Segunda-feira, 13 de Abril de 2015

Robot Princess - Teen Vogue LP vs Action Moves EP

Oriundos de Brooklyn, Nova Iorque, os Robot Princess são Beau Alessi, Daniel D. Lee, Peter Ingles, Joe Reichel e Catherine Anderson, uma das novas apostas da Fleeting Youth Records, uma etiqueta essencial para os amantes do rock e do punk, sedeada em Austin, no Texas.

Os Robot Princess gravaram Teen Vogue, o disco de estreia, nos estúdios Serious Business, em Nova Iorque, há um par de anos, mas esse trabalho nunca viu a luz do dia, ou qualquer tipo de edição, quer física, quer digital. Recentemente, Catherine Anderson, membro da banda, produziu mais um punhado de canções do grupo, que resultaram num EP intitulado Action Moves.

Com estes dois trabalhos em mãos e com a Fleeting Youth Records a apostar seriamente nos Robot Princess, chegou finalmente a hora de um dos segredos mais bem guardados do indie rock nova iorquino ver música a chegar aos escaparates, com a edição em conjunto do álbum e do EP, que viram a luz do dia em formato digital e cassete a vinte e quatro de março.

Wake Me Up When Everyone Is Dead não tem segredos para todos os apreciadores do melhor indie rock, cru e lo fi, que pisca o olho ao grunge e esse é, desde logo, um excelente atributo de uma canção que nos transporta eficazmente para o interior do universo sonoro que tipifica estes Robot Princess. Uma bateria cheia de mudanças de ritmo, guitarras que desafiam o red line mas que também sabem ponderar os efeitos e a distorção e uma voz que tanto busca um registo rugoso, como procura soar doce como o mel, são alguns dos truques deste coletivo.

Logo a seguir, em Violent Shooting Stars, um tema particularmente melódico e que sobressai pelo inspirado jogo de vozes que contém e pela riqueza instrumental e diversidade de ritmos e emoções que transborda, numa exuberância pop bastante recomendável, fica claro que estes Robot Princess planam em redor de permissas sonoras fortemente experimentais e onde tudo vale quando o objetivo é arregaçar as mangas e criar música sem ideias pré-concebidas, arquétipos rigorosos ou na clara obediência a uma determinada bitola que descreva uma sonoridade especifica. Amateur Surgery segue esta permissa exuberante e festiva, mas Teen Vogue ou Super R-Type, numa toada mais nostálgica e pausada, também servem como porta de entrada para o clima identitário dos Robot Princess que, devido ao efeito da guitrarra, à subtileza da bateria e ao timbre das cordas, já se aproximam aqui do habitual edificio melódico que sustenta o formato canção mais acessível, mas sem deixar de se manter fiéis ao espírito inicial. O próprio baixo de You Or Your Sister, dividindo o protagonismo com a guitarra, que se destaca durante o refrão, ajuda a cimentar essa apenas aparente dicotomia entre experimental e acessível, indie rock alternativo e rock clássico, com o nível de desordem sonora a servir única e exclusivamente para colocar a nú um apenas aparente caos. Tudo foi claramente ponderado pelos Robot Princess e o próprio punk rock desgarrado e acelerado de Broke Dentist não desmorona o edifício sóbrio anteriormente edificado, que se mantém até ao fim sustentado por una arquitetura sonora genuina e atrativa, assimilável por qualquer ouvudo com minimo bom gosto, mas sem perder um saudável travo irreverente e beliçoso, dentro de limites bem definidos , apesar de parecer, em determinados momentos, que vale (quase) tudo.

Já perto do ocaso, o alinhamento prosegue, quase sem se dar por isso e Walking Someone Else's Dog, uma magnífica canção que flutua entre o indie rock mais anguloso e aquele que aposta num forte cariz experimental, já que no tema, além de um maravilhoso falsete, sobressai uma percussão com um elevado pendor jazzístico e o travo psicadélico, experimental e progressivo de The Cancer Joke, assim como o rock épico e monumental de My Hands Are On Fire e o músculo de Action Park, entrelaçado por uma bateria que se estende livremente pela melodia, sem cadência rítmica homogénea, são outros extraordinários instantes do álbum, que entre o experimental, o cru, o rugoso, o lo fi e o atmosférico, seduzem e emocionam, como é exigível a un género sonoro que procura sempre expôr sem desvios ou concessões algumas da típicas angústias, dilemas ou dúvidas existenciais de quem vive na ténue fronteira que separa a adolescência da vida adulta.

