Segunda-feira, 15 de Dezembro de 2014

Damon Albarn And The Heavy Seas – Live At The De De De Der

O melancólico, mas sempre genial, brilhante, inventivo e criativo Damon Albarn, personagem central da pop britânica das últimas duas décadas, regressou este ano aos discos em nome próprio e em grande estilo com Everyday Robots, um trabalho que viu a luz do dia a vinte e oito de abril e um belíssimo compêndio de doze canções produzidas por Richard Russell e lançadas por intermédio da Parlophone, que entraram diretamente para o top dos melhores discos de 2014 para este blogue.

A quinze e dezasseis de novembro últimos, Damon Albarn deu dois excelentes espetáculos no mítico Royal Albert Hall, em Londres, com a particularidade de terem sido gravados pelos técnicos dos estúdios de Abbey Road e terem ficado imediatamente disponíveis para venda após cada um dos concertos. Além dos The Heavy Seas, a banda que acompanha Albarn em estúdio e ao vivo, os concertos contaram com as participações especiais de Brian Eno, De La soul, Kano e Graham Coxon, seu parceiro nos Blur.

Escutar estes dois concertos permite-nos fazer uma visita guiada sobre toda a herança sonora essencial que Damon Albarn nos deixou, principalmente nas duas últiams décadas, num alinhamento que contém temas dos Gorillaz, dos The Good The Bad And The Queen, dos Blur, Mali Music e, obviamente, do seu projeto a solo, com destaque para o mais recente e acima citado Everyday Robots.

Falar de Damon Albarn como artista a solo e não abordar as experiências musicais do artista em projetos tão significativos como os Blur, os Gorillaz ou os The Good The Bad and The Queen é algo impossível e Live At The De De De Der transpira a tudo aquilo que Albarn idealizou e criou nestes projetos, com canções que vale bem a pena escutar num formato mais cru e orgânico, umas mias despidas e outras notavelmente enriquecidas e que, desse modo, ganham uma outra personalidade.

Albarn é, por excelência, um minimalista viciado pelos detalhes, uma contradição apenas aparente e que se torna ainda mais audível no modo como, ao vivo, este artista viciado em tecnologia, mas também apaixonado pela natureza orgânica de um enorme espetro de instrumentos e permanentemente inquieto e numa pesquisa constante sobre o modo como os pode tocar, transborda modernidade, juntamente com uma extraordinária sensação de proximidade com o público, a que não será também alheio o facto de ter-se feito sempre acompanhar por outros músicos extraordinários, mesmo nunca tendo deixado de ser o protagonista maior de todas as bandas e projetos que criou.

Impecavelmente produzido e conseguindo transpirsar todas aquelas boas sensações que distinguem um espetéculo ao vivo das versões de estúdio, Live At The De De De Der é absolutamente fundamental para quem quiser rever o cardápio de um músico que é, antes de tudo, um homem comum, às vezes também solitário e moderno. Em palco o coração traiçoeiro de Albarn converte-se num portento de sensibilidade e optimismo, a transbordar de um amor que o liberta definitivamente de algumas das amarras que filtrou ao longo do seu percurso musical e, sem deixar completamente de lado a melancolia que, como ele tão bem mostra, tem também um lado bom, diante de um público entusiasta e que o venera, empenha-se em mostrar-nos que a existência humana e tudo o que existe em nosso redor, por mais que esteja amarrada à ditadura da tecnologia, pode ser um veículo para o encontro do bem e da felicidade coletivas. Espero que aprecies a sugestão...

Damon Albarn And The Heavy Seas - Live At The De De De Der

CD 1
01. Spitting Out The Demons
02. Lonely Press Play
03. Everyday Robots
04. Tomorrow Comes Today
05. Slow Country
06. Kids With Guns
07. Three Changes
08. Bamako City
09. Sunset Coming On
10. Hostiles
11. Photographs (You Are Taking Now)
12. Kingdom Of Doom
13. You And Me
14. Hollow Ponds

CD 2
01. El Manana
02. Don’t Get Lost In Heaven
03. Out Of Time
04. All Your Life
05. End Of A Century
06. The Man Who Left Himself
07. Tender
08. Mr. Tembo
09. Feel Good
10. Clint Eastwood
11. Heavy Seas


autor stipe07 às 17:44
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Sábado, 13 de Dezembro de 2014

Rocco DeLuca – Rocco DeLuca

Natural de Silver Lake, na Califórnia, Rocco DeLuca lançou no passado mês de agosto Rocco DeLuca, um disco homónimo e produzido por Daniel Lanois que, com um pomposo alinhamento de onze músicas, aposta numa pop e num indie rock que entre o nostálgico e o esplendoroso, tem algo de profundamente dramático e atrativo. Este é um trabalho diversificado, acessível, com melodias orelhudas e que foi alvo de uma produção aberta e notoriamente inspirada.

A toada ritmada, enigmática e cheia de groove de Colors Of The Cold, o single já retirado do disco, faz-nos, de imediato, procurar perceber porque é que ao mesmo tempo que damos por nós a abanar as pernas ao ritmo da música e a tentar perceber porque é que uma pop tão orelhuda e exuberante tem de se apresentar perante nós com um grau de exigência particularmente elevado. De seguida, sentimos a necessidade de procurar uma clara perceção da mensagem que o tema nos transmite. A música de Rocco DeLuca é mesmo assim, comunica connosco implacavelmente, não permite qualquer sentimento de indiferença e consegue cativar com notória facilidade.

