Quarta-feira, 29 de Junho de 2016

White Lies – Take It Out On Me

White Lies - Take It Out On Me

Tema que, de acordo com o baixista Charles Cave, é inspirado em comentários com trechos bíblicos colocados por um indivíduo no instagram, Take It Out On Me é o primeiro avanço divulgado pelos britânicos White Lies para Friends, o novo registo de originais do trio, que irá ver a luz do dia a sete de outubro.

Além de Charles Cave, fazem parte dos White Lies Harry McVeigh e Jack Lawrence-Brown e esta nova canção é o primeiro sinal de vida deste grupo inglês de rock alternativo desde 2013, quando apresentaram Big TV, um álbum conceptual que, através de um suposto ecrã mágico, teorizava sobre a nova vida de um casal que se mudava para uma grande cidade. Ess trabalho sucedeu a Ritual, álbum de 2011, tendo a estreia dos White Lies ocorrido em 2009 com o aclamado To Lose My Life.

Take It Out On Me impressiona pela exuberância melódica e por um vigor que traz diversos timbres de sintetizador que depois se entrelaçam com as guitarras e com uma bateria pulsante, antecipando um excelente disco que foi gravado no estúdio de Bryan Ferry, em Londres. Confere...


autor stipe07 às 14:10
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Quarta-feira, 22 de Junho de 2016

The Invisible – Patience

A dez de Junho último e à boleia da Ninja Tune chegou aos escaparates Patience, o terceiro registo de estúdio do trio londrino The Invisible de Dave Okumu, nove canções sustentadas numa eletrónica apurada, construídas em redor de sintetizadores inspiradas na luxuosa pop dos anos oitenta, como se percebe logo no clima melancólico e simultaneamente sedutor de So Well, tema que conta com a participação especial da cantora Jessie Ware e onde quer ela quer Okumu dialogam, teatralizando uma complexa e inebriante relação amorosa.

Os anos oitenta foram marcantes para a história da música contemporânea e serão sempre alvo de inspiração e revisão, principalmente por ter sido o período em que os sintetizadores foram definitivamente chamados para a linha da frente no processo de composição melódica, por parte de bandas e projetos que afirmaram a pop às massas e colocaram o rock num espetro mais alternativo. Essa pop polida dos anos oitenta, feita com sintetizadores carregados de efeitos e com um ar sempre solene, acaba por definir a essência e o dramatismo deste projeto, que nos propôe uma coleção de canções assentes em teclados com a esperada pompa e circunstância aveludada que enfeita as melodias que debitam.

Impecavelmente produzido, Patience arremessa para os nossos ouvidos toda uma herança luxuosa, com vários destaques, ao nivel instrumental, que importa realçar; Além da beleza do tema de abertura já descrito, não posso deixar de destacar o groove efusiante de Save You, canção que contém um forte apelo às pistas de dança e, na sequência, Best Of Me, tema como alguns elementos percurssivos curiosos, entrelaçados com um rugoso teclado, com a voz de Okumu, num registo grave, a mostrar todos os seus atributos e abrangência e um lado humano peculiar, que se mostra como um trunfo maior neste alinhamento. Esta é uma voz impregnada com sensações imponentes e redentoras, como se percebe em Memories, um dos melhores instantes de Patience, canção onde o efeito vocal em eco cristaliza e amplia um fabuloso baixo, que passeia uma dose incontida de egocentrismo, de braço dado com teclados épicos.

Vocalmente, a cereja no topo do bolo de Patience acaba por ser o lote de participações especiais, escolhidas com acerto e de modo a potenciar o ideário sonoro e estilístico pretendido para o álbum. Além de Jessie Ware no tema já referido, em Different, Rosie Lowe é uma peça essencial para dar vida e cor a um refrão marcante, numa canção que é uma ode declarada ao melhor R&B contemporâneo, conduzido por guitarras plenas de groove, cordas dinâmicas e uma percussão bastante festiva, onde não faltam efeitos metálicos e de palmas. Este tema é um monumento de sensualidade, pensado para dançar num ambiente quente e charmoso e, logo depois, em Love Me Again, esse efeito amplia-se numa canção onde é novamente o R&B a ditar as regras e que conta com Anna Calvi. Mais uma vez, a presença dessa voz feminina, neste caso bastante intensa e até algo ternurenta, acaba por ser um extraordinário complemento ao propósito acolhedor e intencional de um alinhamento que quer brincar com a subtileza e o mistério que envolve as relações, daquela maneira alegre, mas também profunda e exótica  que se espera delas, sempre com um bom gosto e uma intensidade sentimental únicas. Espero que aprecies a sugestão...

