construídas num país onde ainda é possível encontrar enormes pegadas de ancestralidade e que inspiram calorosamente este músico.

Se Damien Jurado já cantou ao longo da carreira baladas sobre o cosmos, ou sobre extraterrestres e espíritos de assassinos e moribundos, desta vez resolveu servir-se do cinema e de personagens de filmes marcantes da sua vida, como American Graffiti, Paris, Texas, ou The Last Picture Show, para dissertar sobre si próprio e sobre alguns dos instantes mais marcantes da sua existência, enquanto em seu redor o mundo parece, na sua óptica, desmoronar-se e degradar-se, dia após dia. A personagem Oda Mae Brown, interpretada por Whoopi Goldberg em Ghost, é mesmo a referência máxima do músico, ao longo do álbum (You ever see that movie Ghost? Whoopi Goldberg’s character, Oda Mae Brown—that’s who I am. These spirits are showing up at her door, jumping into her body. That’s how I feel. I don’t know what’s coming out of me…I just show up and deliver it.)

Uma nuance estilistica muito marcante em In The Shape Of A Storm é o modo como Damien Jurado usa as palavras nos temas e o estilo de interpretação e produção das mesmas. A ideia é fazer com que o ouvinte tenha a sensação de estar a converdsar com o autor e junto de si. Se logo em Lincoln, quando ele afirma There is nothing to hide, Jurado deixa-nos esclarecidos sobre esse se propósito de proximidade, a seguir, nas variações de tonalidade presentes em Newspaper Gown, no clima celestial de South, no intimismo óbvio de Throw Me Now Your Arms, na narrativa vibrante de Where You Want Me To Be e na toada algo ébria de Silver Bail, estamos definitivamente em comunhão profunda e em simbiose perfeita com um painel muito impressivo de composições que acabam por se tornar num dos momentos maiores da carreira deste cantautor, exatamente devido ao modo como nele este músico se coneta com a nossa mente, enquanto confessa alguns dos seus dilemas e desejos mais profundos e assim se expôe triunfalmente, sem receio e despudor, tornando-nos confidentes de alguns dos arquétipos essenciais da sua intimidade maior. No fundo, se a discografia de Damien Jurado está repleta de canções passiveis de serem coreografadas cinematicamente em curtas-metragens sobre pessoas comuns e as suas vidas, origens e destinos, In The Shape Of A Storm é uma espécie de filme autobiográfico, registado a preto e branco, que documenta em dez canções quase duas décadas de uma vida dedicada à composição e à interpretação musical num dos formatos mais genuínos que se pode imaginar. E se elas foram sendo criadas e guardadas ao longo de todo este tempo, só agora viram a luz do dia porque este era, claramente, o melhor momento de se expressarem e nos tocarem com plenitude (I believe songs have their own time and place). Espero que aprecies a sugestão...

Damien Jurado - In The Shape Of A Storm

01. Lincoln
02. Newspaper Gown
03. Oh Weather
04. South
05. Throw Me Now Your Arms
06. Where You Want Me to Be
07. Silver Ball
08. The Shape Of A Storm
09. Anchors
10. Hands On The Table

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publicado por stipe07 às 14:45

The Rolling Stones – Honk

Domingo, 21.04.19

Ativos desde mil novecentos e sessenta e dois, os britânicos The Rolling Stones de Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood e Brian Jones, são uma das bandas fundamentais e mais bem sucedidas da história da música e um ícone da cultura pop, não só contemporânea, mas também, naturalmente, do último meio século. Ainda ativos, sempre prontos a ir para a estrada e em estúdio a preparar um novo registo de originais que poderá muito bem ver a luz do dia ainda este ano, apesar dos recentes problemas de saúde de Jagger, os Rolling Stones acabam de editar Honk, uma obra que reune, em dois discos, os maiores sucessos do grupo.

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Honk contém trinta e seis composições e nelas é atualizada toda a história discográfica do grupo britânico, desde clássicos da década de sessenta e de setenta como Start Me Up, Brown Sugar e Rocks Off, até Angie e Rock And A Hard Place, temas de final do século passado, assim como algumas composições presentes em Blue & Lonesome, o disco que o grupo lançou há quase três anos e que venceu um Grammy em dois mil e dezasseis.

A versão deluxe de Honk inclui um terceiro disco com dez composições gravadas ao vivo em digressões recentes dos The Rolling Stones. Entre elas estão Dead flowersBitch Wild Horses, que contam com as participações de Brad Paisley, Dave Grohl e Florence Welch respectivamente. Confere...