A percussão de Free e as cordas de Feather And Knife, dois verdadeiros opostos e a folk introspetiva de Everything Hurts e Thief And The Moon surpreendem apenas quem não estiver disposto a aceitar a essência de um disco que sobrevive na procura de diferentes caminhos, sem nunca resvalar numa perigosa monotonia, já que o grau qualitativo dos arranjos, que incluem alguns sopros e metais algo implícitos, é o grande suporte de uma sonoridade que nos coloca lado a lado com alguns dos melhores fundamentos daquilo que define o som caraterístico de uma América profunda, sempre sedenta de novos e diferentes espetros sonoros e, ao mesmo tempo, muito ciosa das suas raízes. Se o falsete de Rocco e a eletrificação da guitarra em Congregate são um excelente exemplo do modo como este músico e compositor consegue criar um claro clima nostálgico, sem descurar a criação de sons inteligentes e solidamente construídos, já a percussão e o dedilhar de The World (Part 1) emerge-nos no particular universo nativo em pleno mojave, que, curiosamente, apesar do pó que levanta, provoca um suor que exala um certo erotismo, que se sentem novamente quando em Through Fire a batida sincopada, muito bem acompanhada por uma linha melódica sintetizada deliciosa e uma guitarra encorpada, fazem dessa canção uma festa pop, psicadélica e sensual.

Este cruzamento assertivo entre um certo blues e a pop mantém-se até ao final do alinhamento, com o sintetizador a ter, finalmente, o protagonismo que merece em Two Bushes, outro exemplo que prova que este artista norte americano coloca, com particular mestria, elementos orgânicos lado a lado com pormenores eletrónicos deliciosos.

A música de Rocco DeLucca aposta nesta relação simbiótica, feita com o simples dedilhar da guitarra acomodada pelo baixo e por um sintetizador aveludado que se esconde atrás dos ritmos, para a criação de canções que procuram ser orelhudas, de assimilação imediata e fazer o ouvinte despertar as suas pretensões emotivas, porque é tudo conjugado de uma forma simples, mas eficaz.

Rocco DeLuca é um compêndio musical fresco e luminoso, com substância e onde cabem todos os sonhos, criado por um músico impulsivo e direto, mas emotivo e cheio de vontade de nos fazer refletir. Mesmo nos instantes mais melancólicos e introspetivos, não há lugar para a amargura e o sofrimento e o que transborda das canções são mensagens positivas e sedutoras. Rocco DeLuca é exímio na forma como se apodera da música pop para pintar nela as suas cores prediletas de forma memorável, com um otimismo algo ingénuo e definitivamente extravagante, onde cabe o luxo, a grandiosidade e uma intemporal sensação de imunidade a tudo o que possa ser sombrio e perturbador. O disco impressiona não só pela produção musical, mas principalmente porque sustenta uma áurea de felicidade, mesmo nos momentos mais contidos e prova que este Rocco DeLuca é um músico inventivo, de rara sensibilidade e que não tem medo de fazer as coisas da forma que acredita. Espero que aprecies a sugestão...

Rocco DeLuca - Rocco DeLuca

01. Colors Of The Cold
02. Free
03. Feather And Knife
04. Congregate
05. Everything Hurts
06. The World (Part 1)
07. Through Fire
08. Thief And The Moon
09. Two Bushes
10. Will Strike
11. Simple Thing


autor stipe07 às 14:35
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OLD - Dude

Oriundas de Malmö, as suecas OLD são uma das novas referências da etiqueta Adrian Recordings, uma editora importante no universo sonoro nórdico e que contém nomes tão importantes como os Yast, VED, Hey Elbow, Andreas Tilliander e The Bear Quartet, entre outros.

Editado no passado dia dez de dezembro, Dude é o novo single das OLD, que contém ainda uma segunda versão da canção da autoria de Vanessa Liftig, uma produtora natural de Gotemburgo que, por exemplo, recentemente trabalhou com os consagrados Wu Tang Clan. Esta canção vem na sequência de vários concertos e de aturado trabalho de estúdio das OLD com o produtor Joakim Lindberg, nos estúdios Studio Möllan em Malmö, o que significa que 2015 trará um novo EP, que tem neste tema Dude o seu primeiro avanço. Recordo que as OLD estrearam-se no início deste ano nos lançamentos com o animado single Knee Hang Gang, ao qual se seguiu um EP com quatro canções intitulado Old Ladies Die Young. Confere...


autor stipe07 às 14:00
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Sábado, 6 de Dezembro de 2014

HIGHS - HIGHS EP

Os Highs são Doug Haynes (voz e guitarra), Karrie Douglas (voz e teclados), Joel Harrower (voz e guitarra) e Kevin Ledlow (bateria), uma banda de Toronto, no Canadá que se estreou já no verão de 2013 com um EP homónimo que, infelizmente, só agora chegou ao conhecimento de Man On The Moon, mas que merece ser divulgado, já que está ainda muito longe de esgotar o seu prazo de validade.

