Sábado, 28 de Fevereiro de 2015

Highlands – Dark Matter Remnants EP

Editado no passado dia quinze de julho, Dark Matter Traveler foi o segundo disco dos Highlands, um grupo de Long Beach, na Califórnia, formado por Scott, Chris, Stephen e Beau Balek. Esse trabalho, produzido pela banda e por Rollie Ulug e masterizado por J.P. Bendzinski, era particularmente tenso, narcótico, intenso e hipnótico, já que o ambiente sonoro destes Highlands, que partilham connosco o seu gosto pelo cruzamento entre o punk mais sombrio e o rock clássico e noisy, carregado de reverb, debitava melodias épicas, com um certo groove e um forte pendor psicadélico.

Dark Mark Traveler continha dez canções mas, à época, os Highlands tiveram de fazer alguma seleção relativamente ao alinhamento já que dispunham de outros temas que acabaram por ficar de fora do conteudo desse disco. Dark Matter Remnants viu a luz do dia a vinte de novembro último e é uma súmula com cinco canções que ficaram de fora do segundo álbum do projeto, mas que poderiam muito bem ter feito parte desse disco, já que continuam a demonstrar que os Highlands não têm receio de mostrar a capacidade intrínseca que possuem para replicar a psicadelia que se desenvolveu nas décadas de setenta e oitenta e adicionar outras sonoridades atuais, mais coloridas e aprimoradas.
Logo em Red, o primeiro tema do EP, confere-se uma revisão dessa psicadelia e uma busca pontos de encontro com o rock clássico, proposto há mais de quatro décadas por gigantes do rock alternativo que se entregaram ao flutuar sonoro da lisergia.
Com uma postura vocal algo arrastada mas assertiva, o reverb na voz acaba por ser uma consequência lógica desta opção que, na melancolia épica de Delusion, carrega toda a componente nostágica com que os Highlands pretendem impregnar o seu ADN. O vocalista, ao soprar na nossa mente e ao envolvê-la com uma elevada toada emotiva e delicada, faz o nosso espírito facilmente levitar, algo que provoca um cocktail delicioso de boas sensações.
Dark Matter Remnants era o capítulo que faltava no percurso destes Highlands para poderem agora prosseguir em paz de espírito e sem remorsos por terem deixado de fora no seu último longa duração temas tão excelentes como os que compôem este EP e assim, olhando definitivamente em frente, continuarem a sua saga musical com o exclusivo propósito de demonstrar a uma qualquer entidade exterior o que os humanos são capazes de produzir de melhor no universo indie mais progressivo e psicadélico. Espero que aprecies a sugestão...
 

Highlands - Dark Matter Remnants

01. Red
02. Delusion
03. Never Look
04. The Only Things
05. Eternal Coast


autor stipe07 às 21:17
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Quinta-feira, 26 de Fevereiro de 2015

In Tall Buildings - Driver

Já foi finalmente editado Driver, um dos trabalhos mais aguardados por cá no início de 2015 e que viu a luz do dia a dezassete de fevereiro através da Western Vinyl. Este disco é da autoria de Erik Hall, um músico e compositor de Pilsen, nos arredores de Chicago, por detrás do projeto In Tall Buildings, que, de acordo com o próprio, compõe inspirado por duas dicas filosóficas, uma de Allen Ginsburg (First thought, best thought) e a outra da autoria de Kurt Vonnegut (Edit yourself, mercilessly). Se a teoria de Ginsburg apela à primazia do instintivo e da naturalidade e da crueza, acima de tudo, já as palavras de Vonnegut parecem instar à constante insatisfação e à busca permanente da perfeição, considerando-se cada criação como algo inacabado e que pode ser alvo de melhorias e alterações. Driver foi produzido entre a casa de Hall e uma quinta em Leelanau County, no Michigan.

A música de Erik Hall vive um pouco desta aparente dicotomia, já que quando assina In Tall Buildings propôe e cria paisagens sonoras simples e amenas, de algum modo descomplicadas e acessíveis, mas que não descuram a beleza dos arranjos e um enorme e intrincado bom gosto na forma como constrói as melodias, deixando sempre margem de manobra para que nos possamos apropriar das suas canções e dar-lhes o nosso próprio sentido. Aquela folk acústica, que em determinados instantes pisca o olho a um certo travo psicadélico, é, portanto, a trave mestra de Driver, competente na forma como abarca diferentes sensações dentro de um mesmo cosmos e como mistura harmoniosamente a exuberância acústica das cordas com a voz grave, mas suave e confessional de Hall, sendo este um álbum ameno, íntimo, cuidadosamente produzido e arrojado no modo como exala uma enorme elegância e sofisticação.

Ficamos logo agarrados ao disco com Bawl Cry Wal, o tema de abertura, feito de uma melodia que tem por base a bateria e umas cordas impregnadas de soul, às quais vão sendo adicionados vários detalhes e elementos, incluindo o som de um teclado. Este tema inicial é perfeito para nos transportar para um disco essencialmente acústico, vincadamente experimental e dominado por cordas com uma forte toada blues. Logo depois, All You Pine, apesar de menos ritmada, segue a mesma dinâmica que sustenta um alinhamento sinuoso e cativante, que nos convida frequentemente à introspeção e à reflexão sobre o mundo moderno e onde Hall não poupa na materialização dos melhores atributos que guarda na sua bagagem sonora, com Unmistakable, o segundo single, a surpreender pouco depois, não só pelo título da canção, sem dúvida uma opção feliz para mais um registo sonoro de dificil catalogação, mas também pela sonoridade pop claramente urbana, mais eletrónica,perfeita no modo como o baixo e a batida se cruzam com o sintetizador. 

Pouco depois, ao sermos presenteados com I'll Be Up Soon, percebemos que In Tall Buildings também manipula com mestria os típicos suspiros sensuais que a subtil eletrificação da guitarra e uma batida lenta e marcada proporcionam e que há uma elevada dose de sensualidade e suavidade na tonalidade das canções que interpretam. Por exemplo, em When You See Me Fall um efeito em espiral e melodicamente hipnótico e o modo com a voz com ele se entrelaça e o dedilhar deambulante de Aloft são outros dois momentos que trazem brisas bastante aprazíveis ao ouvinte.

O auge do disco chega com a atmosfera simultaneamente íntima e vibrante do single Flare Gun, um tema que está já na minha lista das melhores do ano e isso deve-se à forma particular como as cordas deambulam alegremente pela melodia e dão à canção uma sensação intrincada e fortemente espiritual, um ideal de leveza e cor constantes, como se ela transmitisse todas as sensações positivas e os raios de luz que fazem falta aos nosso dias, agora algo frios e sombrios.

Rico e arrojado, que aponta em diferentes direções sonoras, apesar de haver um estilo vincado que pode catalogar o cardápio sonoro apresentado, Driver tem um fio condutor óbvio, assente em alguma da melhor indie pop contemporânea, mas uma das suas particularidades é conseguir, sem fugir muito desta bitola, englobar diferentes aspetos e detalhes de outras raízes musicais, num pacote cheio de paisagens sonoras que contam histórias que a voz de Hall sabe, melhor do que ninguém, como encaixar. Este é um álbum essencial, recheado de paisagens sonoras simples e amenas, de algum modo descomplicadas e acessíveis, mas que não descuram a beleza dos arranjos e um enorme e intrincado bom gosto. Espero que aprecies a sugestão...

Bawl Cry Wail

All You Pine

Exiled

Unmistakable

Aloft

Flare Gun

I'll Be Up Soon

Cedarspeak

When You See Me Fall

Pouring Out


autor stipe07 às 19:24
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Robot Princess - Action Park

Oriundos de Brooklyn, Nova Iorque, os Robot Princess são Beau Alessi, Daniel D. Lee, Peter Ingles, Joe Reichel e Catherine Anderson, uma das novas apostas da Fleeting Youth Records, uma etiqueta essencial para os amantes do rock e do punk, sedeada em Austin, no Texas.

