Quinta-feira, 15 de Setembro de 2016

Local Natives – Sunlit Youth

À exceção de algumas remisturas e versões, os norte americanos Local Natives têm-se mantido na penumbra desde o excelente Hummingbird, o disco que esta banda natural de Los Angeles editou em 2013 e que fez da leveza instrumental, do sofrimento traduzido em versos e da formatação primorosa que brincava com a excelência das formas instrumentais, a sua imagem de marca.

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Mas agora, mais de três anos depois e à boleia da Loma Vista Recordings, este quinteto liderado por Taylor Rice está de regresso com Sunlit Youth, doze novas canções antecipadas já há alguns meses por Past Lives, tema que ampliava a habitual componente épica dos Local Natives, feita com texturas monumentais e arranjos deslumbrantes, sempre numa lógica de progressão, à medida que a canção avança e nunca perdendo de vista as melodias suaves e a dor, dois vectores essenciais do conceito sonoro deste grupo e que se estendem pelo restante alinhamento do álbum.

A sonoridade dos Local Natives sempre se manteve dentro de uma atmosfera bem delineada e de uma constante proximidade lírica e musical, algo bem patente logo em Gorilla Manor, o disco de estreia e uma obra que alicerçou definitivamente o rumo sonoro do grupo. Hummingbird concretizou tudo aquilo que tinha sido proposto três anos antes e Sunlit Youth, mantendo o grupo na rota delineada, acrescenta uma maior componente épica, feita com texturas monumentais e arranjos que parecem aproximar o grupo das propostas de Robin Pecknold (Fleet Foxes) e Win Butler (Arcade Fire) e fazer uma espécie de simbiose das mesmas, como se percebe logo na imensidão sonora de Villainy.

Em Sunlit Youth há coerência no alinhamento e cada tema parece introduzir e impulsionar o seguinte, numa lógica de progressão, mas nunca perdendo de vista as melodias suaves e a dor, dois vectores essenciais do conceito sonoro dos Local Natives. Dessa forma, enquanto Fountain Of Youth e Masters crescem de maneira a soterrar-nos com emanações sumptuosas e encaixes musicais sublimes, Dark Days e Jellyfish puxam o álbum para ambientes mais melancólicos e amenos. Existem ainda composições que lidam, em simultâneo, com esta duplicidade, caso de Coins, um tema que nos transporta até altos e baixos instrumentais, que atacam diretamente os nossos sentimentos.

E são estes sentimentos que suportam cada mínima fração instrumental e poética de Sunlit Youth, já que praticamente tudo aquilo que se ouve lida com aspectos dolorosos da vida a dois. A própria sobreposição de cantos e o modo com os músicos da banda vão-se revezando na voz e de maneira orquestral direcionam os próprios rumos marcados pelos instrumentos que tocam. Assim, as vozes servem como estímulo para o começo, o meio e o fim das canções e não são apenas um instrumento extra, mas uma das linhas que guiam e amarram o álbum do princípio ao fim.

Embora tenha a concorrência de um universo musical saturado de propostas, Sunlit Youth consegue posicionar os Local Natives num lugar de destaque, porque traz na constante proximidade entre as vozes e as melodias instrumentais, imensa emoção e carateriza-se por ser um registo que involuntariamente chama a atenção pela beleza e que, por isso, deve ser apreciado com cuidado e real atenção. Espero que aprecies a sugestão...

Local Natives - Sunlit Youth

01. Villainy
02. Past Lives
03. Dark Days
04. Fountain Of Youth
05. Masters
06. Jellyfish
07. Coins
08. Mother Emanuel
09. Ellie Alice
10. Psycho Lovers
11. Everything All At Once
12. Sea Of Years


autor stipe07 às 22:33
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Terça-feira, 13 de Setembro de 2016

Allah-Las - Calico Review

Naturais de Los Angeles, os norte americanos Allah-Las são Miles, Pedrum, Spencer e Matt e têm um novo disco intitulado Calico Review, um trabalho lançado por intermédio da Mexican Summer no último dia nove de setembro e que sucede ao excelente Worship The Sun (2014) e a um homónimo, que foi o disco de estreia da banda, editado em 2012. Calico Review foi gravado no Valentine Recording Studio, um estúdio famoso em Los Angeles que estava encerrado desde finais da década de setenta, com o equipamento utilizado a ser, de acordo com a banda, semelhante ao que foi usado pelos The Beach Boys em Pet Sounds.