Produzido por Steve Major e pelos próprios Highs e gravado nos estúdios Verge Music Lab em Toronto, Highs são seis canções comandadas por aquele indie pop radiante e luminoso que poderá servir para nos avivar a memória e inundar-nos com a nostalgia de um verão que terminou sem sequer ter começado, não havendo um certo exagero nesta constação, vinda de quem ama dias mais quentes e não concebe um julho que não seja absolutamente tórrido.
A linha de guitarra que abre o EP, em Summer Dress, aconchega-nos imediatamente o coração e coloca no nosso peito aquela sensação ardente de conforto, ao mesmo tempo que imaginamos como será o vestido de verão perfeito, aquele que mais nos inebria, numa canção que faz qualquer um de nós, independentemente do sexo com que nasceu, imaginar a sensação delicada e intensa de experimentar o ato de desfilar, numa festa de praia ou numa escaldante calçada de uma grande cidade onde somos perfeitos desconhecidos, com o mais fino tecido e aquele recorte ousado que preenche a nossa mente, nem que seja uma vez só, na vida inteira.

Se Harvest impressiona pelo modo como cresce até atingir o esperado climax, já Fleshy Bones são cinco minutos de riffs animados constantes e onde ressoa uma letra que merece todo o crédito pela simplicidade com que transmite sentimentos e ideias que às vezes temos uma dificuldade enorme em comunicar, por não encontrarmos o modo certo para as expressar de forma entendível (And we’ll wait until the day, when they come to take our flesh and bones away). A encerrar, Cannibal Coast é aquele tipo de canção de final de alinhamento perfeita e que todas as bandas sonham certamente conseguir compôr e replicar para o ocaso do seu disco.

Todo este charme radiante que exala de um EP impregnado com um groove feito com solos de guitarra fulgurantes, uma percurssão ritmada e vibrante e um jogo de vozes que ecoa hipnoticamente nos nosssos ouvidos, é o caminho certo para nos enjaular num universo muito próprio, onde quereres passar o resto da tua vida aconhegado pelo sol no rosto, que aqui nunca se esconde e está sempre disponível para satisfazer os nossos desejos mais secretos. O EP está disponível para download no soundcloud dos Highs. Espero que aprecies a sugestão...

HIGHS - HIGHS

01. Summer Dress
02. Nomads
03. Harvest
04. Fleshy Bones
05. Cannibal Coast
06. Mango


autor stipe07 às 21:12
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Sexta-feira, 28 de Novembro de 2014

Walter Benjamim - We might never fall in love

Luis Nunes é português, viveu em Londres mas atualmente instalou-se algures no Alentejo e é também Walter Benjamim, nome de um filósofo alemão do início do século passado e o alibi perfeito para Luis escrever sobre o que intencionalmente quiser e poder assim, como já li algures, criar um mundo imaginário onde tudo é perfeito, o amor não dói e o coração não se parte.

No entanto, parece que esse mundo chegou ao ocaso já que Walter Benjamin anunciou recentemente que vai dar o tiro final na sua carreira cantada em inglês, fazendo-o com a edição de um single, disponivel exclusivamente para download na página de bandcamp do músico. Drive Anyway e We might never fall in love são os dois temas do single e estava previsto que o primeiro fizesse parte de Robots, um disco em que Luis trabalhava com o amigo Jakob Bazora e o segundo, o tema principal, é uma nova versão de uma canção originalmente lançada em 2008 no álbum The National Crisis, editado pela extinta netlabel Merzbau. Esta nova roupagem do tema conta com convidados de luxo, nomeadamente todos os membros dos You Can't Win Charlie Brown, colegas de editora Pataca, Afonso Cabral, Salvador Meneses, Tomás Franco Sousa, João Gil, Raquel Lains, Luís Costa (e a namorada Carina Costa) e David Santos (também conhecido como Noiserv), além da presença da banda de sempre: João Correia (bateria) e Nuno Lucas (baixo). É, como não podia deixar de ser, uma celebração entre amigos.

Drive Anyway foi gravada quando o músico ainda vivia em Londres e a canção conta com a participação do austríaco Moritz Kerschbaumer. O vídeo da canção é composto exclusivamente de imagens caseiras do tempo em que Luis vivia com a sua banda em Londres e da sua viagem de volta para Lisboa

Os temas são dois belíssimos momentos sonoros assentes numa sonoridade melancólica e que nunca azeda, que naturalmente nos faz sorrir, mesmo que a tristeza nos trespasse por significarem o epílogo de um projeto que teve como momento alto a edição do fantástico disco The Imaginary Life Of Rosemary And Me.

No próximo dia doze de Dezembro será o encerramento oficial das hostilidades de Walter Benjamim com um concerto no Lux, em mais uma noite Black Baloon, um espetáculo que começa às 23:00 e acaba quando o Lux fechar as portas com um DJ set de Pedro Ramos, Quem és tu Laura Santos? e do próprio Walter.

Luis Nunes tem trabalhado recentemente em discos de músicos e bandas como Éme, TAPE JUNk ou Pedro Lucas. Em breve irá anunciar um novo projecto, com outro nome e numa língua mais materna. Confere os dois temas que marcam a despedida de Luis Nunes do projeto Walter Benjamim e a entrevista que o músico me concedeu acerca deste momento marcante da sua carreira artística.