The Invisible - Patience

01. So Well
02. Save You
03. Best Of Me
04. Life’s Dancers
05. Different (Feat. Rosie Lowe)
06. Love Me Again (Feat. Anna Calvi)
07. Memories
08. Believe In Yourself
09. K Town Sunset (Feat. Connan Mockasin)


autor stipe07 às 22:05
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Quinta-feira, 26 de Maio de 2016

Clock Opera - In Memory

Clock Opera - In Memory

Está prestes a ver a luz do dia o novo registo discográfico dos britânicos Clock Opera de Guy Connelly e com essa nova coleção de canções, uma mão cheia de sintetizadores inebriantes, guitarras, linhas de baixo pulsantes e teclas que acompanham refrões sublimes. In Memory, o mais recente single divulgado desse novo registo, traz-nos esse rock intenso, com o registo em falsete da voz de Guy Connelly a atingir uma elevada bitola, num belíssimo momento sonoro que nos envolve num turbilhão contagiante de emoções. Confere...


autor stipe07 às 22:19
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Quarta-feira, 18 de Maio de 2016

Oscar – Cut And Paste

Oriundo de Londres, Oscar Scheller é Oscar, um dos nomes mais comentados no cenário indie pop britânico devido a Cut And Paste, o registo de estreia deste músico e compositor, editado no passado dia treze do corrente mês com a chancela da Wichita Recordings e com dez canções feitas para dançar, até à exaustão, no baile da esquina, regado com torneiras que nunca estão secas e onde os niveis de destilação corporal atingem o limite.

O rugoso punk rock de Sometimes, canção conduzida por um baixo musculado e uma guitarra inspirada, trespassada por efeitos estratosféricos, clarifica, desde logo, que Cut And Paste é um manifesto pop, senão para o mundo inteiro, pelo menos para os subúrbios de uma Londres sempre ávida de novidades e que muitas vezes coloca em determinadas bandas ou artistas expetativas que as mesmas depois, nem sempre conseguem acompanhar. Nele, quer seja abrigado pelo groove sedutor e cheio de pêlo na venta de Feel It Too ou pelo piscar de olhos a uma centelha punk em Daffodil Days, Oscar desafia as suas probabilidades, não se preocupa com aquilo que poderão esperar de si e apresenta a sua paleta sonora, que das raízes do rock britânico a alguns dos detalhes mais prementes da pop atual, conjuga sintetizadores, teclados e batidas, com guitarras, num aparente caos, que neste caso resulta plenamente, já que nos oferece um clima sonoro que abre os nossos ouvidos para algo inédito e que parece divertir imenso o autor. Mesmo quando Oscar arrisca por terrenos mais reflexivos, como sucede na redentora Good Things, ou na luminosa Beautiful Words, não existem motivos para duvidar da capacidade deste artista em utilizar a típica ironia britânica com elevada mestria, fazendo-o de modo assertivo e sem deturpar a essência de quem é feliz alimentando-se de riffs de guitarra vigorosos e da pujança de uma percussão que cresce à sombra de um punk dançante, permissas que clarificam um modus operandi diversificado, acessível e orelhudo.

Cut and Paste foi alvo de uma produção aberta e notoriamente inspirada e cimenta num nível qualitativamente elevado o espetro sonoro e a identidade de um projeto que não falseia o desejo de se tornar num referencial dos grandes autores que atualmente mantêm vivo o indie rock alternativo britânico. E aquela toada épica e grandiosa que esse indie local quase exige em determinados instantes, como se cada banda ou projeto tivessem que compor um hino glorioso à Rainha e ao Império para conquistar os corações mais inflamados do proletariado que tantas vezes gosta de se sentir orgulhosamente só, também está devidamente salvaguardado na vibe funk de Good Things. Espero que aprecies a sugestão..

Oscar - Cut And Paste

01. Sometimes
02. Be Good
03. Feel It Too
04. Good Things
05. Only Friend (Feat. Marika Hackman)
06. Breaking My Phone
07. Daffodil Days
08. Fifteen
09. Beautiful Words
10. Gone Forever


autor stipe07 às 21:37
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Domingo, 8 de Maio de 2016

Astronauts - End Cods

Astronauts é um projeto musical encabeçado pelo londrino Dan Carney e que se estreou em pleno 2014 com Hollow Ponds, a extraordinária primeira etapa da nova vida musical de um músico e compositor que fez carreira nos lendários Dark Captain, que se destacaram com o belíssimo Dead Legs & Alibis e que se dedicou a essas dez canções num período particularmente conturbado da sua vida pessoal. Hollow Ponds viu a luz do dia por intermédio da Lo Recordings e tem já, finalmente, sucessor. End Cods é o título do novo registo de originais de Astronauts, onze fabulosas canções que viram a luz do dia a seis de maio último, também à boleia da Lo Recordings e que nos oferecem uma filosofia sonora muito própria, onde intensidade sentimental e sobriedade instrumental se juntam, para permitir que, ao longo da sua audição, nos possamos sentir profundamente tocados por uma nobreza única, que arrebata e salpica com suores quentes todos os poros do nosso ser.

Astronauts é um nome feliz para um projeto que servindo-se de uma instrumentação orgânica bem real e terrena, ao ser tocada por Dan Carney, parece inspirar-se num universo exterior, sendo possível imaginar o autor a tocar devidamente equipado com um fato hermético que lhe permite transmitir uma simultaneamente implacável e sedutora sensação de introspeção e melancolia mitológica.

As cordas que conduzem a magnificiência melódica de Recondition e o clima intenso, implacável e imersivo de Civil Engineer, são uma solarenga porta entreaberta para este End Codes, que prossegue, penetrando pelos ouvidos e flutuando por todas as células do nosso corpo, encarnando uma simbiose única entre ouvinte e interlocutor, caso o primeiro tenha um coração limpo e aberto a deixar-se envolver por aquela causa maior que é o amor, o eixo principal da temática lírica destes temas abolutamente inebriantes.