Os Robot Princess gravaram Ten Vogue, o disco de estreia, nos estúdios Seriuos Business. em Nova Iorque, há um par de anos, mas esse trabalho nunca viu a luz do dia, ou qualquer tipo de edição, quer física, quer digital. Recentemente, Catherine Anderson, membro da banda, produziu mais um punhado de canções do grupo, que resultaram num EP intitulado Action Moves.

Com estes dois trabalhos em mãos e com a Fleeting Youth Records a apostar seriamente nos Robot Princess, chegou finalmente a hora de um dos segredos mais bem guardados do indie rock nova iorquino ver finalmente música a chegar aos escaparates, com a edição em conjunto do álbum e do EP, que verão a luz do dia em formato digital e cassete a vinte e quatro de março.

Já disponivel para download gratuito, Action Park é o primeiro avanço divulgado do cardápio que vai ser editado, uma canção onde Beau Alessie, o vocalista, ironiza com um parque temático situado nos arredores de Nova Jersey com o mesmo nome e com a tudo aquilo que de semelhante tem o amor e todas as emoções que um parque de diversões nos oferece. No final do mês divulgarei certamente a análise crítica desta estreia nos lançamentos dos Robot Princess. Confere...


autor stipe07 às 18:58
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Quarta-feira, 25 de Fevereiro de 2015

Heavenly Beat – Eucharist

Heavenly Beat é o alter-ego de John Pena, baixista dos Beach Fossils e um nome bastante conhecido e respeitado no cenário musical independente e alternativo. Lançado no final do ano passado, Eucharist é já o terceiro tomo de uma discografia que foi integralmente dissecada por cá; O álbum de estreia do projeto, editado em Julho de 2012, chamava-se Talent e foi divulgado pouco depois, tendo sucedido o mesmo com Prominence, o sempre difícil segundo disco dos Heavenly Beat, lançado, como sempre, através da Captured Tracks, em outubro de 2013.

Acompanham Pena nos Heavenly Beat os músicos Andrew Mailliard e Chris Burke e ao terceiro disco, como a sonoridade do projeto se mantém inalterada, há pouco a acrescentar às análises anteriores. Seja como for, há que realçar que a música deste projeto, inicialmente se estranha, mas depois, com tempo, facilmente se entranha e provoca em nós sensações de prazer e bem estar. Isso acontece porque nos Heavenly Beat John Pena explora as intersecções entre a índie e a electrónica, numa mistura absolutamente tranquilizante, que assenta muito em batidas paradisíacas, que nos fazem ter sempre a sensação que estamos a escutar o disco num local belo e único. É uma música que acaba por funcionar como uma sonora escapadinha homeopática, sem nunca nos deixa esquecer quem somos e o que desejamos da vida, já que estas canções também nos dão tranquilidade e força para lidar com uma realidade em permanente convulsão.

Logo na introdutória Kin ficam plasmada a caritilha sonora do trio e o single Patience reforça a possibilidade de sermos invadidos por um som simultanamente fresco e hipnótico ao longo de doze canções de agulhas viradas para uma dream pop que assenta, com frequência, numa chillwave simples, bonita e dançável, construída em redor de uma bateria com a cadência e a vibração certas e guitarras e sintetizadores que se entrelaçam constantemente de modo a criar o tempero ideal às composições.

Além destas virtudes no campo instrumental e do casamento assertivo entre o dedilhar das cordas e uma matriz sintética na dose certa, um dos maiores segredos destes Heavenly Beat parece-me ser o arranjo melódico que sustenta os temas e a postura vocal, às vezes um pouco lo fi e shoegaze, mas que dá às composições aquele encanto vintage, relaxante e atmosférico.

O fluxo das canções é muito agradável relaxado e mesmo sensual e se um dos grandes destaques de Eucharist é o já citado single Patience, a energia sexual bastante latente na percurssão e no efeito que deambula por Manna e em Covet. Mas o dedilhar das cordas em Head e o modo como a batida é adicionada, acaba por ter também um inegável charme, festivo e viciante, assim como a forma como cresce o sintetizador de Legacy, nomeadamente durante o minuto incial, quando recebe uma batida que funciona impecavelmente em modo palmas de fundo. Também não há como resistir ao esplendor da viola e das castanholas do solarengo e inebriante tema homónimo.

Se Pena vive atualmente numa espécie de encruzilhada relativamente ao melhor rumo a dar a este projeto, anseio que ele se mantenha neste modus operandi indefinidamente, em vez de procurar calcorrear outros terrenos menos luminosos e que possam colocar em causa a integridade que os Heavenly Beat têm vindo a construir a pulso, com uma cadência praticamente anual e que tem já como enorme atributo espelhar com precisão o manto de transição e incerteza que tem invadido o cenário da pop de cariz mais alternativo e independente. Espero que aprecies a sugestão...

Heavenly Beat - Eucharist

01. Kin
02. Patience
03. Manna
04. Faults
05. Head
06. Legacy
07. Covet
08. Eucharist
09. Relevance
10. Beyond
11. Effort
12. Relentless


autor stipe07 às 22:03
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Shirley Said - Salvation (video)

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Uma das novas apostas da etiqueta Lost In The Manor é a dupla italiana Shirley Said, natural de Latina, nos arredores de Roma e formada por Giulia Scarantino e Simone Bozzato. A eletrónica experimental, que chega a raiar a fronteira do techo minimal, é a pedra de toque destes Shirley Said, uma eletrónica sensual e algo abstrata, mas bastante sofisticada e de forte cariz ambiental.

Depois de terem divulgado o vídeo de Merry Go Round, um filme dirigido e produzido por Gabriel Beretta e com Yin Lee a ficar a cargo da maquilhagem espetacular de Giulia, agora chegou a vez de ser conhecido o filme de Salvation, o lado a de um single que vai ser editado, apenas em formato digital, a vinte e três de março.

Nesta canção tudo se movimenta como uma massa de som em que o mínimo dá lugar ao todo, ou seja, os detalhes são, sem dúvida, parte fundamental da funcionalidade e da beleza da obra da dupla, sendo impecável o modo como exploram essa unidade e as várias nuances sonoras que aplicam, de um modo que instiga, hipnotiza e emociona. Quanto ao video, a junção de paisagens amplas e naturais, com elementos abstratos, funciona como uma metáfora interessante da sonoridade dos Shirley Said que, fazendo juz à descrição deste single acima plasmada, gravita na fusão de dois universos sonoros ambivalentes, onde o sintético e o orgânico se fundem. Confere...


autor stipe07 às 17:55
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Terça-feira, 24 de Fevereiro de 2015

Father John Misty – I Love You, Honeybear

Father John Misty já foi visto como um reverendo barbudo e cabeludo, que vagueava pela noite americana a pregar o evangelho segundo Neil Young. Encharcado, pegava no violão e cantava sobre cenas bíblicas, Jesus e João Batista e a solidão. Hoje, Father John Misty não é só um artista, é uma personagem criada e interpretada por Josh Tillman, antigo baterista dos Fleet Foxes, que tinha uma vida bastante regrada e obscura, mas que hoje vive apaixonado e feliz com esse maravilhoso novo estado de alma.

Tillman já tinha lançado a partir de 2005 uma série de EPs e um álbum em 2010, entanto, só após a rescisão com os Fleet Foxes e uma assinatura com a Sub Pop, é que o seu projeto a solo ganhou pujança, tendo-se juntando, assim, todos os ingredientes para a chegada de Fear Fun, um álbum editado na primavera de 2012 com estrondo. Agora, quase três anos depois, Fear Fun já tem sucessor, uma coleção de onze canções intitulada I Love You, Honeybear, que documentam o seu novo status, mas que não deixam de condensar ainda um certo sarcasmo feroz e melancolia, com um resultado que se não é a reinvenção da roda contém uma saudável dose de letargia que garante sucessivas audições, por dias a fio.

Sedutor, cativante, profundamente engenhoso e com todos os atributos para ser um verdadeiro diabo vestido de anjo, Tillman serve-se das cordas para expressar sentimentos que se causam algum desconforto na mente dos mais desconfiados sobre as suas reais intenções, afaga com notável eficácia as dores de quem se predispõe a seguir sem concessões a sua doutrina.