O indie rock genuíno, feito sem truques, sabe melhor quando vai direto ao assunto e, como referi no início, este quinteto nova iorquino não complica quando compõe com particular profundidade sentimental e interessante sentido melódico, sem descurar todos os atributos ruidosos que se exigem a uma banda que quer fazer-se notar pelo vigor e pela postura irreverente. Os Robot Princess devem ser imediatamente acescentados à lista daquelas bandas que merecem atenção redobrada, uma expisição abrangente e, mais importante que tudo isso, uma audição dedicada. Espero que aprecies a sugestão...


autor stipe07 às 18:50
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Quinta-feira, 9 de Abril de 2015

Sufjan Stevens – Carrie And Lowell

Depois de ter deambulado durante uma década  entre o caótico, o esquizofrénico e o genial em discos tão importantes como Illinoise ou The Age Of Adz, Sufjan Stevens está de regresso mais negro, sombrio e recatado com Carrie And Lowell, um disco que marca o retorno do músico à folk mais intimista, nostálgica e contemplativa e que viu a luz do dia a trinta e um de março através da Asthmatic Kitty.

Oriundo de Detroit, no Michigan e atualmente a residir em Brooklyn, Nova Iorque, Sufjan Stevens começou a dar nas vistas no início da carreira na pele de um trovador acompanhado apenas pelas cordas de uma viola, estreando-se em 2000 com A Sun Came e a cantar sobre as agruras e as encruzilhadas de quem acaba de entrar na vida adulta. O entusiasmo, a inspiração e a apurada veia criativa trouxeram consigo um enorme entusiasmo e uma vontade de trabalhar fora do vulgar, com a exploração de outras possibilidades sonoras mais abrangentes, mas sempre com a folk na mira, a incubarem da mente incansável de um músico que chegou a prometer editar anualmente um disco dedicado a um estado norte americano, demanda que, tendo em conta os mais de cinquenta estados do país, lhe ocupariam mais de meio século de existência.

Carrie & Lowell são os sobrenomes da sua mãe e do seu padrasto e intitulam este seu sétimo disco, aquele que, como já referi, marca o regresso do músico à casa de partida, ficando para trás o experimentalismo avan-garde de The Age Of Adz, para agora voltar o puro sentimentalismo, embalado por uma folk madura e nostálgica, que se debruça sobre o falecimento da sua mãe, occorrido em 2012 após uma vida de excessos, abusos e um dignóstico de esquizofrenia, notícia essa que deixou o músico devastado.

De modo a exorcizar e lamber as feridas e a faxer o seu luto terapêutico de uma dor incontida e profunda, além da viola Sufjan Stevens recebeu também a companhia das teclas de um cândido sintetizador, que serve apenas para encaixar e dar um certo charme e brilho à moldura sonora estética de onze canções que são verdadeiras jóias, em todos os sentidos.

Das lembranças sentimentais que transbordam em Fourth Of July, aos lindíssimos arranjos medievais de All of Me Wants All of You, passando pelos arranjos de cordas tensos, dramáticos e melódicos de No Shade In The Shadow Of The Cross, todo o ideário sonoro e lírico de Carrie And Lowell serve para o músico fazer a sua homenagem póstuma à progenitora e recordar tempos idos, procurando a conexão possivel com tempos passados que ainda vageuiam pela sua memória de modo nostálgico e que são impossiveis de recuperar. O objetivo não é trazer até ao ouvinte o fantasma da mãe de Sufjan, mas fazer dele um veículo privilegiado de boas sensações que Sufjan, um homem de fé, convicto e assumido, quer que nós sintamos, para que, por muito amargurada que seja a nossa vida, permanentemente, ou em determinados momentos, ela possa sempre contar com aquelas recordações que guardamos no canto mais recôndito do nosso íntimo e que em tempos nos proporcionaram momentos reais e concretos de verdadeira e sentida felicidade.

Carrie and Lowell é alma e emoção traduzidas à voz e à guitarra, como documento sonoro ajuda-nos a mapear as nossas memórias e ensina-nos a cruzar os labirintos que sustentam todas as recordações que temos guardadas, para que possamos pegar naquelas que nos fazem bem sempre que nos apetecer. Basta deixamo-nos levar pelos sussurros do tema homónimo, para sermos automaticamente confrontados com a nossa natureza, à boleia de uma sensação curiosa e reconfortante que, pouco depois, ambientada pelo falsete de Sufjan e pelos sons percurssivos e rústicos de John My Beloved, transforma-se numa experiência ímpar e de ascenção plena a um estágio superior de letargia. Espero que aprecies a sugestão...