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Os Allah-Las estão atrasados ou adiantados quase meio século, depende da perspetiva que cada um possa ter acerca do conteúdo sonoro que replicam. Se na década de sessenta seriam certamente considerados como uma banda vanguardista e na linha da frente e um exemplo a seguir, na segunda década do século XXI conseguem exatamente os mesmos pressupostos porque, estando novamente o indie rock lo fi e de cariz mais psicotrópico na ordem do dia, são, na minha modesta opinião, um dos projetos que melhor replica o garage rock dos anos sessenta e a psicadelia da década seguinte.

Depois de terem impressionado com o búzio de Allah-Las e a abrangência vintage de Worship The Sun, estes californianos trazem o mesmo horizonte vasto de referências e as inspirações dos antecessores, mas de forma ainda mais abrangente e eficaz, levando-nos numa viagem que espelha fielmente o gosto que demonstram relativamente aos primórdios do rock e conseguindo apresentar, em simultâneo, algo inovador e diferente.

No momento de compôr e de selecionar o cardápio instrumental das canções a receita dos Allah-Las é muito simples mas tremendamente eficaz e aditiva, mesmo no sentido psicotrópico do termo. A embalagem muito fresca e luminosa, apimentada por um manto de fundo lo fi empoeirado, e rugoso mas pleno de soul, é assente numa guitarra vintage, que de Creedance Clearwater Revival a Velvet Underground, passando pelos Lynyrd Skynyrd, faz ainda alguns desvios pelo blues dos primórdios da carreira dos The Rolling Stones e pela irremediável crueza dos The Kinks.

Começa-se a escutar Strange Heat e cá vamos nós a caminho da praia ao som dos Allah-Las e de volta à pop etérea e luminosa dos anos sessenta para, pouco depois, na percussão vibrante exemplarmente cruzada com as cordas de um violão em Satisfied e nos acordes sujos de Famous Phone Figure, assim como no groove da guitarra e de uma voz que parece planar sobre It Could Be You e Autumn Dawn, os dois dos melhores temas do disco,ficarmos completamente absortos por este experimentalismo instrumental que se aproxima do blues marcado pela guitarra acústica, além dos metais e de alguns ruídos que assentam muito bem, num disco que até abraça a folk e o country sulista americano em Terra Ignota.

Place In The Sun, o ocaso de Calico Review, é uma feliz homenagem ao final do verão, uma canção com sabor a despedida do sol e do calor, através de uma balada que obedece à sonoridade pop dos anos sessenta e uma forma muito assertiva de encerrar um disco feito de referências bem estabelecidas e com uma arquitetura musical que garante aos Allah-Las a impressão firme da sua sonoridade típica e ainda permite terem margem de manobra para futuras experimentações. Ensaio de assimilação de heranças, como se da soma que faz o seu alinhamento nascesse um mapa genético que define o universo que motiva esta banda californiana, Calico Review conquista e seduz, com as suas visões de uma pop caleidoscópia e o seu sentido de liberdade e prazer juvenil e suficientemente atual, exatamente por experimentar tantas referências antigas. Espero que aprecies a sugestão...