Agora a viver em Nova Orleães, depois de anos escaldado pelo sol californiano e, como referi, entretanto apaixonado, nomeadamente pela fotógrafa Emma Elizabeth Garr, hoje Emma Elizabeth Tillman, Tillman escreve neste disco sobre o amor, mas não de modo a documentar apenas e só este seu novo estado pessoal, preferindo falar sobre si próprio e o modo como a sua intimidade de certa forma se modificou devido ao amor, procurando fazer canções de amor bonitas, sentidas, repletas de orquestrações opulentas e com algumas baladas que, no caso de When You’re Smiling And Astride Me são conduzidas por um belíssimo piano num registo clássico e fortemente emocional.

Com um pé em Nashville (I Love You, Honeybear) e outro na mexicana Valladolid (Chateau Lobby #4 (In C For Two Virgins)), o músico aprofunda neste seu segundo trabalho o senso de humor e a sagacidade das suas letras, cada vez mais inteligentes e enigmáticas, com um elevado sentido críptico, até, não sendo óbvia a descodificação célere das suas reais intenções relativamente a todos aqueles que se deixam inebriar pelos seus sermões e fazer parte de um rebanho que se assanha sempre que o pastor investe no tema recorrente deste trabalho, o amor. E Tillman fá-lo por vias pouco convencionais (I just love the kind of woman who can walk over a man), mesmo quando também embarca no auto elogio direto, com temas como Bored in the USA ou The Ideal Husband, a mostrarem ter aquela estrela certeira chamada aúrea, capaz de conduzir todos os holofotes para que incidam sobre si.

As canções de Father John Misty possuem, inevitavelmente, uma característica narrativa, nostálgica e sempre com aquela aura fantasiosa de uma era longínqua do rádio e da indústria fonográfica. Sentimo-nos em casa e bastante acolhidos ao som de temas como Strange Encounter e Nothing Good Ever Happens at Goddam Thirsty Crow e preciosidades como a já citada When You’re Smiling and Astride Me e os sintetizadores de True Affection são geniais no modo como plasmam um folk rock muito ternurento que mesmo escondido no seio de um humor mórbido e feito de alguma desolação emocional têm tudo para fazer de Tillmam um verdadeiro sex symbol indie e estrela improvável, ainda por cima apaixonado como um bebé, carente de afetividade constante, como tão bem mostra a capa retratando-o como o pequeno Cristo barbudo no colo de Maria, rodeado por pequenas criaturas que poderão personificar todos aqueles demonios que o cercam, prontos a colocar em causa o seu novo mundo cor-de-rosa, à primeira oortunidade. Será que irão conseguir? Espero que aprecies a sugestão...

Father John Misty - I Love You, Honeybear

01. I Love You, Honeybear
02. Chateau Lobby #4 (In C For Two Virgins)
03. True Affection
04. The Night Josh Tillman Came To Our Apt.
05. When You’re Smiling And Astride Me
06. Nothing Good Ever Happens At The Goddamn Thirsty Crow
07. Strange Encounter
08. The Ideal Husband
09. Bored In The USA
10. Holy Shit
11. TI Went To The Store One Day


autor stipe07 às 22:20
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Mumblr - Full of Snakes (vinyl edit)

Após vários EPs, os norte americanos Mumblr de Nick Morrison, Ian Amidon, Sean Reilly e Scott Stitzer, finalmente  estrearam-se nos discos. Full of Snakes é o nome do primeiro longa duração dos Mumblr e chegou aos escaparates a dezasseis de setembro de 2014, através da insuspeita e espetacular editora, Fleeting Youth Records, uma etiqueta essencial para os amantes do rock e do punk, sedeada em Austin, no Texas.

Inicialmente disponível em edição digital ou em cassete, com dezassete canções, algumas delas untitled, a grande novidade é que este trabalho acaba de ser lançado no formato vinil. Falo de uma edição limitada a trezentos exemplares, mas absolutamente imperdível, disponivel para encomenda no bandcamp da editora.
Para comemorar o lançamento desta edição em vinil, os Mumblr divulgaram também um video para Got It, o tema de abertura de Full Of Snakes, um disco cheio de hinos sonoros que plasmam diferentes manifestações de raiva adolescente, o ideário lírico privilegiado das canções desta banda norte-americana. Na verdade, eles debruçam-se sobre algumas das temáticas mais comuns para quem começa a entrar na idade adulta, nomeadamente a questão da auto estima, a perca da inocência e as relações amorosas.
Philadelphia, o nome da cidade de onde os Mumblr são oriundos, foi o primeiro avanço divulgado do álbum, uma canção que numa simbiose entre garage rockpós punk e rock clássico, contém uma sonoridade crua, rápida e típica da que tomou conta do cenário lo fi inaugurado há mais de três décadas. Logo aí se percebeu qual seria a bitola sonora destes Mumblr e o alinhamento na verdade não defrauda os apreciadores do género, até porque Got It, este novo avanço divulgado de Full of Snakes, não foge muito a esta toada, apesar de ser um tema mais contemplativo e com uma temática bastante reflexiva. Já agora, sobre esta canção, Nick Morrison referiu: It´s about being a strange, confused young man; feigning confidence and asking people to take him as he is.
Apesar de estar claramente balizado o espetro sonoro dos Mumblr, há que destacar a forma corajosa como, logo na estreia, não se coibem de tentar experimentar ideias diferentes e fugir da habitual bitola. Canções como Black Ships, White Devil ou Greyhound Station, contêm momentos de pura improvisação, com guitarras que apontam em diferentes direções e o baixo dos dois singles acima citados não receia tomar as rédeas do conteúdo melódico das mesmas. E estes dois importantes ítens não perturbam a conturbada homogeneidade de um alinhamento que raramente deixa de ser fluído e acessível, apesar desses momentos e da especificidade rugosa do som que carateriza os Mumblr.
Em Full Of Snakes os Mumblr estabelecem uma zona de conforto, mas não se coibem de colocar o pé de fora e de calcorrear outros universos sonoros adjacentes ao indie rock alternativo que marcou os anos noventa e que podem ir da psicadelia, ao punk rock e ao próprio blues. A verdade é que eles parecem dispostos a lutar com garra e criatividade para empurrar e alargar as barreiras do seu som, ao longo de cerca de quarenta minutos intensos, rugosos e que não envergonharão o catálogo sonoro deste grupo de Filadélfia, seja qual for o restante conteúdo que o futuro lhes reserve. Espero que aprecies a sugestão...

 


autor stipe07 às 13:11
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Segunda-feira, 23 de Fevereiro de 2015

Grooms – Comb The Feelings Through Your Hair

Oriundos de Brooklyn, Nova Iorque, os Grooms têm no texano Travis Johnson o grande mentor e suporte, um músico que tem vivido e composto neste bairro da big apple, tendo a banda ensaiado e gravado nos estúdios locais Death By Audio, entretanto encerrados, durante sete anos. Primeiro como Muggabears e depois Grooms, o coletivo passou nos últimos tempos por algumas dificuldades, nomeadamente financeiras, que forçaram o baixista e também compositor Emily Ambruso a um hiato, deixando apenas Johnson como membro original do alinhamento que, felizmente, não desistiu da banda. Lutando contra todas estas contrariedades, Johnson recrutou Jay Heiselmann para o baixo e o ator e comediante Steve Levine para a bateria e Comb The Feelings Through Your Hair é o primeiro capítulo desta nova etapa da vida dos Grooms, um disco que viu a luz do dia a dezassete de fevereiro, através da Western Vinyl.

A indie pop e o rock luxuriante, com o ritmo e a cadência certas e uma certa toada melancólica, alicerçada num salutar experimentalismo que abraça um interessante e algo inédito leque de influências, sempre com uma filosofia vintage, é a pedra de toque de onze canções feitas com guitarras levemente distorcidas e harmoniosas, banhadas pelo sol dos subúrbios e misturadas com arranjos luminosos e com um certo toque psicadélico. Genuínos, ecléticos e criativos, estes Grooms compõem temas capazes de nos enredar numa teia de emoções que prendem e desarmam, sem apelo nem agravo, numa parada de cor, festa e alegria, onde terá havido certamente um forte sentimento de comunhão entre os músicos, pelo privilégio de estarem juntos e comporem a músicas que gostam.