Sufjan Stevens - Carrie And Lowell

01. Death With Dignity
02. Should Have Known Better
03. All Of Me Wants All Of You
04. Drawn To The Blood
05. Fourth Of July
06. The Only Thing
07. Carrie And Lowell
08. Eugene
09. John My Beloved
10. No Shade In The Shadow Of The Cross
11. Blue Bucket Of Gold


autor stipe07 às 21:31
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Sexta-feira, 3 de Abril de 2015

The National – Sunshine On My Back

The National - Sunshine On My Back

Com a participação especial de Sharon Van Etten, Sunshine On My Back é o novo single dos norte americanos The National de Matt Berninger e uma possível amostra do próximo álbum, o sétimo, desta banda oriunda do Ohio.

Sunshine On My Back foi registada durante as gravações do sexto álbum Trouble Will Find Me, de 2013 e como Scott Devendorf, o baixista da banda, já tinha informado em outubro que estavam a gravar novo material para um disco, estas suspeitas podem muito bem vir a confirmar-se. O tema obedece à zona de conforto sonora estabelecida pelos The National desde a estreia, a mostrarem desejo de se manterem num universo algo sombrio e fortemente entalhado numa forte teia emocional amargurada, na qual se enredaram, lirica e sonoramente, principalmente desde que em 2003 apresentaram Sad Songs for Dirty Lovers. Confere...


autor stipe07 às 12:14
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Quinta-feira, 26 de Março de 2015

Passenger Peru - Light Places

Oriunda de Brooklyn, Nova Iorque, a dupla norte americana Passenger Peru editou o seu trabalho de estreia no início de 2014, uma edição apenas em cassete e em formato digital, através da Fleeting Youth Records e que foi dissecada já por cá. Formados por Justin Stivers (baixista dos The Antlers no álbum Hospice) e pelo virtuoso multi-instrumentista Justin Gonzales, os Passenger Peru estão de regresso em 2015 com Light Places, um compêndio de doze novas canções da dupla, viu a luz do dia a vinte e quatro de fevereiro e que podes encomendar facilmente.

Fortemente psicadélicos e com o punk ali ao canto da mira, estes Passenger Peru têm uma originalidade muito própria e um acentuado cariz identitário, por procurarem, em simultâneo, uma textura sonora aberta, melódica e expansiva e não descurar o indispensável pendor lo fi e uma forte veia experimentalista, percetivel na distorção das guitarras, no vigor do baixo de Stivers e, principalmente, nas guitarras plenas de fuzz e distorções rugosas e inebriantes. Este instrumento é frequentemente chamado para a linha da frente na arquitetura sonora de Light Places, ficando com as luzes da ribalta e um elevado protagonismo em várias canções, com particular destaque logo para o pop rock, algo cósmico, mas ligeiramente lo fi, cheio de arranjos detalhado da impressiva The Best Way To Drown, o primeiro single retirado do álbum e o contraste entre o red line e a viola acústica em Placeholder e o apenas aparente caos grunge de One Time Daisy Fee, canção onde a sensibilidade do efeito metálico abrasivo de uma guitarra que corta fino e rebarba, sobrevive em contraste com a pujança do baixo, a distorção da voz e a amplitude épica da melodia.