Depois de te ter entrevistado há já mais de dois anos devido a The Imaginary Life Of Rosemary And Me, o que mudou tanto na vida de Luis Nunes para ele resolver colocar um ponto final no alter ego Walter Benjamim?

Aconteceram tantas coisas. Mudei-me de Londres para a vila de Alvito, no meio do Alentejo. Acho que essa foi a mudança mais radical que fiz na vida, agora vivo no campo e vou de vez em quando a Lisboa aos fins-de-semana ou quando vou tocar. Eu já sabia que isso implicaria acabar com o Walter. Já estou cansado de escrever em inglês, fez sentido enquanto vivia noutro país. Agora quero escrever sobre o que me rodeia, sobre a nossa realidade específica, sobre as pessoas que vejo todos os dias e os sítios que vou descobrindo. Só posso fazer isso de maneira plena na minha língua. É difícil porque a música é obrigatoriamente diferente e exige pôr-me à prova. É voltar a aprender a escrever canções, é como nascer outra vez. Essa é a razão, vou acabar com o nome porque não faz sentido ter um nome em inglês e cantar em português. Continuo a ser a mesma pessoa, só a atravessar uma nova fase.

A despedida do Walter é feita com a edição de um single com dois temas. Não haveria mais material para editar pelo menos um EP? E a que se deveu a escolha destas duas canções?

Tenho canções gravadas para um álbum inteiro. O problema é que teria que misturar tudo, regravar coisas, cantar tudo outra vez. Não me apetece nada, não faz sentido dedicar mais dois meses da minha vida a algo que já não vai acontecer. Escolhi estas duas canções porque eram representativas de algo importante. Não havia uma boa versão gravada da We Might Never Fall In Love, que é uma das músicas mais emblemáticas do Walter. A outra é uma canção que gravei em Londres com um amigo meu muito especial, o Moritz Kerschbaumer, com quem estava a gravar um disco no nosso estúdio, que era no meu quarto. Nunca foi acabado e achei que era importante incluir essa fase na minha vida na despedida, teria pena se esse período não tivesse ficado representado.

Pessoalmente, por ter gostado tanto do teu disco de estreia, confesso um certo desapontamento por saber que não vai haver sucessor. Robots era esse segundo disco da vida de Walter Benjamim? Porque não foi concluído?

Esse disco (da qual foi tirado Drive Anyway) era uma experiência constante. Eu e o Moritz passámos um ano a gravar coisas praticamente todos os dias, era um monstro. Um dia eu disse-lhe que ia para Lisboa e foi um choque para todos, deixei o disco pendurado. Não houve tempo para o acabar, infelizmente.

A despedida oficial de Walter Benjamim é no mítico Lux, já a doze de dezembro. Além dos convidados, há mais alguma surpresa na manga? Quais são as tuas expetativas para essa noite de celebração?

Eu estou a encarar todos os músicos que vão tocar como membros de uma banda definitiva. O Moritz vem de propósito de Londres, o que, como calculas, me deixou extremamente feliz. Eu quero fazer este ponto final rodeado de amigos, essa é a surpresa na manga. Quero que as pessoas se deixem levar pelas canções e dançar a noite toda.

Tens trabalhado recentemente em discos de músicos e bandas como Éme, TAPE JUNk ou Pedro Lucas e em breve irás anunciar um novo projecto, com outro nome e numa língua mais materna. Já podes adiantar algo mais? Como vai ser a tua vida profissional depois de acordares no próximo dia treze de dezembro?

Vou acordar violentamente ressacado, espero eu. A vida profissional não muda muito, o Walter Benjamin não é propriamente algo que gere uma fortuna. Eu tento fazer várias coisas que me entusiasmam, tento equilibrar tudo. Estou  a fazer um disco em português, estou a escrever canções, estou entusiasmado. Mesmo que o disco seja uma merda, estou entusiasmado como não estava há muito tempo.

Obrigado pela entrevista e, principalmente, pela tua música!

Obrigado eu. Abraço.


autor stipe07 às 18:07
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Quinta-feira, 20 de Novembro de 2014

Archive - Black And Blue

Os Archive de Darius Keelers e Dan Griffiths e aos quais se juntam neste momento Pollard Berrier, Rosko John, Dave Pen, Maria Q, Smiley, Steve Harris, Steve Davis, Jonathan Noyce, Holly Martin e Mickey Hurcombe, são um dos nomes essenciais do trip-hop que começou a fazer escola na década de noventa no Reino unido e já andam por cá desde 1996. Entre Londres e Paris, foram responsáveis por alguns dos mais marcantes discos do panorama alternativo dos últimos vinte anos, com destaque para Londinium  (1996), Take My Head (1999) e Noise (2004), entre tantos outros. Um dos últimos registos de originais do projeto tinha sido With Us Until You're Dead, um trabalho editado em 2012 e do qual dei conta na altura, mas ainda há poucos meses, mais concretamente a vinte e seis de maio, lançaram um outro trabalho in intitulado Axiom.

Agora, cerca de meio ano depois, já há sucessor anunciado; Disponibilizado gratuitamente no soundcloud oficial do coletivo, Black and Blue é um dos três primeiros avanços já divulgados para Restriction, o décimo álbum da carreira dos Archive, que irá ver a luz do dia a doze de janeiro de 2015, através da PIAS Recordings. A canção, uma das doze do alinhamento de Restriction, é um registo quase à capella, com a voz a ser acompanhada por um orgão e um efeito de uma guitarra que nos afoga numa hipnótica nuvem de melancolia.