Ouvimos cada uma das músicas de Comb The Feelings Through Your Hair e conseguimos, com clareza, perceber os diferentes elementos sonoros adicionados e que esculpiram as canções, com as guitarras, melodicamente sempre muito próximas da postura vocal e alguns arranjos sintéticos a sobressairem, não porque ficam na primeira fila daquilo que se escuta, mas porque suportam aqueles simples detalhes que, muitas vezes com uma toada lo fi, fazem toda a diferença no cariz que a canção toma e nas sensações que transmite. Este é, portanto, um daqueles trabalhos em que há uma interligação latente entre os temas e não faz grande sentido escutá-los de forma isolada.

Um belíssimo instante indie chamado Bed Version é o aperitivo que abre o alinhamento e depois vamos sendo constantemente convidados a dançar ao som de uma filosofia sonora bastante aditiva e peculiar, que procura gravitar em torno de diferentes conceitos sonoros e esferas musicais, que transmitem, geralmente, sensações onde a nostalgia do nosso quotidiano facilmente se revê.

A guitarra elétrica, como já foi referido, possui o ónus da condução melódica, mas também há uma forte presença da sua congénere acústica e do baixo. Até o sintetizador faz a sua aparição e logo no tema homónimo cria uns loopings que introduzem eficazmente uma linha de guitarra inebriante, cabendo-lhe o mesmo papel num memorável instante épico, impregnado de cor e luz graças chamado Cross Off, canção que obtém o sustento nas teclas que graciosamente se insinuam e deambulam em redor das cordas eletrificadas, dando origem a um conjunto sonoro épico, bastante ousado e inebriante. Já Grenadine Scene From Inside é uma música perfeita para se ouvir num dia de sol, ali, no exato momento em que começa o nosso fim de semana e ao conduzirmos para casa começamos a sonhar. As notas parecem sinónimos de tranquilidade, guiam os efeitos ao fundo da música e acompanham uma inédita secção de sopros com excelente sintonia.

De vez em quando também se escutam arranjos e melodias sintetizadas, mas as cordas, o baixo e a bateria são o busílis do grupo para atingir os seus propósitos. E voltando às cordas, a sequência feita com o rock angular e rugoso de Doctor M e a cavalgada entusiástica e delirante de Will The Boys em oposição ao experimentalismo acústico noir e contemplativo de Half Cloud, um daqueles instantes retro, relaxante e atmosférico que nos desarma, é um dos pontos altos e imperdiveis de Comb The Feelings Through Your Hair, depois de em Something Wild termos sido agraciados por uma outra estirpe de cordas, aquelas que esbarram numa percurssão que nunca desiste de tentar engatar o ritmo, quer na questão das batidas por minuto, quer no entusiasmo lírico. 

Para o ocaso o sentimentalismo imberbere de Foster Sister e a altivez orquestral de Later A Dream oferecem-nos paisagens ainda mais grandiosas e significativas, dois arrebatadores banquetes de sedução, languidez e luxúria, feitos com um indie rock sem fronteiras, desapegos ou concessões e que se servem também, em bandeja de ouro, com um forte entusiasmo lírico, certamente com o propósito de contornar todas as amarras que prendem a nossa alma e apresentar, desse modo, a notável disponibilidade dos Grooms para nos fazer pensar, mexendo com os nossos sentimentos e tentando dar-nos pistas para uma vida mais feliz.

Com um forte cariz urbano e atual, Comb The Feelings Through Your Hair é um disco excitante e intenso, que nos prende numa bolha dinâmica adornada por aquele rock pastiche que nos desperta para um paraíso de glória e esplendor e subjuga momentaneamente qualquer atribulação que nos apoquente. Pleno de cenários complexos e repletos de sensações únicas, que os Grooms conseguem muito bem transmitir à boleia de um cardápio instrumental bastante diversificado, Comb The Feelings Through Your Hair prova que este coletivo norte americano entra no estúdio de mente aberta e disposto a servir-se de tudo aquilo que é colocado ao seu dispor para criar música, com uma quase pueril simplicidade, que plasma uma noável capacidade de reinventar, reformular ou simplesmente replicar o que de melhor tem o indie rock psicadélico nos dias de hoje para nos oferecer, enquanto se vai, num abrir e fechar de olhos, do nostálgico ao glorioso, numa caldeirada de estilos e emoções cozinhada por mestres de um estilo sonoro carregado de um intenso charme. Espero que aprecies a sugestão...

Grooms - Comb The Feelings Through Your Hair

01. Bed Version
02. Comb The Feelings Through Your Hair
03. Cross Off
04. Something Wild
05. Doctor M
06. Half Cloud
07. Will The Boys
08. Savage Seminar
09. Grenadine Scene From Inside
10. Foster Sister
11. Later A Dream


autor stipe07 às 21:20
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Domingo, 22 de Fevereiro de 2015

Wilco - Alpha Mike Foxtrot: Rare Tracks 1994-2014:

Os Wilco são uma banda de rock alternativo liderada pelo carismático Jeff Tweedy, natural de Chicago, no Illinois. Formaram-se em 1994 tendo como ponto de partida a banda de country alternativo Uncle Tupelo e enquanto não regressam ao estúdio para gravar mais alguns originais, resolveram editar, através da Nonesuch Records, What’s Your 20? Essential Tracks 1994-2014. Na sequência desse lançamento, comemorativo dos vinte anos de carreira dos Wilco, acabou também por incubar Alpha Mike Foxtrot: Rare Tracks 1994-2014, uma caixa com quatro discos que contêm nada menos que setenta e sete temas, incluindo raridades, remisturas e gravações ao vivo, pedaços da vida dos Wilco essenciais para compreender o legado da banda em toda a sua plenitude.

Depois de terem lançado The Whole Love, o oitavo disco de originais, através da dBpm Records, há cerca de dois anos, os Wilco acharam que seria altura de revisitar a carreira de modo exaustivo e What’s Your 20? Essential Tracks 1994-2014 fá-lo com elevado acerto através de um alinhamento que deixa pouca margem para crítica, num trabalho que só fica completo com estes quatro tomos de Alpha Mike Foxtrot: Rare Tracks 1994-2014.

O amor, a paixão e as suas travessuras, nas quais se incluem críticas mais ou menos veladas a uma América contemporânea cada vez menos socialmente justa e refém dos seus medos, sempre foram temáticas bastante importantes para Jeff Tweedy que, servindo-se dos Wilco, sempre surpreendeu pelo modo como foi diversificando a sua abordagem a estes conceitos ao longo de duas décadas. Do repentismo sincero e inconsciente de Wilco A.M., ao trato leve e sublime em Sky Blue Sky, passando pela imersão em vários psicoativos sentimentais em Yankee Hotel Foxtrot, ou fazendo uma primeira súmula de como sentem e vibram com sentimentos tão intensos, tentada em The Whole Love, os Wilco nunca conseguiram, felizmente, a desejada caricatura definida, numa história, às vezes barulhenta e intensa, outras mais introspetiva e carregada de soul.

Estas raridades acabam por ser fundamentais para se entender o cariz experimental e fortemente melódico de um grupo que geralmente sustentou as suas criações em magníficos arranjos de cordas, sempre acompnhados por uma percussão coerente e intuitiva e detalhes tão charmosos como xilofones, outros metais, ou as teclas de um piano, um forte entusiasmo lírico e, principalmente, uma notável disponibilidade para nos fazerem pensar, mexendo com os nossos sentimentos e tentando dar-nos pistas para uma vida mais feliz. Espero que aprecies a sugestão...