Break My Neck, o segundo single retirado de Light Places, vira um pouco a agulha do álbum para um universo mais melancólico, um tema vincadamente reflexivo e introspetivo, cheio de cordas com arranjos e detalhes que facilmente nos deslumbram e onde a voz de Stivers é um trunfo declarado, no modo como transmite uma sensação de emotividade muito particular e genuína (one deep breath, sad but true, one deep breath, leads to you, break my neck, break my neck to, break my neck to see the stars, the stars explode above...). Este tema plasma com precisão as virtudes técnicas que os Passenger Peru possuem para criar música e a forma como conseguem abarcar vários géneros e estilos do universo sonoro indie e alternativo e comprimi-los em algo genuíno e com uma identidade muito própria. Na sequÊncia, o lindíssimo clima acústico de Falling Art School, canção que trasnpira a uma naturalidade e espontaneidade curiosas, com diferentes sons a arranjos a serem adicionados e retirados quase sem se dar por isso, é um exemplar modelo sonoro que prova que estes Passenger Peru sabem como harmonizar e tornar agradável aos nossos ouvidos sons aparentemente ofensivos e pouco melódicos, fazendo da rispidez visceral algo de extremamente sedutor e apelativo. A viagem lisérgica que a dupla nos oferece nas reverberações ultra sónicas deste tema e no transe da batida e dos detalhes sintéticos de Better Than The Movies, assim como no agregado instrumental clássico, despido de exageros desnecessários mas apoteótico que define Impossible Mathematics, é a demonstração cabal do modo como este coletivo se disponibiliza corajosamente para um saudável experimentalismo que não os inibe de se manterem concisos e diretos, levando-nos rumo ao período aúreo rock alternativo, com os solos e riffs da guitarra a exibirem linhas e timbres com um clima marcadamente progressivo e rugoso, alicerçado num garage rock, ruidoso e monumental, que comprime tudo aquilo que sonoramente seduz os Passenger Peru em algo genuíno e com uma identidade muito própria.

Na reta final do disco, o regresso do simples dedilhar orgânico da viola na ternurenta On Company Time, que se repete em Pretty Lil' Paintin', alarga ainda mais o abraço sonoro que Stivers e Gonzales dão às fronteiras que definem o seu cardápio e são a cereja que faz de Light Places um marco na carreira destes Passenger Peru, definido em grande estilo, por um coletivo irreverente e inspirado, uma irrepreensível coletânea que aposta numa espécie de hardcore luminoso, uma hipnose instrumental abrasiva e direta, mas melodiosa e rica, que nos guia propositadamente para um mundo criado específicamente pelo grupo, onde reina uma certa megalomania e uma saudável monstruosidade agressiva, aliada a um curioso sentido de estética. Esta cuidada sujidade ruidosa que os Passenger Peru produzem, feita com justificado propósito e usando a distorção das guitarras como veículo para a catarse é feita com uma química interessante e num ambiente simultaneamente denso e dançável, despida de exageros desnecessários, mas que busca claramente a celebração e o apoteótico. Espero que aprecies a sugestão...


autor stipe07 às 21:41
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Quinta-feira, 19 de Março de 2015

Robot Princess - Violent Shooting Stars

 

Oriundos de Brooklyn, Nova Iorque, os Robot Princess são Beau Alessi, Daniel D. Lee, Peter Ingles, Joe Reichel e Catherine Anderson, uma das novas apostas da Fleeting Youth Records, uma etiqueta essencial para os amantes do rock e do punk, sedeada em Austin, no Texas.

Os Robot Princess gravaram Ten Vogue, o disco de estreia, nos estúdios Seriuos Business. em Nova Iorque, há um par de anos, mas esse trabalho nunca viu a luz do dia, ou qualquer tipo de edição, quer física, quer digital. Recentemente, Catherine Anderson, membro da banda, produziu mais um punhado de canções do grupo, que resultaram num EP intitulado Action Moves.

Com estes dois trabalhos em mãos e com a Fleeting Youth Records a apostar seriamente nos Robot Princess, chegou finalmente a hora de um dos segredos mais bem guardados do indie rock nova iorquino ver música a chegar aos escaparates, com a edição em conjunto do álbum e do EP, que verão a luz do dia em formato digital e cassete a vinte e quatro de março.

Action Park foi o primeiro avanço divulgado do cardápio que vai ser editado e agora, poucos dias depois, chegou a vez de ouvirmos Violent Shooting Stars, um tema particularmente melódico e que sobressai pelo inspirado jogo de vozes que contém e pela riqueza instrumental e diversidade de ritmos e emoções que transborda, numa exuberância pop bastante recomendável.

Violent Shooting Stars encontra-se disponivel para download gratuito. No final do mês divulgarei certamente a análise crítica desta estreia nos lançamentos dos Robot Princess. Confere...


autor stipe07 às 13:19
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Terça-feira, 10 de Março de 2015

The Shivers – Forever Is A Word

Procura aquele assento particularmente cómodo e isolado que um dia colocaste no local mais aconchegante de tua casa, abstrai-te e isola-te de todo o género de ruídos que te possam perturbar, escolhe os melhores auscultadores que compraste em tempos e que namoraste durante semanas na prateleira da loja de conveniência que fica ao fundo da tua rua e prepara-te para viajar por um verdadeiro paraíso de luz sonora com Forever Is A Word, o novo disco dos The Shivers, uma dupla norte americana, oriunda da big apple e formada por Keith Zarriello e Benham Jones.