Além do vídeo de Black and Blue, é possivel tambem visualizar na página oficial da banda os filmes de Kid Corner e Feel It, os dois outros avanços de Restriction já divulgados. Confere...


autor stipe07 às 13:26
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Sexta-feira, 14 de Novembro de 2014

Damien Rice – My Favourite Faded Fantasy

Já chegou finalmente aos escaparates My Favourite Faded Fantasy, o novo disco do irlandês Damien Rice, um músico e compositor exemplar, natural de Dublin. My Favourite Faded Fantasy é o primeiro disco de Damien em oito anos, contém oito canções no alinhamento e viu a luz do dia no início de novembro por intermédio da Warner.

Produzido por Rick Rubin, My Favourite Faded Fantasy é o terceiro tomo da carreira discográfica de um autor que se estreou em 2002 com O e parece querer seguir o rumo que continuou a traçar aí e, depois, em 9 (2006), um caminho feito de ambientes claramente confesionais e tão nostálgicos e comtemplativos como a Islândia onde o músico se refugiou nos últimos anos, longe do mediatismo e dos palcos.

O disco abre com o single homónimo, uma canção de mais de seis minutos de duração, com um início bastante calmo e contemplativo, para depois evoluir para uma sonoridade vibrante, uma uma das marcas inconfundíveis do músico. Logo nessa abertura de portas e na sombria It Takes A Lot To Know A Man, fica claro que o arsenal instrumental gira em redor do piano, do violino e da guitarra acústica, exalando, no entanto, uma apreciável veia experimentalista, com arranjos que fazem balançar os temas entre o indie luminoso e épico (I Don't Want to Change You) e aquela toada mais sensível e sombria, que as cordas e a voz única e inconfundível de Damien tão bem replicam, como, por exemplo, em Colour Me In. Esta voz carrega em todo o disco um lamento de fundo, uma espécie de nó na garganta fielmente ampliado e reproduzido e que comove, ainda por cima quando se dedica a dar vida a canções de amor e arrependimento cercadas de fragilidade nos ricos arranjos instrumentais e onde a raiva, o remorso, a tristeza e a descoberta de buscas incessantes aos recantos mais profundos da alma são a sua grande força motriz.

I Don't Want to Change You e The Greatest Bastard são outros singles já retirados de um trabalho que tresanda a uma tremenda honestidade que este músico irlandês parece querer muito preservar, como se a música fosse o seu veículo privilegiado para expôr tudo aquilo que emocionalmente lhe toca fundo e de algum modo preenche ou, de um ponto de vista menos otimista, o perturba. Em The Greatest Bastard, Damien parece sentir uma necessidade profunda de se entregar ao julgamento cruel de quem o censura e lhe virou as costas devido a erros do passado, fazendo-o com uma humildade tal que torna-se impossível não o perdoar de qualquer momento menos bom que tenha protagonizado e não hesitar a dar uma nova oportunidade a um homem que se apresenta perante as suas heranças completamente desarmado e disponível a aceitar qualquer suplício para ter da vida um novo rumo que lhe permita decobrir uma nova luz.

Para nós que gostamos de dar uma utilidade, nem quee seja fútil, a um compêndio sonoro que de algum modo nos toca e emociona, My Favourite Faded Fantasy tem instantes que tanto podem servir de banda sonora para a leitura de uma carta de amor verdadeiramente sentida que recebemos de alguém que desejamos ardentemente, como outros que poderão servir para potenciar a nossa dor caso a missiva, com o mesmo remetente, tenha um conteúdo completamente oposto, de anúncio de completa rejeição.

Cheio de pequenas historias românticas, algumas de proporções épicas, como comprovam os mais de nove minutos de It Takes A Lot To Know A Man, My Favourite Faded Fantasy é um regresso feliz às luzes da ribalta de um homem que vive no apogeu da maturidade que os seus quarenta anos lhe conferem e  que tem o enorme atributo de criar belas músicas para ouvir enquanto se pensa na vida. Este é um disco sobre o amor e uma boa arma para fazer qualquer um entender que, definitivamente, uma história de amor não é feita só de momentos felizes, já que o alinhamento tanto está recheado de sensações positivas, plasmadas em canções expansivas e, ao mesmo tempo, imbuídas por um forte caráter intimista, como de canções como The Box, que parecem não querer nada mais a não ser obedecer ao nosso desejo de fuga de uma realidade que às vezes aprisiona e sufoca. Espero que aprecies a sugestão...

Damien Rice - My Favourite Faded Fantasy

01. My Favourite Faded Fantasy
02. It Takes A Lot To Know A Man
03. The Greatest Bastard
04. I Don’t Want To Change You
05. Colour Me In
06. The Box
07. Trusty And True
08. Long Long Way


autor stipe07 às 21:59
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Quinta-feira, 13 de Novembro de 2014

Pompeii – Loom

Os norte americanos Pompeii são Dean Stafford, Colin Butler, Rob Davidson e Erik Johnson, um grupo de Austin, no Texas, com já dez anos de carreira e uma reputação importante no cenário indie local. Lançado no passado dia através da Red Eye Transit, Loom é o novo compêndio sonoro dos Pompeii, um trabalho misturado por Erik Wofford (Explosions In The Sky, Okkervil River, My Morning Jacket) em Austin, masterizado por Jeff Lipton (Arcade Fire, Bon Iver, The Magnetic Fields) e que contou com a participação espeical do coletivo Tosca String Quartet em alguns instrumentais do disco.