 

Disc one:
01. Childlike and Evergreen (Demo)
02. Someone Else’s Song (Demo)
03. Passenger Side (Demo)
04. Promising
05. The T.B. is Whipping Me – with Syd Straw
06. I Must Be High (Live)
07. Casino Queen (Live)
08. Who Were You Thinking Of (Live)
09. I Am Not Willing
10. Burned
11. Blasting Fonda
12. Thirteen
13. Don’t You Honey Me
14. The Lonely 1 (White Hen version)
15. No More Poetry
16. Box Full of Letters (Live)
17. Red-Eyed and Blue (Live)
18. Forget the Flowers (Live)
19. Sunken Treasure (Live)
20.Monday (Demo)

Disc two:
01. Passenger Side (Live)
02. Outtasite (Outta Mind) (Live)
03. I Got You (At the End of the Century) (Live)
04. Outta Mind (Outta Site) (Live)
05. James Alley Blues – with Roger McGuinn (Live)
06. At My Window Sad and Lonely (Jeff Tweedy solo)
07. California Stars (Live)
08. One Hundred Years From Now
09. A Shot in the Arm (Remix)
10. ELT (King Size demo)
11. Nothing’severgonnastandinmyway (again) (Dave Kahne Remix)
12. She’s a Jar (Austin demo)
13. Tried and True
14. Student Loan Stereo
15. True Love Will Find You in the End
16. I’m Always in Love (Solo acoustic live)
17. Via Chicago (Austin Demo)
18. Can’t Stand It (Live)
19. Airline to Heaven (Alternate)
20. Any Major Dude Will Tell You

Disc three:
01. I’m the Man Who Loves You (Live)
02. The Good Part
03. Cars Can’t Escape
04. Camera
05. Handshake Drugs (First version)
06. A Magazine Called Sunset
07. Bob Dylan’s 49th Beard
08. Woodgrain
09. More Like the Moon
10. Let Me Come Home
11. Old Maid
12. Hummingbird (Alternate)
13. Spiders (Kidsmoke) (Live)
14. Hell is Chrome (Live)
15. At Least That’s What You Said (Live)
16. The Late Greats (Live)
17. Just a Kid – with The Blisters
18. Kicking Television

Disc four:
01. Panthers
02. Theologians (Live)
03. Another Man’s Done Gone (Live)
04. I’m a Wheel (Live)
05. How to Fight Loneliness (Live)
06. One True Vine
07. The Thanks I Get
08. Let’s Not Get Carried Away
09. Hate it Here (Live)
10. Impossible Germany (Live)
11. I Shall Be Released – with Fleet Foxes (Live)
12. What Light (Live)
13. Jesus, Etc. – with Andrew Bird (Live)
14. Glad It’s Over
15. Dark Neon
16. The Jolly Banker
17. Unlikely Japan
18. You and I – with Feist (Live)
19. I Love my Label


autor stipe07 às 21:46
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Noel Gallagher’s High Flying Birds – Ballad Of The Mighty I

Noel Gallagher's High Flying Birds - Ballad Of The Mighty I

O britânico Noel Gallagher e os High Flying Birds regressam aos discos em março de 2015 com Chasing Yesterday, atráves da Sour Mage Records e depois de ter sido revelado In The Heat Of The Moment, o primeiro single extraído do trabalho, uma edição que contava com Do The Damage como lado b, agora chegou a vez de Ballad Of Thr Mighty I, mais um tema que vive à sombra do caloroso e pujante indie rock britânico, a biblia sagrada por onde se orienta Noel Gallagher, ele que terá escrito algumas das páginas mais significativas dessas escrituras, não só nos Oasis, como noutros projetos em que se envolveu também como produtor. Revolution Song é o lado b deste single. Confere...

01. Ballad Of The Mighty I
02. Revolution Song


autor stipe07 às 15:21
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Sábado, 21 de Fevereiro de 2015

Vast ‎- Making Evening And Night

Compilação de demos e temas que foram ficando de lado em edições anteriores, Making Evening And Night é o mais recente lançamento dos VAST, um coletivo norte americano dos arredores de Washington liderado por Jon Crosby, que também costuma produzir os discos da banda, ao qual se juntam Michael Cry, Ben Fenton eTabber Millard.

As siglas VAST significam Visual Audio Sensory Theater e o indie rock progressivo e industrial do quarteto é um verdadeiro desafio sensorial para os nosso ouvidos. Com os instrumentos sempre ligados à corrente, muitas vezes em oposição ao forte apelo que Crosby sente relativamente à guitarra acústica durante o processo de composição, existe neste projeto uma forte componente eletrónica, que origina um caldeirão sonoro que encontra no eletro rock uma boa base de definição, cujo espetro se alarga ainda mais devido à postura vocal muito próxima do grunge e do rock clássico.

Depois de um início de carreira bastante ruidoso mas particularmente melódico, que foi inaugurado em 1998 com um homónimo, os registos recentes dos VAST identificam-se mais como um rock acústico, com as atmosferas criadas em April (2007) e Me And You (2009) a darem uma primazia maior a paisagens sonoras mais contemplativas.

Em vinte e dusas canções os VAST fazem uma retrospetiva clara de uma carreira recheada de momentos altos e amplamente destacada e bem sucedida nos Estados Unidos, sendo Making Evening And Night uma porta de entrada perfeita e completamente escancarada para o universo de uma banda com um percurso já sólido e profícuo e feliz a agregar tudo aquilo que tem de melhor o indie rock atual, através de um esqueleto instrumental eminentemente melancólico e só possível de replicar por quem reside num universo algo sombrio e fortemente entalhado numa forte teia emocional amargurada. Espero que aprecies a sugestão...

Vast‎- Making Evening And Night

CD 1
01. Again And Again
02. No One Could Know
03. Where’d You Go?
04. It’s Time
05. Like God
06. Call On Me
07. The Thing They Took
08. They Only Love You When You Die
09. There Is No Tomorrow
10. The Trail Of Tears
11. The Fire Of Love

CD 2
01. Something About You Turns Me On
02. Noise
03. Put Your Lips Around My Generation
04. Diamonds To Coal
05. Whisper My Name
06. Burning Desire
07. Desperate
08. I Would Like It
09. Broken Girl
10. Kimi
11. I Want It Back


autor stipe07 às 15:12
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Sexta-feira, 20 de Fevereiro de 2015

José González – Vestiges And Claws

Depois de se ter mostrado um jovem platónico e apaixonado em Veneer (2003), ou um cru e empírico observador da vida em Our Nature (2007), o sueco José González está de regresso e de mãos dadas com ambientes sonoros mais intimistas, à boleia de Vestiges And Claws, uma coleção de dez temas gravados na sua casa em Gotemburgo e que têm na folk acústica, que em determinados instantes pisca o olho a um certo travo psicadélico, as suas traves mestras. Refiro-me a canções competentes na forma como abarcam diferentes sensações dentro de um mesmo cosmos e que misturam harmoniosamente a exuberância acústica das cordas com a voz grave, mas suave e confessional de González, sendo este um álbum ameno, íntimo e cuidadosamente produzido pelo próprio autor e arrojado no modo como exala uma enorme elegância e sofisticação.

Com instantes como Stories We Build, Stories We Tell ou Leaf Off/The Cave, capazes de nos envolver num clima doce e reconfortante, mas também festivo, Vestiges And Claws sobrevive à sombra de arranjos bem feitos, que prendem a atenção, alternando entre climas calmos e agitados, conseguidos através da combinação da guitarra com outros sons e detalhes, quase sempre precurssivos, mas que nunca roubam às cordas o merecido protagonismo.

Cm uma dúzia de anos de carreira, com os Junip a serem também parte fundamental da sua existência musical, González mostra-se, ao terceiro tomo da carreira a solo, mais maduro e consciente do mundo que o rodeia, de certo modo, num estágio superior de sapiência que lhe permite utilizar o seu habitual espírito acústico para colocar-se à boleia de arranjos de cordas tensos, dramáticos e melódicos e contar histórias que o materializam na forma de um conselheiro espiritual sincero e firme e que tem a ousadia de nos querer guiar pelo melhor caminho, sem mostrar um superior pretensiosismo ou tiques desnecessários de superioridade. O sermão que nos oferece no tema homónimo é só um exemplo desta sua vontade de nos fazer refletir, com o romantismo de With The Ink of Ghost, ou a cândura da maravilhosa Let It Carry You (com a percussão feita por uma clave, um instrumento habitual na sua discografia), assim como os sussurros de The Florest a confrontarem-nos com a nossa natureza, uma sensação curiosa e reconfortante que ambientada pelos assobios rústicos de Vessel transforma-se numa experiência ímpar e de ascenção plena a um estágio superior de letargia.