Disponivel para download gratuito, com a possibilidade de doares um valor, na página oficial do projeto, Forever Is A Word contém doze excelentes canções produzidas por Joe Rogers e os próprios The Shivers, alinhadas num manto sonoro que funde o blues e a soul mais negra com o clássico rock e o R&B mais sensual. Este cocktail é exposto, com extraordinária nitidez, nas cordas de uma guitarra cheia de personalidade, numa voz ora rouca, ora num registo em falsete intenso e profundo, mas sempre com um carisma muito particular, num baixo pulsante e numa percussão que sabe como definir o dinamismo que a carga emotiva adjacente a cada tema exige.

O groove e os detalhes sonoros de New Black Shades ou a apaixonada e deambulante Puppy Dog são apenas dois bons exemplos do modo como os The Shivers sopram na nossa mente, envolvendo-a com uma elevada toada emotiva e delicada e fazendo o nosso espírito facilmente levitar, algo que provoca um delicioso emaranhado de boas sensações. Mas a cadência lo fi empoeirada e romântica da guitarra e do piano de Lonely Hearts Club e de Forever Is A Word e o ambiente cinematográfico que escorre do doce mel minimal a que sabem as teclas de My True Love Is In Heaven são outras amostras do requinte com que os The Shivers nos dão as mãos, para nos levarem com eles rumo às profundezas de um imenso oceano de hipnotismo e letargia, com elevada carga poética. Já agora, este é um daqueles discos que merece ser acompanhado por um dicionário ou um bom programa de tradução à cabeceira, já que é irresistivel querer saciar a curiosidade de perceber convenientemente a mensagem que está plasmada em belíssimas letras, sempre entrelaçadas com deliciosos acordes e melodias minusiosamente construídas com diversas camadas de instrumentos, alicerçadas numa certa timidez que não é mais do que um assomo de elegância contida, uma exibição consciente de uma sapiência melódica.

Se durante a audição de Forever Is A Word, por algum motivo sentires vontade de perder a timidez e abandonar por momentos o confortável assento em que te encontras, fá-lo ao som da sequência feita com We'Re Dancing (Seagulls On Cathedral) e More Gray Than Green e convida aquele belo rosto que te acompanha para todo o lado, à boleia dos teus pensamentos mais inconfessáveis, para uma bela dança a dois, desprovida de chão e de passos intrincados e decorados previamente e talvez descubras plenamente a sobriedade sentimental que marca a intensa aúrea vincadamente orgânica e, por isso, fortemente sensual que envolve os The Shivers, conseguindo com ousadia, sentires a verdadeira personalidade do agregado sentimental que carateriza este projeto verdadeiramente único. Espero que aprecies a sugestão...

The Shivers - Forever Is A Word

01. I Got Mine
02. New Black Shades
03. Puppy Dog
04. Heaven, I Got Time
05. Lonely Hearts Club
06. Dog Beach
07. Forever Is A Word
08. Maybe My True Love Is in Heaven
09. The Wave
10. We’re Dancing (Seagulls On Cathedral)
11. More Gray Than Green
12. To The Spring


autor stipe07 às 21:40
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Quinta-feira, 5 de Março de 2015

Tanlines - Slipping Away

Tanlines – “Slipping Away”

Oriundos de Brooklyn, Nova Iorque, os Tanlines são Jesse Cohen e Eric Emm, uma dupla que se distinguiu em 2012 com Mixed Emotions, um extraordinário disco de estreia que já tem, finalmente, sucessor anunciado. Chega a dezanove de maio aos ecaparates, por intermédio da True Panther SoundsHighlights o novo trabalho de um projeto que impressiona pela pop experimental que sugere e que mistura sintetizadores e a eletrónica com uma base de percussão sempre vibrante, muitas vezes a piscar o olho ao chamado afrobeat, numa espécie de indietrónica, adornada com alguns dos habituais detalhes da chillwave e da música de dança.

Reza a lenda que quando a banda se sentou no estúdio para começar a produzir os temas deste novo disco o computador que guardava as demos explodiu, literalmente e que, por isso, as guitarras e a bateria acabaram por passar para a linha da frente da condução melódica dos novos temas da dupla, em deterimento de uma superior primazia dos sintetizadores na estreia e que teria continuidade nas intenções iniciais deste sucessor.