Com uma escrita maravilhosa e impregnado com soberbos arranjos orquestrais, Loom são pouco mais de quarenta minutos de puro deleite sonoro. Da pop mística e graciosa com um forte cariz sentimental (Celtic Mist), ao indie rock que fez escola em finais do século passado (Frozen Planet), ao mais progresssivo (Blueprint), passando pela típica intimidade da folk americana (Frozen Reprise), escutam-se dez canções envolventes, festivas e grandiosas e que nos permitem aceder a uma outra dimensão musical com uma assumida pompa sinfónica e inconfundível, sem nunca descurar as mais básicas tentações pop e onde tudo soa utopicamente perfeito.

Loom denota esmero e paciência por parte dos Pompeii, principalmente na forma como acertam nos mínimos detalhes. Das guitarras que escorrem ao longo de todo o trabalho, passando pelos arranjos de cordas, uma percurssão eminentemene orgânica e envolvida por ricos teclados e arranjos majestosos, até à poderosa voz de Dean, simultaneamente dolorosa e magistral, rica e envolvente, belíssima em Sleeper e quase sempre assente numa generosidade criativa, tudo se movimenta de forma sempre estratégica, como se cada mínima fração do que escutamos tivesse um motivo para se posicionar dessa forma.

O som dos Pompeii é espacial, experimental, psicadélico, barulhento e melódico e há alguns momentos neste disco que comprovam todas estas facetas por si só o que acrescenta à bagagem sonora dos Pompeii novas e belíssimas texturas, que não se desviam do cariz marcadamente experimental que faz parte do ADN do grupo. É fabuloso o modo como Sleeper cresce e se desenvolve, com uma percurssão que à medida que surge da penumbra, vinda de diferente fontes, vai chamando para junto de si um verdadeiro arsenal instrumental orgânico e sintético que explode num final sónico e verdadeiramente emocionante e grandioso. A bateria e o efeito da guitarra em Rescue também permitem esta absorção de diferentes sensações e o contato direto com uma multiplicidade de planos sonoros ganha neste tema uma dimensão superior. E outro instante que merece amplo destaque e audições repetidas devido à forma como plasma o cariz épico, melancólico e grandioso e o alargado leque sonoro destes Pompeii é a batida ácida e cadente de Ekspedition e as cordas em formato acústico de uma viola e um violino que se entrelaçam entre si e com uma linha de guitarra eletrificada, num tema cantado com uma voz em coro, diversos detalhes que conferem à canção um enigmático e sedutor cariz vintage

Não é preciso chegar ao final do disco para perceber que Loom gira em redor de um sentimento muito específico, mas a voz emocionalmente forte de Dean em Drift, acompanhada por uma guitarra algo dolorosa, é o melhor exemplo que comprova que este é, acima de tudo, um disco de e sobre o amor, onde o orgânico dedilhar das cordas e das teclas foi a pedra de toque para expor sentimentos com genuína entrega e sensibilidade extrema. Esta canção encerra da melhor forma um disco que transporta uma beleza e uma complexidade que merecem ser apreciadas com particular devoção e faze-nos sentir vontade de carregar novamente no play e voltar ao inicio. Espero que aprecies a sugestão...

Pompeii - Loom

01. Loom
02. Celtic Mist
03. So Close
04. Frozen Planet
05. Frozen Reprise
06. Blueprint
07. Rescue
08. Ekspedition
09. Sleeper
10. Drift


autor stipe07 às 22:09
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Terça-feira, 11 de Novembro de 2014

Foxygen - ...And Star Power

Sam France e Jonathan Rado são a dupla por trás dos Foxygen, um projeto californiano, natural de Weslake Village, nos arredores de Los Angeles, apaixonado pela sonoridade pop e psicadélica dos anos cinquenta a sessenta e setenta, dois períodos localizados no tempo e que semearam grandes ideias e nos deram canções inesquecíveis, lançaram carreiras e ainda hoje são matéria prima de reflexão. Na estreia, com Take the Kids Off Broadway, (disco criado em 2011, mas apenas editado no ano seguinte) os Foxygen procuraram a simbiose de sonoridades que devem muito a nomes tão fundamentais como David Bowie, The Kinks, Velvet Underground, The Beatles e Rolling Stones. Dois anos depois, com uma melhor produção e maior coesão, o sucessor, We Are The 21st Century Ambassadors of Peace & Magic, disco produzido por Richard Swift, trazia o mesmo horizonte vasto de referências e as inspirações da estreia, mas trabalhadas de forma ainda mais abrangente e eficaz. Agora, ao terceiro trabalho e na Jagjaguwar que desde sempre os abriga, os Foxygen alargam ainda mais os horizontes, libertam-se de qualquer amarra que ainda os poderia limitar e deixam a criatividade evidenciar-se nas mais diversas formas.