A indulgente percussão que abraça uma rugosa melancolia em Dead Snare, os efeitos metálicos sibilantes, as cordas que se passeiam exuberantemente em redor da melodia e um registo vocal em falsete belissimamente acompanhado por coros envolventes, de You Can Turn It Off, canção que se abriga à sombra de uma folk etérea de superior calibre, reservada e contida na medida certa, mas inultrapassável no caudal de emoções que arrasta à sua passagem, são mais duas excelentes rampas de lançamento para acedermos à dimensão superior onde Astronauts nos senta e dois pilares na sensação qusse carnal de que este disco é, claramente, uma daquelas preciosidades que devemos guardar com carinho num cantinho especial do nosso coração.

End Codes é já um marco discográfico neste ano, concebido, idealizado e suspirado por um músico que merece, com inatacável evidência, que a pureza e altivez de sentimentos que reflete nas suas canções, tão doce e meiga na despedida que todos experimentamos uma vez na vida e que recordamos sem esforço em When It's Gone, sejam absorvidos, contemplados e experimentados fisicamente pelo maior número possível de ouvintes.

Dan Carney é um mestre da introspeção que todos precisamos de fazer periodicamente, aquela que resulta porque vai direita ao âmago, de punhos cerrados, com garra e fibra, sem falsos atalhos e cansativos clichês. Além de refletir sabiamente sobre o mundo moderno, Astronauts fá-lo materializando os melhores atributos que guarda na sua bagagem sonora, tornando-nos novamente cúmplices das suas angústias e incertezas, enquanto sobrepõe texturas, sopros e composições contemplativas, que criam uma paisagem imensa e ilimitada de possibilidades e um refúgio bucólico dentro da amálgama sonora que sustenta a música atual. Espero que aprecies a sugestão...

Astronauts - End Codes

01. Recondition
02. Civil Engineer
03. Dead Snare
04. You Can Turn It Off
05. A Break In The Code, A Cork In The Stream
06. When It’s Gone
07. Split Screen
08. Hider
09. Breakout
10. Newest Line
11. Skeleton


autor stipe07 às 14:23
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Sábado, 9 de Abril de 2016

Teleman – Brilliant Sanity

Nascidos das cinzas dos Pete & The Pirates, um quinteto de Reading que editou dois excelentes discos no final da década passada, os britânicos Teleman são o vocalista Tommy Sanders, o seu irmão Johnny (teclados), o baixista Peter Cattermoul e o baterista Hiro Amamiya. Depois de Breakfast, o fantástico disco de estreia desta banda que é já um dos grandes destaques do catálogo da insuspeita Moshi Moshi Records, o quarteto está de regresso com Brilliant Sanity, onze excelentes canções, gravadas em Londres com método e enorme profissionalismo, segundo rezam as crónicas e produzidas por Dan Carey.

Da cândura de Glory Hallelujah à imponência de Canvas Shoe, os Teleman fazem, no segundo disco do seu cardápio, mais uma súmula interessante e bem idealizada de todo o conteúdo que sustentou a eletrónica nos últimos trinta anos, atráves de canções pop bem estruturadas, devidamente adocicadas com arranjos bem conseguidos e que não dispensam a vertente orgânica conferida pelas cordas e pela percussão, tudo envolto com uma pulsão rítmica que carateriza a personalidade deste quarteto, que criou neste álbum um novo alinhamento consistente e carregado de referências assertivas.

O baixo de Düsseldorf, o primeiro single divulgado do disco, merece, por si só, a audição deste álbum, com um punhado de outras notáveis canções, que mostram um notável recorte clássico e uma paleta colorida, leve, fresca e animada de paisagens instrumentais e líricas. Delas destaco também a delicadeza de Superglue e o charme único do tema homónimo, além dos arranjos envolventes e sofisticados e da sensibilidade melódica muito aprazível de canções como Fall In Time, ou Tangerine, composições que intercalam uma excelente interpretação vocal de Tommy Sanders com um trabalho instrumental habilidoso da restante banda, repleto de sons modulados e camadas sonoras sintetizadas que conferem à toada geral de Brilliant Sanity um clima espectral.

Ao segundo registo, os Teleman oferecem-nos mais um disco que consegue transmitir, com uma precisão notável, sentimentos que frequentemente são um exclusivo dos cantos mais recônditos da nossa alma, através de uma fresca coleção de canções pop que caem muito bem neste início de primavera que teima em manter-se um pouco na penumbra. Espero que aprecies a sugestão...

Teleman - Brilliant Sanity

01. Düsseldorf
02. Fall In Time
03. Glory Hallelujah
04. Brilliant Sanity
05. Superglue
06. Canvas Shoe
07. Tangerine
08. English Architecture
09. Melrose
10. Drop Out
11. Devil In My Shoe


autor stipe07 às 15:07
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Segunda-feira, 4 de Abril de 2016

Astronauts - You Can Turn It Off

Astronauts é um projeto musical encabeçado pelo londrino Dan Carney e que se estreou em pleno 2014 com Hollow Ponds, a extraordinária primeira etapa da nova vida musical de um músico e compositor que fez carreira nos lendários Dark Captain, que se destacaram com o belíssimo Dead Legs & Alibis e que se dedicou a estas dez canções num período particularmente conturbado da sua vida pessoal. Hollow Ponds viu a luz do dia por intermédio da Lo Recordings e tem já, finalmente, sucessor.