Slipping Away é o primeiro avanço divulgado de Highlights, um single disponivel para download na página oficial da dupla, sendo só necessário fornecer o endereço de email em troca e o indie rock vibrante e festivo será, então, também uma marca importante no disco, com os Tanlines a quererem alargar horizontes de forma ressonante e exótica, com elevação, reflexão, método e entusiasmo. Confere...


autor stipe07 às 12:58
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Quinta-feira, 26 de Fevereiro de 2015

Robot Princess - Action Park

Oriundos de Brooklyn, Nova Iorque, os Robot Princess são Beau Alessi, Daniel D. Lee, Peter Ingles, Joe Reichel e Catherine Anderson, uma das novas apostas da Fleeting Youth Records, uma etiqueta essencial para os amantes do rock e do punk, sedeada em Austin, no Texas.

Os Robot Princess gravaram Ten Vogue, o disco de estreia, nos estúdios Seriuos Business. em Nova Iorque, há um par de anos, mas esse trabalho nunca viu a luz do dia, ou qualquer tipo de edição, quer física, quer digital. Recentemente, Catherine Anderson, membro da banda, produziu mais um punhado de canções do grupo, que resultaram num EP intitulado Action Moves.

Com estes dois trabalhos em mãos e com a Fleeting Youth Records a apostar seriamente nos Robot Princess, chegou finalmente a hora de um dos segredos mais bem guardados do indie rock nova iorquino ver finalmente música a chegar aos escaparates, com a edição em conjunto do álbum e do EP, que verão a luz do dia em formato digital e cassete a vinte e quatro de março.

Já disponivel para download gratuito, Action Park é o primeiro avanço divulgado do cardápio que vai ser editado, uma canção onde Beau Alessie, o vocalista, ironiza com um parque temático situado nos arredores de Nova Jersey com o mesmo nome e com a tudo aquilo que de semelhante tem o amor e todas as emoções que um parque de diversões nos oferece. No final do mês divulgarei certamente a análise crítica desta estreia nos lançamentos dos Robot Princess. Confere...


autor stipe07 às 18:58
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Segunda-feira, 23 de Fevereiro de 2015

Grooms – Comb The Feelings Through Your Hair

Oriundos de Brooklyn, Nova Iorque, os Grooms têm no texano Travis Johnson o grande mentor e suporte, um músico que tem vivido e composto neste bairro da big apple, tendo a banda ensaiado e gravado nos estúdios locais Death By Audio, entretanto encerrados, durante sete anos. Primeiro como Muggabears e depois Grooms, o coletivo passou nos últimos tempos por algumas dificuldades, nomeadamente financeiras, que forçaram o baixista e também compositor Emily Ambruso a um hiato, deixando apenas Johnson como membro original do alinhamento que, felizmente, não desistiu da banda. Lutando contra todas estas contrariedades, Johnson recrutou Jay Heiselmann para o baixo e o ator e comediante Steve Levine para a bateria e Comb The Feelings Through Your Hair é o primeiro capítulo desta nova etapa da vida dos Grooms, um disco que viu a luz do dia a dezassete de fevereiro, através da Western Vinyl.

A indie pop e o rock luxuriante, com o ritmo e a cadência certas e uma certa toada melancólica, alicerçada num salutar experimentalismo que abraça um interessante e algo inédito leque de influências, sempre com uma filosofia vintage, é a pedra de toque de onze canções feitas com guitarras levemente distorcidas e harmoniosas, banhadas pelo sol dos subúrbios e misturadas com arranjos luminosos e com um certo toque psicadélico. Genuínos, ecléticos e criativos, estes Grooms compõem temas capazes de nos enredar numa teia de emoções que prendem e desarmam, sem apelo nem agravo, numa parada de cor, festa e alegria, onde terá havido certamente um forte sentimento de comunhão entre os músicos, pelo privilégio de estarem juntos e comporem a músicas que gostam.

Ouvimos cada uma das músicas de Comb The Feelings Through Your Hair e conseguimos, com clareza, perceber os diferentes elementos sonoros adicionados e que esculpiram as canções, com as guitarras, melodicamente sempre muito próximas da postura vocal e alguns arranjos sintéticos a sobressairem, não porque ficam na primeira fila daquilo que se escuta, mas porque suportam aqueles simples detalhes que, muitas vezes com uma toada lo fi, fazem toda a diferença no cariz que a canção toma e nas sensações que transmite. Este é, portanto, um daqueles trabalhos em que há uma interligação latente entre os temas e não faz grande sentido escutá-los de forma isolada.