No meio de ruídos e alguns diálogos desconexos, mas com vários momentos onde conseguem sintonizar-se no ambiente certo, os Foxygen apresentam um projeto megalómano, uma hora e vinte de música que atesta o amadurecimento natural da dupla, que aprendeu subtilmente a mudar o seu som sem ferir as naturais susceptibilidades dos gostos musicais que cada um dos dois guarda dentro de si e que foram, desde sempre, o grande fator motivacional dos Foxygen, já que não são gostos propriamente convergentes.

...And Star Power é um verdadeiro tratado sonoro carregado de emoção, cor e alegria, uma verdadeira viagem no tempo, mas também um disco intemporal na forma como plasma com elevada dose de criatividade o que de melhor recria atualmente o vintage, ao mesmo tempo que aponta caminhos para o futuro não só da dupla, como de todo um género musical que não se deve esgotar apenas na recriação de algumas das referências fundamentais do passado, mas também subsistir numa demanda constante por algo genuíno e que depois sirva de modelo e de referencial sonoro. O modo como os Foxygen recriam a música de outrora, faz já deles um modelo a seguir para outros projetos que queiram trilhar este caminho sinuoso e claramente aditivo, principalmente pelo modo como, não só no disco, mas mesmo em cada música, conseguem ser transversais e estabelecer pontes entre o passado e o futuro.

Em ...And Star PowerCosmic Vibrations é a canção que melhor mostra as diversas mudanças que o grupo consegue criar dentro da mesma composição. A introdução de quase um minuto tem um tom sexy, acompanhado de um órgão e uma percussão muito subtil. Quando o baixo pulsante entra, a canção começa a tomar um rumo mais rock e sensual, atingindo o auge numa aceleração que é novamente interrompida pela toada anterior, uma espécie de coito interrompido mas que não impede o regresso aos preliminares.

Outros destaques deste disco são, certamente, a balada I Don't Have Anything/The Gate, que tem o melhor refrão de ...And Star Power e You & I, outro instante melancólico que obedece à sonoridade glam dos anos setenta, abastecida pelo período aúreo de Bowie. A quadra Star Power tem um experimentalismo instrumental que se aproxima do blues marcado pelo piano e pelas guitarras, além dos metais e de alguns ruídos que assentam muito bem na sequência de canções, que vão acelerando e aumentando o nível de ruído e de distorção à medida que a sequência avança. A secção de sopros e as vozes, ao terceiro tomo (What Are We Good For), acabam por fazer deste tema um dos grandes destaques do disco, com a toada groove e funky que passeia de mãos dadas com o momento mais rock do álbum, feito de imensas guitarras e de vários instantes sonoros diferentes sobrepostos. Esta sequência, que termina com Ooh Ooh, soa à banda sonora ideal para uma noite bem regada, com alguma agitação e boa música, onde os acontecimentos parecem sair um pouco fora de controle, mas na madruga, tudo acaba bem.

Outro momento que retive foi a sequência feita com percurssão e as teclas em Mattress Warehouse e o lado mais lisérgico e desconexo dos Foxygen plasmado em 666 e Wally's Farm e na sedutora Cannibal Holocaust, uma música que embarca num clima enganadoramente doce e, por isso, potencialmente lisérgico. Até ao final, parece haver um aumento no volume de acidez que abastece a dupla e, quer em Hot Summer, quer em Cold Winter/Freedom aumenta a frequência de vozes perturbadoras e sons desconexos, com a última a ser uma viagem hipnótica de seis minutos obscura, áspera e aterradora, um clima que apenas diminui lentamente em Can’t Contextualize My Mind e Brooklyn Police Station. O alinhamento encerra com Everyone Needs Love e Hang, dois temas que nos ajudam a aterrar em segurança, de forma amena, doce e otimista, mas sempre de mãos dadas, como não podia deixar de ser, com o soft rock e a psicadelia.

Deliciosamente arrojado e mal acabado, ...And Star Power é um ensaio de assimilação de heranças, como se da soma que faz o seu alinhamento de vinte e quatro canções nascesse um mapa genético que define o universo que motiva os Foxygen, uma banda com uma identidade muito própria e um sentido melódico irrepreensível. Numa dupla que primeiro se estranha, mas depois se entranha, é um impressionante passo em frente quando comparado com os registos anteriores, num disco vintage, fruto do psicadelismo que, geração após geração, conquista e seduz, com as suas visões de uma pop caleidoscópia e o seu sentido de liberdade e prazer juvenil e suficientemente atual, exatamente por experimentar tantas referências do passado. Espero que aprecies a sugestão...

I: The Hits & Star Power Suite
Star Power Airlines
How Can You Really
Coulda Been My Love
Cosmic Vibrations
You & I
Star Power I: Overture
Star Power II: Star Power Nite
Star Power III: What Are We Good For
Star Power IV: Ooh Ooh
II: The Paranoid Side
I Don’t Have Anything / The Gate
Mattress Warehouse
666
Flowers
Wally’s Farm
Cannibal Holocaust
Hot Summer
III: Scream: A Journey Through Hell
Cold Winter / Freedom
Can’t Contextualize My Mindi
Brooklyn Police Station
The Game
Freedom II
Talk
IV: Hang On To Love
Everyone Needs Love
Hang


autor stipe07 às 20:21
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Terça-feira, 4 de Novembro de 2014

North Atlantic Oscillation – The Third Day

Os North Atlantic Oscillation são uma banda natural de Edimburgo, na Escócia e que se move entre o post rock, o rock progressivo e a eletrónica. Um dos segredos mais bem guardados da Kscope, estrearam-se nos discos em 2010 com Grappling Hooks e dois anos depois voltaram a surpreender com Fog Electric, um excelente sucessor. Agora, no final de outubro, chegou aos escaparates The Third Day, o terceiro álbum de uma banda atualmente formada por Sam Healy, Ben Martin e Chris Howard.