Every Age, o primeiro single retirado de Vestiges And Claws, também materializa esta demanda reflexiva que nos é servida por um sábio que surpreende pelo parco mas suficiente e profundo vocabulário que preenche a sua cartilha, sempre aberto às mais variadas interpretações (Some things change, some things remain, We don't choose where we're born, We don't choose in what pocket or form, But we can learn to know Ourselves on this globe in the void). Este acaba por ser um dos momentos líricos mais bonitos de toda a carreira de GonzálezLeaf Off/ The Cave, o segundo single do disco, obedece igualmente a este conceito da progressiva evolução existencial, rcordando-nos que nunca dvemos descurar os conselhos dos mais velhos, essenciais para que a vida seja vivida em plenitude e não apenas como um ponto de passagem esperado e rotineiro (Let the life lead you out).

Se a calma nos transmite sabedoria, ela não se reflete em passividade. José González diz à sua maneira em What Will que as garras e os vestígios do título do disco são os elementos que muitas vezes sobram após a nossa luta diária constante, enquanto os lindíssimos acordes do tema dão-nos a motivação necessária para acreditarmos que vale a pena esse sacrifício desgastante, desde que resulte na tal vivência existencial plena e verdadeiramente feliz.

Se o hinduismo acredita na existência de um estado transitório entre a morte e o ressurreição, onde a nossa alma recupera a divinidade perdida no nascimento, pode-se dizer que a música deste sueco nos concede a mesma sensação no modo como nos renova espiritualmente e nos acalma enquanto transmite sabedoria. Em Vestiges & Claws, o músico emociona, inspira e ilumina, levando-nos para um lugar calmo e pacífico, onde podemos fugir da velocidade, do caos e da ansiedade da vida moderna, um lugar que, independente de géneros ou estilos, definitivamente só existe na música. Espero que aprecies a sugestão...

José González - Vestiges And Claws

01. With The Ink Of A Ghost
02. Let It Carry You
03. Stories We Build, Stories We Tell
04. The Forest
05. Leaf Off / The Cave
06. Every Age
07. What Will
08. Vissel
09. Afterglow
10. Open Book


autor stipe07 às 14:22
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Blur - Go Out




Go Out é o primeiro avanço divulgado de The Magic Whip, o primeiro álbum dos britânicos Blur desde o extraordinário Think Thank de 2003 e, de acordo com Damon albarn, finalizado apenas ontem. Anunciado esta manhã de forma surpreendente, quer o single quer a data de edição do disco, esta é uma novidade verdadeiramente incrivel, já que, apesar de ter havido sempre rumores de um novo tomo no cardápio desta banda, a verdade é que os receios de tal nunca vir a suceder foram sempre mais fortes.

The Macic Whip será colocado à venda a vinte e sete de abril e, já agora, o anúncio foi feito através de uma conferência de imprensa transmitida em streaming a partir de um restaurante chinês em Londres, onde a banda aproveitou também para anunciar um grande concerto para o Hyde Park, na capital britânica, no dia 20 de Junho. Confere a primeira amostra do disco...


autor stipe07 às 14:14
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Quinta-feira, 19 de Fevereiro de 2015

Pond – Man It Feels Like Space Again

São Francisco, na Califórnia e Perth na Austrália, são os dois grande polos atuais do indie rock piscadélico e, oriundos do último, os Pond de Nick Allbrook, Jay Watson, Joseph Ryan, Jamie Terry, um verdadeiro projeto paralelo dos Tame Impala, um dos nomes maiores do género e uma banda obrigatória para todos aqueles que da psicadelia, à dream pop, passando pelo shoegaze e o chamado space rock, se deliciam com a mistura destas vertentes e influências sonoras, sempre em busca do puro experimentalismo e com liberdade plena para ir além de qualquer condicionalismo editorial que possa influenciar o processo criativo de um grupo.

Produzido por Kevin Parker, Man It Feels Like Space Again é o sexto álbum dos Pond, um trabalho lançado no passado dia vinte e três de janeiro por intermédio da Modular e que tem no fuzz rock a sua pedra de toque, talvez a expressão mais feliz para caraterizar o caldeirão sonoro que os Pond reservam para nós e que logo na imponência de Waiting Around For Grace e no festim grandioso de Elvi´s Flaming Star, fica claramente plasmado.

As guitarras são, como seria de esperar, o combustível que inflama os raios flamejantes que cortam a direito e iluminam o colorido universo sonoro dos Pond, feitas de acordes rápidos, distorções inebriantes e plenas de fuzz e acidez. Mas a receita também se compôe com sintetizadores munidos de um infinito arsenal de efeitos e sons originários das mais diversas fontes instrumentais, reais ou fictícias, uma secção rítmica feita com um baixo pulsante e uma bateria com um forte cariz étnico, que é várias vezes literalmente cortada a meio por riffs de guitarra, numa sobreposição instrumental em camadas, onde vale quase tudo, mas nunca é descurado um forte sentido melódico e uma certa essência pop, numa busca de acessibilidade que, por exemplo, Hobo Rocket, o antecessor, não continha tanto, apesar da excelência do seu conteúdo. A delicada sensibilidade das cordas que suporta a cândida melodia do belíssimo instante de folk psicadélica chamado Holding Out For You e a monumentalidade comovente de Sitting Up On Our Crane são dois extraordinários tratados sonors que resgatam e incendeiam o mais frio e empedrenido coração que se atravesse e plasmam, além do vasto espetro instrumental presente no disco, a capacidade que estes Pond também têm para compôr peças sonoras melancólicas e transformar o ruidoso em melodioso com elevada estética pop

A energia contagiante do eletropunk blues enérgico e libertário, que escorre por todos os poros de Zond, o mais recente single retirado de Man It Feels Like Space Again, um tema que assenta numa voz viciante e numa espiral de sons sintetizados, fortemente lisérgicos e aditivos é, em sentido oposto, outro exemplo claro de toda a amálgama cuidadosamente concebida pelos Pond, ampliada pelo video que é mais uma viagem alucinante filmada por Johnny Mackay, que criou um cenário de artifícios caseiros e adereços imperfeitos, colagens de fundos pintados à mão e um guarda-roupa, no mínimo, original. Já agora, torna-se obrigatório visualizar os videos dos Pond e perceber a forte ligação que existe sempre entre eles e a música, visto estarmos na preença de um coletivo que dá enorme importância à componente visual da sua música, algo que a banda desenhada do artwork do disco também exemplifica.

O álbum avança e depois de em Heroic Shart sermos invadidos por um efeito vocal reverberado que ecoa e paralisa, no meio de uma amálgama assente numa programação sintetizada de forte cariz experimental, Man It Feels Like Space Again prossegue a sua demanda triunfal na insanidade desconstrutiva e psicadélica em que alicerçam as camadas de sons que dão vida a Outside Is The Right Side, canção extremamente dançavel, já que mistura R&B, pop, hip-hopelectrónica, com noção de equilíbrio e um limbo perfeito. Neste instante, quando damos por nós, já completamente consumidos pelo arsenal infinito de efeitos, flashes e ruídos que correram impecavelmente atrás da percussão orgânica e bem vincada que sustentou esse tema, percebemos que não há escapatória possível desta ode imensa de celebração do lado mais estratosférico, descomplicado e animado da vida.

É impossível escutar este trabalho e ficarmos imóveis no recanto mais aconchegante que geralmente nos abriga; Torna-se indispensável deixar que o nosso corpo absorva todas as sensações inebriantes que este disco oferece gratuitamente e, repetindo o exercício sensorial várias vezes, permitirmos que depois se liberte o imenso potencial de energia que estas composições recheadas de marcas sonoras rudes, suaves, pastosas, imponentes, divertidas e expressivas, às vezes relacionadas com vozes convertidas em sons e letras e que atuam de forma propositadamente instrumental proporcionam. Aqui tudo é dissolvido de forma tão aproximada e homogénea, que Man It Feels Like Space Again está longe de revelar todos os seus segredos logo na primeira audição. Por exemplo, o ritmo lento e claramente acústico inicial de Medicine Hat é algo enganador porque a canção é subitamente alvo de um intenso upgrade sonoro, fortemente lisérgico, cósmico e imponente, deixando-nos em suspense relativamente ao que resta ouvir da composição e que acaba por ser uma forte cabeçada que nos agita a mente na forma de um riff melódico assombroso, carregado de distorção e perfeitamente diabólico. O tema homónimo, um imenso instante de rock progressivo, onde os Pond gastam todas as fichas e despejam os trunfos que alicerçam a sua estrutura sonora complexa, é uma canção que sabe claramente a despedida, num cenário verdadeiramente complexo, vibrante e repleto de efeitos maquinais que proporcionam sensações únicas.