Astronauts é um nome feliz para um projeto que servindo-se de uma instrumentação orgânica bem real e terrena, ao ser tocada por Dan Carney, parece inspirar-se num universo exterior, sendo possível imaginar o autor a tocar devidamente equipado com um fato hermético que lhe permite transmitir uma simultaneamente implacável e sedutora sensação de introspeção e melancolia mitológica. Tal ficou recentemente muito bem plasmado em Civil Engineer, o primeiro avanço para End Codes, o tal novo disco de Astronauts, que irá ver a luz do dia a seis de maio e a receita repete-se, felizmente, em You Can Turn It Off, o segundo tema retirado de End Codes e que terá edição no final desta semana, em formato single, composição que tem como lado b uma singular mistura da autoria do aclamado projeto Grasscut.

Canção que se abriga à sombra de uma folk etérea de superior calibre e mais reservada e contida do que o single anterior, You Can Turn It Off é mais uma excelente rampa de lançamento para acedermos à dimensão superior onde Astronauts nos senta, já que o metálico efeito sibilante constante, as cordas que se passeiam exuberantemente em redor da melodia, e um registo vocal em falsete belissimamente acompanhado por coros envolventes, fazem deste tema uma daquelas preciosidades que devemos guardar com carinho num cantinho especial do nosso coração.

Adivinha-se pois mais um disco em que Dan Carney se entregará à introspeção e além de refletir sabiamente sobre o mundo moderno, irá fazê-lo materializando os melhores atributos que guarda na sua bagagem sonora, tornando-nos novamente cúmplices das suas angústias e incertezas, enquanto sobrepõe texturas, sopros e composições contemplativas, que criam uma paisagem imensa e ilimitada de possibilidades e um refúgio bucólico dentro da amálgama sonora que sustenta a música atual. Confere...


autor stipe07 às 17:25
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Quinta-feira, 31 de Março de 2016

Inca Gold – Rewilder

Existe mais uma banda a merecer a maior atenção possível de quem aprecia escutar canções que contenham uma abrangência pop bastante atual, que da eletrónica ao rock progressivo, impressione pela forma subtil como, ao criar um ambiente muito próprio e único através da forma como se sustenta instrumentalmente, albergue diferentes géneros sonoros. Chamam-se Inca Gold, têm Londres como o seu poiso natural e Rewilder é o nome do disco de estreia, um trabalho disponível na plataforma bandcamp do grupo, com a possibilidade de doares um valor pelo mesmo, ou de o obteres gratuitamente.

Sendo, na sua essência, um álbum mutante, pelo modo como abarca um leque alargado de estilos, Rewilder cria um universo que até parece algo obscuro, mas essa é uma percepção que se vai transformando à medida que avançamos na sua audição, que surpreende a cada instante. Logo no início, os sintetizadores e o falsete impecável de Desert Rats, assim como o groove do baixo e da bateria e os efeitos radiososos e a melodia intensa, abrem-nos portas para um alinhamento de canções que não deixa ninguém indiferente. Logo de seguida, o ritmo e os efeitos da pulsante Dark Skies firmam a primeira impressão positiva e consubstanciam uma verdadeira entrada a matar num registo de forte pendor hipnótico, ora catártico devido à batida, ora em busca de uma psicadelia que, muitas vezes, só um baixo picado a lançar-se sobre o avanço infatigável de todo o corpo eletrónico que sustenta as canções e que também usa a voz como camada sonora, consegue proporcionar.

A partir daí, no groove sedutor da tonalidade étnica de Hollow Shade e Pillars e na linha rugosa mas surpreendentemente delicada da guitarra que conduz Flutar, assim como no experimentalismo algo jazzístico de Ascend, canção que nos arrasta para um oasis de melancolia fortemente contemplativo e sugestivo e no curioso torpor rítmico e solarengo da frenética e exuberante Hologram, assistimos, consumidos e absortos, a uma verdadeira revisão histórica da pop dos últimos vinte anos, uma revisão eufórica que, no geral, está envolvida por um toque de lustro livre de constrangimentos estéticos e que nos provoca um saudável torpor.

Rewilder é um compêndio de canções que, no seu todo, contém uma atmosfera densa e pastosa, mas libertadora e esotérica. Baseado no indie rock, mas misturado com tiques da eletrónica, hip hop, dubstep e reggae e o que mais apetecer a quem agora se dedica a esta mistura de sonoridades do passado com as ilimitadas possibilidades técnicas que o desenvolvimento tecnológico proporciona e disponibiliza aos produtores e compositores, acaba por ser um disco muito experimentalista naquilo que o experimentalismo tem por génese: a mistura de coisas existentes, para a descoberta de outras novas. Mas tem também uma estrutura sólida e uma harmonia constante. É estranho mas pode também não o ser. É a música no seu melhor. Espero que aprecies a sugestão...

Inca Gold - Rewilder

01. Desert Rats
02. Dark Skies
03. Hollow Shade
04. Flutar
05. Pillars
06. Ascend
07. Hologram
08. Energise
09. Farewell


autor stipe07 às 22:08
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Sexta-feira, 18 de Março de 2016

Is Tropical – Black Anything

Três anos depois do espantoso I'm Leaving, os londrinos Is Tropical, um quarteto constituido por ☮ ☯ † e ∞, estão de regresso aos discos com Black Anything, um álbum que viu a luz do dia a onze de março e que foi sendo revelado através do lançamento de alguns temas em formato vinil e digital, disponíveis na Axis Mundi Records. São essas edições prévias que também fazem de Black Antyhing um disco conceptual, já que foi captado na estrada durante a digressão de I'm Leaving e esses temas representam cada um dos cinco continentes onde foram gravadas e por onde o grupo passou.