Um belíssimo instante indie chamado Bed Version é o aperitivo que abre o alinhamento e depois vamos sendo constantemente convidados a dançar ao som de uma filosofia sonora bastante aditiva e peculiar, que procura gravitar em torno de diferentes conceitos sonoros e esferas musicais, que transmitem, geralmente, sensações onde a nostalgia do nosso quotidiano facilmente se revê.

A guitarra elétrica, como já foi referido, possui o ónus da condução melódica, mas também há uma forte presença da sua congénere acústica e do baixo. Até o sintetizador faz a sua aparição e logo no tema homónimo cria uns loopings que introduzem eficazmente uma linha de guitarra inebriante, cabendo-lhe o mesmo papel num memorável instante épico, impregnado de cor e luz graças chamado Cross Off, canção que obtém o sustento nas teclas que graciosamente se insinuam e deambulam em redor das cordas eletrificadas, dando origem a um conjunto sonoro épico, bastante ousado e inebriante. Já Grenadine Scene From Inside é uma música perfeita para se ouvir num dia de sol, ali, no exato momento em que começa o nosso fim de semana e ao conduzirmos para casa começamos a sonhar. As notas parecem sinónimos de tranquilidade, guiam os efeitos ao fundo da música e acompanham uma inédita secção de sopros com excelente sintonia.

De vez em quando também se escutam arranjos e melodias sintetizadas, mas as cordas, o baixo e a bateria são o busílis do grupo para atingir os seus propósitos. E voltando às cordas, a sequência feita com o rock angular e rugoso de Doctor M e a cavalgada entusiástica e delirante de Will The Boys em oposição ao experimentalismo acústico noir e contemplativo de Half Cloud, um daqueles instantes retro, relaxante e atmosférico que nos desarma, é um dos pontos altos e imperdiveis de Comb The Feelings Through Your Hair, depois de em Something Wild termos sido agraciados por uma outra estirpe de cordas, aquelas que esbarram numa percurssão que nunca desiste de tentar engatar o ritmo, quer na questão das batidas por minuto, quer no entusiasmo lírico. 

Para o ocaso o sentimentalismo imberbere de Foster Sister e a altivez orquestral de Later A Dream oferecem-nos paisagens ainda mais grandiosas e significativas, dois arrebatadores banquetes de sedução, languidez e luxúria, feitos com um indie rock sem fronteiras, desapegos ou concessões e que se servem também, em bandeja de ouro, com um forte entusiasmo lírico, certamente com o propósito de contornar todas as amarras que prendem a nossa alma e apresentar, desse modo, a notável disponibilidade dos Grooms para nos fazer pensar, mexendo com os nossos sentimentos e tentando dar-nos pistas para uma vida mais feliz.

Com um forte cariz urbano e atual, Comb The Feelings Through Your Hair é um disco excitante e intenso, que nos prende numa bolha dinâmica adornada por aquele rock pastiche que nos desperta para um paraíso de glória e esplendor e subjuga momentaneamente qualquer atribulação que nos apoquente. Pleno de cenários complexos e repletos de sensações únicas, que os Grooms conseguem muito bem transmitir à boleia de um cardápio instrumental bastante diversificado, Comb The Feelings Through Your Hair prova que este coletivo norte americano entra no estúdio de mente aberta e disposto a servir-se de tudo aquilo que é colocado ao seu dispor para criar música, com uma quase pueril simplicidade, que plasma uma noável capacidade de reinventar, reformular ou simplesmente replicar o que de melhor tem o indie rock psicadélico nos dias de hoje para nos oferecer, enquanto se vai, num abrir e fechar de olhos, do nostálgico ao glorioso, numa caldeirada de estilos e emoções cozinhada por mestres de um estilo sonoro carregado de um intenso charme. Espero que aprecies a sugestão...

Grooms - Comb The Feelings Through Your Hair

01. Bed Version
02. Comb The Feelings Through Your Hair
03. Cross Off
04. Something Wild
05. Doctor M
06. Half Cloud
07. Will The Boys
08. Savage Seminar
09. Grenadine Scene From Inside
10. Foster Sister
11. Later A Dream


autor stipe07 às 21:20
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Quarta-feira, 18 de Fevereiro de 2015

Suburban Living – Suburban Living

Wesley Bunch, um músico de Filadélfia, é a mente criativa que dá vida a Suburban Living, um projeto de que acaba de se estrear no formato álbum com um homónimo preenchido com oito canções, editado através da etiqueta nova iorquina PaperCup Music, o abrigo perfeito para um trabalho que tem os seus pilares assentes numa pop com traços de shoegaze e num indie rock carregado de psicadelia.