Já com um acervo único e peculiar e que resulta da consciência que os músicos que compôem este coletivo têm das transformações que abastecem a música psicadélica atual, os Pond são umbilicalmente responsáveis por praticamente tudo aquilo que move e se move neste género e já se assumiram como referências essenciais para tantos outros. Querendo estar mais perto do grande público e serem comercialmente mais acessíveis, nesta parada psicotrópica explicitamente aberta ao experimentalismo que é Man It Feels Like Space Again, além de não colocarem em causa a sua própria integridade sonora ou descurarem a essência do projeto, propôem mais um tratado de natureza hermética e não se cansando de quebrar todas as regras e até de desafiar as mais elementares do bom senso que, no campo musical, quase exigem que se mantenha intocável a excelência, conseguem conquistar novas plateias com distinção. Os Pond sabem como impressionar pelo arrojo e mesmo que incomodem em determinados instantes da audição, mostram-se geniais no modo como dão vida a mais um excelente tratado sonoro do melhor revivalismo que se escuta atualmente relativamente ao rock psicadélico do século passado. Espero que aprecies a sugestão...

Pond - Man It Feels Like Space Again

01. Waiting Around For Grace
02. Elvis’ Flaming Star
03. Holding Out For You
04. Zond
05. Heroic Shart
06. Sitting Up On Our Crane
07. Outside Is The Right Side
08. Medicine Hat
09. Man It Feels Like Space Again


autor stipe07 às 21:11
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Only Real - Pass The Pain vs Cadillac Girl

O projeto britânico Only Real vai estrear-se nos discos em final de março com Jerk At The End Of The Line e Pass The Pain e Cadillac Girl são dois avanços já divulgados do trabalho, canções que mostram o indie rock como um trunfo explorado positivamente até à exaustão e que ganha um realce ainda maior quando as guitarras distorcidas e algo turvas têm a capacidade de proporcionar uma aúrea algo mística e ampliada, não só à voz, como também, no fundo, à própria mensagem das canções.

Jerk At The End Of The Line será certamente alvo de análise por cá, um disco que irá certamente exaltar cenários e sensações que se expressam com particular envolvência e que expõem sentimentos com genuína entrega e sensibilidade extrema e com uma expressividade única e claramente intencional. Confere...

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autor stipe07 às 13:16
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Quarta-feira, 18 de Fevereiro de 2015

Suburban Living – Suburban Living

Wesley Bunch, um músico de Filadélfia, é a mente criativa que dá vida a Suburban Living, um projeto de que acaba de se estrear no formato álbum com um homónimo preenchido com oito canções, editado através da etiqueta nova iorquina PaperCup Music, o abrigo perfeito para um trabalho que tem os seus pilares assentes numa pop com traços de shoegaze e num indie rock carregado de psicadelia.

Gravado nos estúdios EarthSound, em Virginia Beach, com o engenheiro de som Mark Padgett, Suburban Living traça linhas paralelas com a tradição sonora deixada por herança há umas três décadas por nomes como os My Bloody Valentine, os Pylon ou os Cure, claramente audíveis na forte vertente experimental nas guitarras pulsantes e numa certa soul na secção rítmica, dois aspetos essenciais do tratamento sonoro que Wesley resolveu dar à nostalgia que certamente sente relativamente a uma outra época, que marcou fortemente várias gerações de músicos e ainda hoje é um referencial bastante explorado. Assim, obscuro e melancólico, mas pleno de energia e focado numa enorme dedicação à causa, Suburban Living não complica na altura de exaltar o retro, mesmo que nos dias de hoje exista já alguma saturação relativamente ao vintage

Se durante a audição de Suburban Living somos confrontados com a aparente primazia da guitarra e do efeito peculiar que ela debita e que carimba e tipifica o som caraterístico que Wesley quer que seja marca identificativa do projeto, o que mais me agradou neste disco foi, no entanto, o baixo vigoroso e o modo como dá as mãos a uma bateria, numa relação progressiva que contém uma tonalidade muito vincada e que acaba por ser um excelente tónico para potenciar a capacidade do músico, num registo vocal geralmente em eco, mas também amiúde reverberado, em soprar na nossa mente e envolvê-la com uma elevada toada emotiva e delicada, que faz o nosso espírito facilmente levitar, provocando um cocktail delicioso de boas sensações.

Canções como a épica Faded Lover, mas também Wasted ou Dazed, além de conterem belíssimas letras entrelaçadas com deliciosos acordes e melodias minusiosamente construídas com diversas camadas de instrumentos, são exemplares no modo como nelas Wesley deixou as guitarras, o baixo e a bateria seguir a sua dinâmica natural, fazendo com que os temas assumissem aquela faceta algo negra e obscura que carateriza um ambiente sonoro fortemente etéreo e melancólico. Esta dinâmica ganha um fôlego ainda maior em New Strings, um dos singles de Suburban Living e um tema onde a voz atinge o auge açucarado qualitativo, uma canção que ilustra o quanto certeiro e incisivo o músico conseguiu ser na replicação do ambiente sonoro que escolheu.

Instrumentalmente Drowning é outro dos meus destaques deste trabalho, uma canção naturalmente conduzida pelo tal baixo vibrante, mas que sobressai pela distorção da guitarra e o efeito sintetizado que constrói a melodia, um cenário idílico para quem, como eu, aprecia alguns dos detalhes básicos da melhor psicadelia. No final do disco, Different Coast segue-lhe as pisadas, numa toada que privilegia a simbiose entre traços identitários do rock psicadélico, e da dream pop, o que justifica os elogios realtivamente ao modo como sendo este compêndio tipicamente rock e esculpido com cordas ligas à eletricidade, também consegue mostrar canções cheias de uma fragilidade incrivelmente sedutora.

O clima geral lo fi, que não é mais do que um notório marco de libertação e de experimentação vintage, acaba por ser uma consequência lógica de todo o ideário sonoro e conceptual de Suburban Living. E este é um disco que nos agarra pelos colarinhos, sobretudo pelo modo como nos mostra a interpretação contemporânea do revivalismo de outras épocas, nomeadamente os primórdios do punk rock mais sombrio, pelas mãos de um músico bastante inspirado e mestre a misturar e a explorar diferentes territórios sonoros, sugando-nos assim para um universo pop que impressiona pelo bom gosto com que se cruzam várias dinâmicas sonoras, com o indie rock a servir de elemento aglutinador de um imenso arsenal de arranjos e detalhes, que são um atestado de qualidade ao alcance de poucos projetos que pretendem deixar uma marca indelével neste universo sonoro. Espero que aprecies a sugestão...

Suburban Living - Suburban Living

01. Faded Lover
02. New Strings
03. Wasted
04. Dazed
05. Drowning
06. No Fall
07. Hotel Unizo
08. Different Coast


autor stipe07 às 22:09
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Terça-feira, 17 de Fevereiro de 2015

Overlake – Sighs

Oriundos de Nova Jersey, os Overlake são Tom Barrett, Lysa Opfer e Scotty Imp, um trio que começou a fazer música em 2012 e que se estreou nos discos no ocaso do último ano com Sighs, nove canções que viram a luz do dia através da Killing Horse Records.

Apaixonados pelo rock alternativo dos aos oitenta e noventa, os Overlake começaram como tantas outras bandas, através de jam sessions naturais e certamente bem sucedidas que foram construindo o esboço de um registo que acaba por obedecer ao cardápio confessado de inspirações, já que se My Bloody Valentine, Pavement e Sonic Youth são grupos que influenciam decisivamente a sonoridade das canções dos Overlake, algo que o conteúdo de Sighs demonstra com particular clareza.