Modular e ambicioso e produzido por Luke Smith (Foals, Depeche Mode), Black Anything liga-nos logo à corrente com os sintetizadores, as batidas irregulares alimentadas pela eletrónica e as vocalizações robotizadas aceleradas de Lights On e com uma guitarra abrasiva que vai trespassando a bateria sintética que suporta a languidez indisfarçável de Crawl. Já Cruise Control mantém o ênfase numa sintetização bastante vincada e numa percussão que abraça as tendências mais atuais da pop, prosseguindo o desfilar de sons, melodias e ritmos, criados por uns Is Tropical cada vez mais abertos e  ecléticos, mas também acessíveis e definitivamente longe do desconforto lo fi dos primórdios do projeto.

A primeira impressão que trespassa de Black Anything é mesmo esta ideia de renovação, assente em arranjos mais luminosos e que clamam a todo o instante por uma explosão sonora, mesmo em composições como Follow The Sun e Now Stop, que gozam de uma riqueza estilística ímpar. Se a primeira abriga-se num ordenado caos, onde cada fragmento tem um tempo certo e uma localização e tonalidade exatas, seja debitado por um instrumento orgânico ou resultado de uma programação sintetizada, prosseguindo, durante quase três minutos, numa demanda triunfal rumo a uma salutar insanidade desconstrutiva e psicadélica, já Now Stop contém um groove intenso e um inconfundível perfume jazzístico, bastante aditivo e que termina num arsenal infinito de efeitos, flashes e ruídos que correram impecavelmente atrás da percussão orgânica e bem vincada que sustentou o tema. E, quanto a mim, é na sequência destas duas composições que se confere o âmago de Black Anything, tornando-o verdadeiramente fiável na garantia da expansão do número de fãs e admiradores do grupo.

Além das composições já referidas, a imponência vocal dos coros de Fall, mas, acima de tudo, as inesperadas cordas que conduzem a cândura pop de Say e o groove magnético que conduz a batida eletroclash de Believe, denotando criatividade e capacidade destes Is Tropical em criar melodias capazes de fugir do óbvio, comprovam que este é um registo cheio de boas canções, quase todas muito bem estruturadas e que abrirá certamente novas portas, em termos de opções sonoras, um trunfo imparável para o amadurecimento e sucesso musical futuro do grupo. Espero que aprecies a sugestão...

Is Tropical - Black Anything

01. Lights On
02. Crawl
03. Cruise Control
04. Fall
05. On My Way
06. Follow the Sun
07. Non Stop
08. Say
09. Believe
10. What You Want


autor stipe07 às 21:04
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Segunda-feira, 7 de Março de 2016

Youthless - This Glorious no Age

O londrino Sebastiano Ferranti e o nova iorquino Alex Klimovitsky são a dupla que abraça um extraordinário projeto sonoro sedeado em Lisboa intitulado Youthless, que se estreia hoje mesmo nos discos com This Glorious No Age, dezassete canções disponíveis através da NOS Discos em Portugal e da Club.the.mamoth / Kartel em Inglaterra e que nos oferecem um indie rock com uma singularidade bastante vincada, que conjugado com um abstracismo lírico incomum, estabelece um paralelismo entre uma curiosa obsessão da dupla por tudo aquilo que é elétrico, nomeadamente o modo como a descoberta da eletricidade provocou um caudal massivo de alterações no mundo que nos rodeia e na sociedade em que vivemos e o quanto isso tem de glorioso e de frenético.

Desde que se mostraram ao mundo, de modo mais convicto, com alguns temas que fazem parte do alinhamento deste This Glorious No Age, os Youthless têm tido um percurso fulminante em termos de crescimento, visibilidade e aceitação, com enormes elogios em vários blogues e estações de rádio, quer por cá, quer em Inglaterra e este This Glorious No Age, misturado por Justin Garrish (Vampire Weekend, The Strokes, Weezer) e gravado por Chris Common, Pedro Cruz e a própria banda em vários estúdios caseiros e sótãos entre Lisboa, Sintra e Cascais e que conta com a participação de nomes tão importantes como Francisco Ferreira (Capitão Fausto, Bispo), João Pereira (Riding Pânico, LaMa), Chris Common (These Arms are Snakes, Le Butcherettes), Francisca Cortesão (Minta and the Brook Trout) e Duarte Ornelas, acaba por ser o cluminar deste percurso ascendente que, desde o EP Telemachy, em 2009, procura fazer uma espécie de súmula histórica de um rock heterogéneo e abrangente, que da folk à psicadelia, passando por sonoridades mais progressivas, aborda, de acordo com os autores, temáticas como a desintegração do velho mundo, a viagem rumo a terreno incerto, pesadelos, esperanças de ascensão e a obsessão pelo passado e pelo futuro, sempre com um duplo significado, por um lado muito pessoal, circunstancial, e, por outro, universal e mitológico.