Não é tarefa simples catalogar estes North Atlantic Oscillation já que do rock progressivo à pop atmosférica, passando pela eletrónica, é vasta a teia sonora que abarcam, havendo apenas em comum, à medida que vão variando pelas paisagens que sustentam as suas canções, um forte e saudável cariz psicadélico. Em Third Day, este exercício de demanda por diferentes territórios é uma realidade insofismável e ao longo do seu alinhamento escuta-se uma hora de música magnífica, distribuída por dez canções que nos permitem aceder a uma outra dimensão musical com uma assumida pompa sinfónica e inconfundível, sem nunca descurar as mais básicas tentações pop e onde tudo soa utopicamente perfeito.

Procurando fazer uma espécie de paralelismo entre as origens do grupo e a temática que mais os inspira, escutar The Third Day é um pouco como embarcar numa viagem por um oceano multicolorido que parece não encontrar fronteiras dentro daquela pop eletrónica que explora paisagens sonoras expressionistas, através das teclas do sintetizador e de uma percurssão orgânica, as grandes referências instrumentais neste processo de justaposição de vários elementos sonoros. A verdade é que não falta uma certa acidez psicotrópica dotada por este arsenal instrumental diferenciado e por uma clareza melódica épica, aspetos que servem para engrandecer e ampliar o cariz emotivo da maior parte das canções do disco, tão vasto como o oceno onde este trio navega, feito das tenebrosas águas frias que abastecem o Mar do Norte.

Há no disco temas puramente instrumentais e outros que não dispensam a presença da voz e canções que se estendem de tal modo que as duas vertentes são abastecidas por um referencial distinto, como se houvesse quase duas canões na mesma. August ou When To Stop são dois instantes onde o grupo consegue definir o melhor contraste entre as diferentes referências sonoras que o orientam, acabando por as sublimar com mestria e fazer com que se destaque a emoção, sempre que a voz surge e corta com o caráter mais sombrio e dramático da componente instrumental.

Elsewhere acaba por ser a canção que faz a melhor súmula deste modus operandi que faz jus à fama que estes North Atlantic Oscillation possuem. A canção mostra um equilibrio perfeito entre as componentes instrumentais orgânica e sintética, além de sustentar-se numa melodia particularmente assertiva; As guitarras distorcidas, a voz pulsante e os efeitos de teclado deliciosos, originaram uma estrutura musical onde tudo se movimenta de forma sempre estratégica, como se cada mínima fração do tema tivesse um motivo para se posicionar dessa forma.

A grandiosidade dos North Atlantic Oscillation também fica plasmada no modo como colocam a nú aquela melancolia que é tão caraterística de ambientes mais frios e rudes. Em A Little Nice Place, a tensão vocal e os efeitos por detrás inauguram o notável desfile do lado mais introspetivo do grupo, que se repete em Wires e Pines of Eden, outras duas canções onde a melancolia é comandada, no caso da primeira por uma bateria tremendamente jazzística e na segunda por sons de guitarra, que aliados a outras cordas e ao piano, dão um tom fortemente denso e contemplativo ao tema, com a voz a trazer a oscilação necessária para transparecer uma elevada veia sentimental.

O oposto é audível, por exemplo, em Penrose, um tema que mostra como eles conseguem ser luminosos e transmitir uma mensagem forte, mesmo que a voz esteja ausente. Já o intervalo de ruídos e de atmosferas que se escutam em Do Something Useful é claramente inspirada nos Pink Floyd, como se estivessem eles a navegar numa viagem oscilante por um mar alucinogénico, que busca uma psicadelia que se lança sobre o avanço lento mas infatigável de um corpo eletrónico que também usa a voz como camada sonora e When To Stop é uma forma bastante colorida e doce de terminar um alinhamento de um disco difícil de ouvir para quem não tem por hábito apreciar estruturas sonoras mais ambientais e psicadélicas, mas que é um portento de sensibilidade e optimismo, a transbordar de um amor que definitivamente nos liberta.

Há uma forte dinâmica criativa no seio deste projeto que aposta em várias abordagens sonoras, mas sempre magistrais, numa conversa coerente que celebra a natureza dinâmica da combinação instrumental e explora um método de abordagem criativa, que permite a concordância e a discordância, por sua vez, num alinhamento que impressiona pela atmosfera densa e pastosa mas libertadora e esotérica que transporta. The Third Day é um disco muito experimentalista, mas tem também uma estrutura sólida e uma harmonia constante. É estranho mas pode também não o ser. É a música no seu melhor. Espero que aprecies a sugestão...

North Atlantic Oscillation - The Third Day

01. Great Plains II
02. Elsewhere
03. August
04. A Nice Little Place
05. Penrose
06. Do Something Useful
07. Wires
08. Pines Of Eden
09. Dust
10. When To Stop

 


autor stipe07 às 21:42
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