The Rolling Stones - Honk

CD 1
01. Start Me Up (Remastered)
02. Brown Sugar
03. Rocks Off
04. Miss You
05. Tumbling Dice
06. Just Your Fool
07. Wild Horses
08. Fool To Cry
09. Angie
10. Beast Of Burden
11. Hot Stuff
12. It’s Only Rock’n’Roll (But I Like It)
13. Rock And A Hard Place
14. Doom And Gloom
15. Love Is Strong
16. Mixed Emotions
17. Don’t Stop
18. Ride ‘Em On Down

CD 2
01. Bitch
02. Harlem Shuffle
03. Hate To See You Go
04. Rough Justice
05. Happy
06. Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)
07. One More Shot
08. Respectable
09. You Got Me Rocking
10. Rain Fall Down
11. Dancing With Mr. D
12. Undercover (Of The Night)
13. Emotional Rescue
14. Waiting On A Friend
15. Saint Of Me
16. Out Of Control
17. Streets Of Love
18. Out Of Tears

CD 3
01. Get Off Of My Cloud (Live At Principality Stadium, Cardiff)
02. Dancing With Mr. D (Live At The Gelredome, Arnhem)
03. Beast Of Burden (Feat. Ed Sheeran) (Live At Arrowhead Stadium, Kansas)
04. She’s A Rainbow (Live At U Arena, Paris)
05. Wild Horses (Feat. Florence Welch) (Live At London Stadium)
06. Let’s Spend The Night Together (Live At Manchester Evening News Arena)
07. Dead Flowers (Feat. Brad Paisley) (Live At Wells Fargo Center, Philadelphia)
08. Shine A Light (Live At ArenA, Amsterdam)
09. Under My Thumb (Live At London Stadium)
10. Bitch (Feat. Dave Grohl) (Live At The Honda Center, Anaheim)

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publicado por stipe07 às 14:52

Luke Sital-Singh – A Golden State

Sábado, 20.04.19

Depois da edição de Time Is A Riddle, o seu último álbum, Luke Sital-Singh fez as malas, pegou no passaporte e embarcou numa viagem solitária por vários destinos do mundo, durante a qual escutou uma banda-sonora muito pessoal, composta por temas e artistas da sua eleição. Ficaram lançados os dados para a criação de novas canções, mostradas ao público o ano transato com a edição de Just A Song Before I Go e Weight Of Love, dois eps fieis ao espírito intimista e profundamente reflexivo do músico e ao misticismo a à inocência que a sua filosofia sonora, na sua génese, transborda, inclusive nas suas letras sempre profundas, intimistas e bastante reflexivas.

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Agora, na primavera de dois mil e dezanove, é tempo do britânico Luke, agora radicado na costa oeste do outro lado do Atlântico, juntar um novo disco ao seu catálogo, um alinhamento intitulado A Golden State, que aterrou nos escaparates no início de abril e que foca-se nessa viagem transatlântica que o autor e compositor efetuou e que mudou dramaticamente a sua vida.

Canção sobre o lado negro do amor que todos os casais vivenciam e o melhor caminho para uma reconciliação quando as coisas ficam menos harmoniosas e mais tensas, Lover tem o privilégio de abrir as cortinas de A Golden State. É uma canção que transporta no charme das teclas do piano e na sua suavidade melancólica aquele intenso travo à herança mais pura da soul americana, uma composição profundamente emotiva e sofisticada e com o habitual cunho pessoal muito identitário de Luke Sital-Singh e que acaba por conter muitas das principais diretrizes estilísticas de um alinhamento pleno de charme e de sofisticação, como é apanágio deste músico tremendamente sensível e impressivo a transmitir sentimentos e emoções comuns a qualquer mortal, principalmente aquelas mais marcantes e intensas.

Assim, na pegada folk de Raise Well e ainda mais pura em The Last Day, uma canção sobre despedidas e pesares pela partida de algo ou alguém e sobre o dia seguinte, que nunca deixa de vir, mas também na suavidade melancólica de Los Angeles e de I Do, na cândura acentuada pela inocência lírica de Silhouette, no piano insinuante e no inconfundível falsete de Almost Gone e no minimalismo acústico de forte travo classicista que exala de Souvenir, somos convidados a contemplar um álbum que além de ser uma espécie de diário de bordo de uma viagem única e inesquecível, é também uma ode do autor a alguns dos seus heróis, muitos deles verdadeiros pilares da história musical contemporânea, como Bob Dylan ou Elliot Smith, sempre com um cunho pessoal muito identitário. Espero que aprecies a sugestão...

Luke Sital-Singh - A Golden State

01. Lover
02. Raise Well
03. Los Angeles
04. The Last Day
05. I Do
06. Silhouette
07. Almost Gone
08. Souvenir
09. Love Is Hard Enough Without The Winter
10. Hearts Attach

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publicado por stipe07 às 17:30


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