A entrevista que os Youthless amavelmente me concederam e que podes conferir após esta análise, explica sucintamente a abordagem da dupla ao mundo em que vivemos e a sua visão muito própria do mesmo, através daquilo que eles definem como um eu universal, já que houve uma opção claramente ficcional de escreverem sobre aquilo que os rodeia, mas inventando histórias e personagens imaginárias, atrás das quais podem, de certo modo, refugiar-se, sem terem de se comprometer, com pensadores como Marshal Mcluhen e Guy Debord e outros mais contemporâneos, nomeadamente Jaron Lanier e David Graeber, a serem referências obrigatórias, mas também as experiências muito pessoais, algumas bastante curiosas, como irão perceber, de cada um dos músicos.

Cheio de canções intensas e que vão beber a alguns dos fundamentos essenciais da pop, da new wave e do indie rock psicadélico, com um travo glam fortemente eletrificado, This Glorious No Age assenta em guitarras angulares, feitas de distorções e aberturas distintas e onde não falta um piscar de olhos ao punk e ao garage rock. Depois, a eletrónica tem também uma palavra importante a dizer, já que os sintetizadores conduzem, frequentemente, o processo melódico, de modo a replicar uma sonoridade que impressiona por um certo charme vintage e um indisfarçável groove. Finalmente, a bateria cola todos estes elementos com uma coerência exemplar e a voz, muitas vezes sintetizada, mas quase sempre sentida e imponente, dá substância e cor às melodias, com todos estes detalhes a subsistirem à sombra de uma feliz simbiose entre a riqueza dos arranjos e a energia e imponência com que eles surgem nas músicas. Há também que realçar o modo como os diferentes temas se interligam, quase sempre através da guitarra, sendo intercalados, frequentemente, com diversos instrumentais, ricos ao nível de efeitos e samples e que fazem todo o sentido no modo como estão colocados. No caso de Holy Ghost e Fuck Buttons and Knobs, são expressivamente intensos e este é outro aspeto importante e que também ajuda a oferecer à sonoridade geral do disco uma sensação festiva e solarenga, mas também fortemente reflexiva e filosófica.

Em suma, num alinhamento de canções com uma sonoridade impar, é possível absorver This Glorious No Age como um todo, mas entregar-se aos pequenos detalhes que preenchem o disco é outro resultado da mais pura satisfação, como se os Youthless quisessem projetar inúmeras possibilidades e aventuras ao ouvinte em cada canção do alinhamento, sempre com uma assumida pompa sinfónica e eletrificada de modo inconfundível. Falo-vos de uma janela imensa de luz, energia e cor, que nos convida a espreitar para um mundo envolvido por uma psicadelia luminosa, fortemente urbana, mística, mas igualmente descontraída e jovial, como a luz que refracta no prisma, ou os últimos raios de luz que enchem a íris numa tarde de verão, sob a influência e o calor das leis universais. Espero que aprecies a sugestão...

Sail On

Death of the Tyrannosaurus Rex

Golden Spoon

Neu Wave Suicide

Smersh

Mechanical Bride

Silver Apples

Attention

Pale Horse and Rider

Lightning Bolt

Skull and Bones

Black Keys White Lights

High Places

Holy Ghost

This Glorious No Age

Fuck Buttons and Knobs

Lucky Dragons

Antes de nos debruçarmos com algum cuidado no conteúdo de This Glorious No Age, o vosso novo registo discográfico, começo com uma questão clichê... Como é que nasceu este projeto?

O Sab e eu conhecemo-nos desde os 14 anos, quando andámos juntos no Instituto Espanhol de Lisboa em Dafundo. Sempre fomos saltando entre países, eu principalmente entre NY e Lisboa e Sab entre Londres e Lisboa. Em 2009 estávamos cá a tocar numa banda que tínhamos desde miúdos, os Three and a Quarter (com o nosso querido amigo Guillermo Landin), e nos tempos mortos desses ensaios começámos os Youthless com uma brincadeira para fazer barulho e rirmo-nos um pouco. Eu era guitarrista e queria aprender a tocar bateria e o Sab queria tentar usar o baixo como se fosse um lead guitar e fazer ambientes sónicos e big riffs à patrão. Mas logo desde o primeiro ensaio começaram a sair muitas músicas e a coisa foi crescendo. No princípio era só no gozo, só queríamos tentar tocar covers mal feitas dos Black Sabbath.                                                      

Desde que se mostraram ao mundo de modo mais convicto, com alguns temas que fazem parte do alinhamento deste This Glorious No Age, a verdade é que o vosso percurso tem sido fulminante em termos de crescimento, visibilidade e aceitação, com enormes elogios em vários blogues e estações de rádio, quer por cá, quer em Inglaterra. Como foi conciliar este percurso ascendente com o processo de conclusão da rodela e que expectativas criaram para a mesma? Querem que This Glorious No Age vos leve até onde? 