Gravado nos estúdios EarthSound, em Virginia Beach, com o engenheiro de som Mark Padgett, Suburban Living traça linhas paralelas com a tradição sonora deixada por herança há umas três décadas por nomes como os My Bloody Valentine, os Pylon ou os Cure, claramente audíveis na forte vertente experimental nas guitarras pulsantes e numa certa soul na secção rítmica, dois aspetos essenciais do tratamento sonoro que Wesley resolveu dar à nostalgia que certamente sente relativamente a uma outra época, que marcou fortemente várias gerações de músicos e ainda hoje é um referencial bastante explorado. Assim, obscuro e melancólico, mas pleno de energia e focado numa enorme dedicação à causa, Suburban Living não complica na altura de exaltar o retro, mesmo que nos dias de hoje exista já alguma saturação relativamente ao vintage

Se durante a audição de Suburban Living somos confrontados com a aparente primazia da guitarra e do efeito peculiar que ela debita e que carimba e tipifica o som caraterístico que Wesley quer que seja marca identificativa do projeto, o que mais me agradou neste disco foi, no entanto, o baixo vigoroso e o modo como dá as mãos a uma bateria, numa relação progressiva que contém uma tonalidade muito vincada e que acaba por ser um excelente tónico para potenciar a capacidade do músico, num registo vocal geralmente em eco, mas também amiúde reverberado, em soprar na nossa mente e envolvê-la com uma elevada toada emotiva e delicada, que faz o nosso espírito facilmente levitar, provocando um cocktail delicioso de boas sensações.

Canções como a épica Faded Lover, mas também Wasted ou Dazed, além de conterem belíssimas letras entrelaçadas com deliciosos acordes e melodias minusiosamente construídas com diversas camadas de instrumentos, são exemplares no modo como nelas Wesley deixou as guitarras, o baixo e a bateria seguir a sua dinâmica natural, fazendo com que os temas assumissem aquela faceta algo negra e obscura que carateriza um ambiente sonoro fortemente etéreo e melancólico. Esta dinâmica ganha um fôlego ainda maior em New Strings, um dos singles de Suburban Living e um tema onde a voz atinge o auge açucarado qualitativo, uma canção que ilustra o quanto certeiro e incisivo o músico conseguiu ser na replicação do ambiente sonoro que escolheu.

Instrumentalmente Drowning é outro dos meus destaques deste trabalho, uma canção naturalmente conduzida pelo tal baixo vibrante, mas que sobressai pela distorção da guitarra e o efeito sintetizado que constrói a melodia, um cenário idílico para quem, como eu, aprecia alguns dos detalhes básicos da melhor psicadelia. No final do disco, Different Coast segue-lhe as pisadas, numa toada que privilegia a simbiose entre traços identitários do rock psicadélico, e da dream pop, o que justifica os elogios realtivamente ao modo como sendo este compêndio tipicamente rock e esculpido com cordas ligas à eletricidade, também consegue mostrar canções cheias de uma fragilidade incrivelmente sedutora.

O clima geral lo fi, que não é mais do que um notório marco de libertação e de experimentação vintage, acaba por ser uma consequência lógica de todo o ideário sonoro e conceptual de Suburban Living. E este é um disco que nos agarra pelos colarinhos, sobretudo pelo modo como nos mostra a interpretação contemporânea do revivalismo de outras épocas, nomeadamente os primórdios do punk rock mais sombrio, pelas mãos de um músico bastante inspirado e mestre a misturar e a explorar diferentes territórios sonoros, sugando-nos assim para um universo pop que impressiona pelo bom gosto com que se cruzam várias dinâmicas sonoras, com o indie rock a servir de elemento aglutinador de um imenso arsenal de arranjos e detalhes, que são um atestado de qualidade ao alcance de poucos projetos que pretendem deixar uma marca indelével neste universo sonoro. Espero que aprecies a sugestão...

Suburban Living - Suburban Living

01. Faded Lover
02. New Strings
03. Wasted
04. Dazed
05. Drowning
06. No Fall
07. Hotel Unizo
08. Different Coast


autor stipe07 às 22:09
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