Tom Barrett e Lysa Opfer são o núcleo duro do projeto, que já teve vários bateristas no alinhamento, mas que parece ter encontrado em Scotty Imp o músico ideal para se juntar a esse par dinâmico, apesar de ter sido o próprio Tom a tocar a bateria em Sighs.

A escuta de Sighs exige logo no belíssimo instante contemplativo do instrumental First um par de auscultadores e o volume no máximo aceitável para que se entranhem todas as emoções que os Overlake expôem com extraordinária nitidez nas paisagens sónicas criadas pela voz e pelas guitarras e por um baixo pulsante e uma percussão vibrante. O falsete de Disappearing e o efeito da guitarra que o acompanham e a relação progressiva que o baixo e a bateria constroem nesta canção com um início algo inocente mas que depois ganha uma tonalidade muito vincada, são excelentes tónicos para  potenciar a capacidade de Tom em soprar na nossa mente e envolvê-la com uma elevada toada emotiva e delicada, que faz o nosso espírito facilmente levitar e que provoca um cocktail delicioso de boas sensações. A bateria toma conta das rédeas em Not Enough e quando, na canção, a guitarra começa a deambular livremente por cima e ao redor da percussão, ficam irremediavelmente disponíveis os melhores atributos no que diz respeito à capacidade de composição e ao requinte que preenche o ideário sonoro destes Overlake e não duvidamos mais que, até ao final, aguarda-nos apenas e só belíssimas letras entrelaçadas com deliciosos acordes e melodias minusiosamente construídas com diversas camadas de instrumentos, alicerçadas numa certa timidez que não é mais do que um assomo de elegância contida, uma exibição consciente de uma sapiência melódica.

Esta mesma sensação de mestria e bom gosto merece ser devidamente realçada pelo modo como vem à tona, mesmo que o ambiente sonoro escutado não seja, como se exige, sempre constante e semelhante. Há exemplos em que a sapiência criativa dos Overlake se torna algo negra e obscura, nomeadamente em Back To The Water, uma canção com um efeito de reverb na voz que parece que Tom canta nas profundezas de um imenso oceano de hipnotismo e letargia, ou que pisca ao olho aos melhores atributos do punk rock luminoso e outros em que se mostra mais vibrante, como em Fell Too Far, Your KS ou na pop luminosa da balada We'll Never Sleep, três canções que foramam uma sequência que é um cenário idílico para quem, como eu, aprecia alguns dos detalhes básicos da melhor psicadelia. Esta ambivalência acaba por ser as duas faces de uma mesma moeda que se carateriza, seja qual for a variante do rock alternativo replicada, por um ambiente sonoro fortemente etéreo e melancólico, sempre com a premissa de criar um álbum tipicamente rock e esculpido com cordas ligas à eletricidade, algo que ganha um fôlego ainda maior em Our Sky, um dos singles de Sighs e o tema do disco onde a voz de Tom atinge o auge açucarado qualitativo, uma canção que ilustra o quanto certeiros e incisivos os Overlake conseguiram ser na replicação do ambiente sonoro que escolheram.

Enquanto muitas bandas procuram a inovação na adição de uma vasta miríade de influências e tiques sonoros, que muitas vezes os confundem e dispersam enquanto calcorreiam um caminho que ainda não sabem muito bem para onde os leva, os Overlake, logo na estreia, parecem ter balizado com notável exatidão o farol que querem para o seu percurso musical. Sighs é um excelente disco e um dos seus maiores atributos é ser ainda apenas a base de algo ainda maior que esta banda irá desenvolver e que já está em estúdio a preparar o sucessor. Aqui encontras dez canções que quer estejam assentes numa pop com traços de shoegaze ou num indie rock carregado de psicadelia, trazem sempre consigo uma sobriedade sentimental que pode servir de contraponto em instantes mais sombrios e de cariz lo-fi, mas também para marcar a intensa aúrea vincadamente orgânica e, por isso, fortemente sensual que envolve os Overlake para mostrar, com ousadia, a verdadeira personalidade do agregado sentimental que carateriza este grupo. Espero que aprecies a sugestão...

Overlake - Sighs

01. First
02. Disappearing
03. Not Enough
04. Back To The Water
05. Fell Too Far
06. Your KS
07. We’ll Never Sleep
08. Our Sky
09. Is This Something?


autor stipe07 às 18:41
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Spector – All The Sad Young Men

Spector - All The Sad Young Men

Ainda não se conhecem todos os detalhes do segundo álbum dos britânicos Spector, mas já foram divulgados dois singles do mesmo. All The Sad Young Men é o segundo tema conhecido do sucessor do aclamado Enjoy It While It Lasts, o disco de estreia dos Spector, editado em 2012.

O vocalista e lider da banda, Fred Macpherson, já veio a terreiro afirmar que esta canção é a melhor que a banda compôs até hoje. Confere...


autor stipe07 às 17:48
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Segunda-feira, 16 de Fevereiro de 2015

Tiny Victories – Haunts

Oriundos de Brooklyn, em Nova Iorque, os norte americanos Tiny Victories são uma dupla formada por Greg Walters e Cason Kelly, uma banda que se estreou recentemente nos discos com Haunts, um álbum com onze canções que sucede ao EP Those Of Us Still Alive, editado em 2012.

Haunts encarna um desejo claro por parte dos Tiny Victories de criar um forte impacto, explorando uma amálgama de referências dentro do universo sonoro que aposta na fusão de rock, com a pop, a soul e o funk, fazendo-o de uma forma direta e com elevado apelo comercial, mas também sem descurar uma vertente mais densa e sombria e marcadamente experimental. Existiu, sem dúvida, um aturado trabalho de produção, nenhum detalhe foi deixado ao acaso e houve sempre a intenção de dar um sentido épico e grandioso às canções, arriscando-se o máximo até à fronteira entre o indie mais comercial e o teste de outras sonoridades, uma receita levada à prática com o firme propósito de criar ambientes sonoros amplos, luminosos e onde a banda projeta inúmeras possibilidades e aventuras ao ouvinte em cada canção.

Oriundos de um universo sonoro bastante peculiar e com os TV On The Radio a serem, certamente, referência fundamental, os Tiny Victories empacotam as sua canções com melodias impregnadas com uma assumida pompa sinfónica e inconfundível, sem nunca descurar as mais básicas tentações pop e onde tudo soa utopicamente perfeito. Do indie rock clássico de Drinking With Your Ghost, ao clima épico, expansivo e luminoso de System e This Revolution, passando pela pop sintetizada de Let It Burn, uma canção dominada por um sintetizador repescado no período aúreo do eletropop dos anos oitenta, não faltam em Haunts instantes que deambulam pela pop mais requintada e pelo rock progressivo cheio de distorções inebriantes, feitas com pedais carregados de reverb e arranjos captados das mais diversas fontes orgânicas e sintéticas.

Com um ambiente sonoro geralmente empolgante e ritmado e um som de fundo orquestralmente rico, Haunts plasma uma saudável incerteza, ironicamente reconfortante, relativamente ao que poderá reservar o futuro deste grupo nova iorquino, mas é natural a sensação de prazer que qualquer conhecedor profundo do espetro sonoro onde eles se situam sente ao escutar este trabalho. Espero que aprecies a sugestão...

Tiny Victories - Haunts

01. Drinking With Your Ghost
02. Scott And Zelda
03. Systems
04. Let It Burn
05. This Revolution
06. Austin, TX
07. Proton Pagoda
08. Life Is Boring
09. Our Lady Of Route 80
10. Justine
11. You’re Gone


autor stipe07 às 19:03
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Sufjan Stevens - No Shade In The Shadow Of The Cross

"No Shade In The Shadow Of The Cross"

Primeiro avanço para Carrie & Lowell, o próximo álbum do norte americano Sufjan Stevens, No Shade In The Shadow Of The Cross, marca o retorno do músico à folk mais intimista, nostálgica e contemplativa, depois de uma década onde deambulou entre o caótico, o esquizofrénico e o genial em discos tão importantes como Illinoise ou The Age Of Adz.

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autor stipe07 às 18:42
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