A verdade é que o nosso percurso como banda tem sido um pouco estranho. Desde que começámos a banda muita coisa aconteceu muito de repente. Depois do nosso segundo concerto como banda fomos convidados a tocar em Londres e aí a editar com uma editora inglesa. Ao mesmo tempo, o Henrique Amarro convidou-nos para fazer um EP através Optimus Discos e a Enchufada pegou em nós para fazer alguns singles. As coisas cresceram até em 2010, tivémos bastante sorte e sucesso num tour que fizemos no UK e muitos blogs começaram a interessar-se pela banda. Um até nos chamou a melhor nova promessa do ano. Foi nesse momento que começámos a trabalhar este disco e desenvolvemos o conceito e a temática, mas nesse momento eu tive uma lesão muito grave nas costas e nos anos seguintes a minha participação na banda ficou muito limitada. Finalmente, fiquei estou melhor e o disco ficou acabado. De certa forma sentimos que estávamos a começar do zero outra vez, e não tínhamos expectativas muito concretas. Queríamos só editar o trabalho porque este disco é muito pessoal e importante para nós, e depois disso vermos o que acontece. Mas ao mesmo tempo, como dizes, a recepção dos primeiros singles tem sido espectacular e já estamos a tocar no UK outra vez e a receber amor pelo disco cá em Portugal. Isso tudo é uma alegria mas tentamos não fazer planos para o futuro e apenas ir vendo onde é que as coisas nos levam.                                              

Acho que This Glorious No Age é um título fantástico e bastante apelativo. Sendo possível estabelecer um paralelismo entre este nome e a vossa curiosa obsessão, digamos assim, por tudo aquilo que é elétrico (algo que a vossa música tão bem plasma), já que a descoberta da eletricidade provocou um caudal massivo de alterações no mundo que nos rodeia e na sociedade em que vivemos, ao ponto de vivermos numa era que tem algo de glorioso, no sentido do frenético, acham que esta vossa expressão sintetiza, de algum modo, o alinhamento?

Não acho que a nível de som ou composição a nossa música seja particularmente futurista, ou até que seja um bom espelho da actualidade, se calhar porque esteticamente sinto que o atual está a mudar a cada milisegundo. Mas sim, acho que depois de falar com muitos amigos, e agora até com alguns jornalistas sobre as temas e ideias que abordamos no disco, parecem ser temáticas bastante universais. Parece que em toda esta loucura e caos do presente há uma experiência bastante comum que estamos a viver todos juntos, mais ou menos conscientemente, e acho que as músicas são um bom registo disso. Dos medos, estimulações, conclusões e experiências que esta fase da transição de um mundo para outro está a causar em nós.

A que se deve o gosto por tudo aquilo que vos moveu na conceção lírica e sonora do disco, nomeadamente a desintegração do velho mundo, a viagem rumo a terreno incerto, pesadelos, esperanças de ascensão, como as ferramentas moldam o construtor, e a nossa obsessão pelo passado e pelo futuro... num duplo significado, por um lado muito pessoal, circunstancial, e, por outro, universal e mitológico., conforme consta do press release do lançamento?

A nível da estrutura inicial, a história do velho mundo pré-eléctrico a converter-se lentamente no novo mundo de abstração digital... isso veio de ideias que eu estava a desenvolver inspiradas em coisas que estava a ler do Marshal Mcluhen e Guy Debord e outros pensadores contemporâneos como Jaron Lanier e David Graeber. Hoje em dia acho que muitos de nós culpamos os males do mundo moderno no capitalismo, mas sempre senti que o capitalismo e o dinheiro em si, eram sintomas, não são a raiz dos problemas da civilização ocidental. E as ideias de Mcluhen de certa forma explicam a desintegração de certas formas de coexistir em sociedade uns com os outros, por causa das tecnologias que criamos e as amputações que nós fazemos ao psíquico. Em relação às letras em si, são todas baseadas em eventos ou temas muito pessoais. Um é sobre o final de um namoro. Outro é sobre uma experiência verdadeira que tive ao encontrar uma pessoa desconhecida que estava a morrer e tentar salvar essa pessoa. Mas escrevo sobre estas experiencias através da lente da estrutura e ideias das quais mencionei antes. Assim que tudo se converte em alegoria e metáfora.    

Com canções intensas e que vão beber a alguns dos fundamentos essenciais da pop, da new wave e do indie rock psicadélico, com um travo glam fortemente eletrificado, assente em guitarras angulares, feitas de distorções e aberturas distintas, onde não falta um piscar de olhos ao punk e ao garage rock e sintetizações impregnadas com indisfarçável groove, com a bateria a colar todos estes elementos com uma coerência exemplar e uma voz muitas vezes sintetizada, mas quase sempre sentida e imponente, a dar substância e cor às melodias, This Glorious No Age, foi composto de acordo com as vossas preferências, ou também tiveram o foco permanentemente ligado na vertente mais comercial? No fundo, em termos de ambiente sonoro, o que idealizaram para o álbum inicialmente, correspondeu ao resultado final ou houve alterações de fundo ao longo do processo?

Nunca nos focamos no comercial, tentamos escrever o que estamos a sentir no momento. As nossas influências nunca entram de maneira directa nas composições mas sim, obviamente, ouvem-se. Acho que tínhamos umas ideais de como queríamos que o disco soasse... sempre gostámos de usar o ruído e feedback como mais um elemento ambiental, e queríamos arranjos mais complexos e quase narrativas... tipo as vozes dos miúdos e os teclados. Mas também tentámos manter-nos bastante fiéis a como as músicas soam ao vivo e a verdade é que como agora tocamos as músicas há mais tempo, acho que muitas delas ganham ainda mais ao vivo.                              

Confesso que algo que me agradou na audição de This Glorious No Age foi uma feliz simbiose entre a riqueza dos arranjos e a energia e imponência com que eles surgem nas músicas, além do modo como foram interligando os diferentes temas, quase sempre através da guitarra, intercalando-os, frequentemente, com diversos instrumentais, ricos ao nível de efeitos e samples, que fazem todo o sentido no modo como estão colocados e que, no caso de Holy Ghost e Fuck Buttons and Knobs, são expressivamente intensos, diga-se... E todos estes aspetos, na minha opinião, conferem à sonoridade geral do disco uma sensação festiva e solarenga, mas também fortemente reflexiva e filosófica. Concordam?

Sim, exactamente… Há um lado de banda que existe desde sempre, que é energia e a alegria de estar a fazer música juntos, e de eu e Sab convivermos através disso. Mas agora, com este disco acho que também conseguimos tocar em lados mais reflexivos e estranhos e se calhar interessantes. Nos intervalos como dizes, muitas vezes as intenções eram narrativas (como o som de feedback que parecem cavalos no Pale Horse and Rider, que usámos como símbolo dos quatro cavalos da morte a aparecerem na terra mesmo antes da grande “tempestade” que é representado pela música “Lightning Bolt” e às vezes eram mais abstratas e só pelo gozo do som em si.                                               

Apesar do esplendor das guitarras, a eletrónica tem também uma palavra importante a dizer, já que os sintetizadores conduzem, frequentemente, o processo melódico, de modo a replicar uma sonoridade que impressiona por um certo charme vintage. Como é a química nos Youthless? Acontece tudo naturalmente e de forma espontânea em jam sessions conjuntas, ou um de vocês domina melhor essa componente?

Quase todas as nossas composições surgem de improvisos que fazemos juntos (às vezes trazemos ideias ou composições já feitas mas é menos usual)... e normalmente durante esses momentos também surge a ideia atrás da música (a semente da qual depois vem a letra). Mas ao nível dos arranjos, às vezes depois vemos o que a música precisa e vamos moldando e mudando a coisa até gostarmos. Os sintetizadores foram assim, porque as melodias nestas músicas eram um pouco mais complexas e frágeis que outras músicas nossas do passado, por isso achámos que ganhavam muito com acordes e pads que o baixo não conseguia fazer. De certa forma, eram sons e texturas que já ouvíamos na nossa cabeça enquanto compúnhamos as músicas, mas que só se materializaram com a ajuda dos nossos amigos teclistas.

Olhando um pouco novamente para a escrita das canções, em temas como o homónimo This Glorious No Age ou Black Keys White Lights, só para citar dois exemplos, parece-me ter havido uma opção claramente ficcional de escreverem sobre aquilo que vos rodeia, mas inventando histórias e personagens imaginárias, atrás das quais podem, de certo modo, refugiar-se, sem terem de se comprometer... Acertei na mouche ou o meu tiro foi completamente ao lado?

Sim, está bastante certo. As letras são todas sobre experiâncias e observações muito pessoais mas filtradas pelo conceito e estrutura/ história do LP. Por isso, em vez de escrever de um ponto de vista “eu” escrevo quase como se fosse um “eu” universal, ou um “eu” imaginário, exactamente como disseste.                                         

Golden Spoon é um tema particularmente imponente, grandioso, mas adoro o ambiente sonoro de Lucky Dragons. E o grupo, tem um tema preferido em This Glorious No Age                                                  

Para mim pessoalmente vai sempre mudando. A nível de letra acho que Lucky Dragons é o mais elegante de certa forma, mas musicalmente não tenho preferência, às vezes gostamos mais de uma ou outra depende de como sai num concerto ou ensaio.

This Glorious no Age foi produzido por Justin Garrish e gravado por Chris Common, Pedro Cruz, além de vocês, tendo contado com as participações especiais de referências do cenário indie nacional, nomeadamente Francisco Ferreira, João Pereira, Francisca Cortesão e Duarte Ornelas. Como foi o processo de adesão de músicos tão ilustres para a vossa causa?                                     

Justin Gerrish misturou o disco, que para nós foi uma benção muito grande porque acho que foi um disco bastante difícil de misturar por causa de todas as faixas de ruído que usámos em cada música. Nós é que produzimos o disco sozinhos mas com o input musical desta gente toda que lhe acrescentou tanto! Foi uma grande riqueza e honra para nós termos esta gente toda a participar. Muitos já eram amigos com quem tocávamos antes do disco, e o resto ficaram amigos, agora sentimos que temos uma família musical além de só nós os dois. E sempre foi fácil e divertido, foi só convidá-los para a cave do Sebastiano, ou com o Duarte Ornelas fomos até ao Black Sheep Studios, e depois improvisávamos e compartilhávamos ideias.

Como estão a decorrer os concertos de apresentação do disco? E onde podemos ver os Youthless a tocar num futuro próximo?

- 11 de Março, Musicbox, Lisboa

- 12 de Março, Maus Hábitos, Porto

- 18 de Março, Texas Bar, Leiria

- 19 de Março, Salão Brazil, Coimbra

- 1 de Abril, Stairway Club, Cascais

- 15 de Abril, Pouca Terra, Barreiro

- 16 de Abril, Play-Doc, Galiza

- 23 de Abril, Fnac Braga

- 23 de Abril, Convento do Carmo, Braga


autor stipe07 às 18:35
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