Allah-Las - Calico Review

01. Strange Heat
02. Satisfied
03. Could Be You
04. High And Dry
05. Mausoleum
06. Roadside Memorial
07. Autumn Dawn
08. Famous Phone Figure
09. 200 South La Brea
10. Warmed Kippers
11. Terra Ignota
12. Place In The Sun


autor stipe07 às 17:56
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Segunda-feira, 12 de Setembro de 2016

Cold Cave – The Idea Of Love

Cold Cave - The Idea Of Love

O projeto Cold Cave, liderado por Wesley Eisold, está de regresso com The Idea Of Love, um lançamento em formato físico single de sete polegadas e digital, com duas canções, o tema homónimo e Rue The Day. Este género de edições parece ser, definitivamente, a filosofia de Wesley para a apresentação das canções dos Cold Cave, com o clássico formato álbum a ser, para o autor, uma realidade do passado. O músico natural de Los Angeles confessou recentemente que esse é um formato demasiado redutor e que pretende publicar música livremente e sem a obrigatoriadade de o fazer à sombra de um alinhamento longo e definido no tempo, mesmo tendo em conta a excelente aceitação dos discos Love Comes Close (2009) e Cherish the Light Years (2011).

Quanto a estas duas canções, a rápida e efervescente The Idea Of Love é um imponente concentrado lo fi, com a distorção da guitarra e um efeito sintetizado futurista e suportarem a voz manipulada de Eisold. Esta composição prova que as guitarras barulhentas e os sons melancólicos do início dos anos noventa, assim como todo o clima sentimental dessa época e as letras consistentes, que confortavam e destruiam o coração num mesmo verso, continuam, vinte anos depois, a fazer escola. Rue the Day já nos remete para um universo eletrónico mais experimental, uma belíssima caldeirada, feita com várias espécies sonoras, envolvida numa embalagem frenética, com uma atmosfera sombria e visceral.

Este lançamento dos Cold Cave é, em suma, uma miríade de sons que fluem livres de compromissos e com uma estética própria, apenas com o louvável intuito de nos fazerem regressar ao passado e entregar-nos composições caseiras e perfumadas pelo passado, a navegarem numa espécie de meio termo entre o rock clássico, a eletrónica, o shoegaze e a psicadelia.


autor stipe07 às 15:56
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Quinta-feira, 1 de Setembro de 2016

Cass McCombs - Mangy Love

Natural de Los Angeles, na Califórnia, Cass Mccombs é um dos mais notáveis intérpretes do folk rock norte americano e está de regresso aos discos com Mangy Love, o oitavo tomo discográfico da sua já extensa e notável carreira. Refiro-me a um alinhamento de doze canções, que viram a luz a vinte e seis de agosto e sucedem ao excelente Big Wheel And Others, sendo o primeiro álbum do músico depois de ter assinado pela ANTI- Records.

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Mangy Love traz-nos de volta o ambiente algo ambivalente a que McCombs nos tem habituado na sua já extensa discografia, feito de sonho e amargura, dois campos lexicais que parecem não se cruzar em nenhum instante nas nossas vidas, mas que na escrita deste músico californiano se entrelaçam insistentemente, nomeadamente, e com notável ênfase, no piano e nas cordas complacentes de Low Flyin’ Bird. Mas já Opposite House, o primeiro avanço divulgado de Mangy Love, tinha deixado logo quer essa certeza de continuidade, quer o inedetismo invulgar das criações sonoras de McCombs, numa canção que conta com a participação especial de Angel Olsen nas vozes de fundo e que reforça a habitual sonoridade do músico, assente em banjos e violões carregados de amargura, mas também uma interessante dose de bom humor e ironia, uma sonoridade simplista, porém inebriante, que pula entre suaves exaltações ao rock alternativo e sorumbáticas doses de uma folk ruidosa, num oceano de melancolia ilimitada.

Apreciar Mangy Love é, incondicionalmente, ser transportado para um tradicional jogo de sons e versos que caracterizam alguma da melhor folk contemporânea, que ao invés de ser purista oferece-se de braços abertos ao indie rock e à própria eletrónica, o que, no caso de McCombs, atinge instantes de brilhantismo nas composições mais extensas, algo bem plasmado na visceralidade das guitarras e na voz sussurrante de Cry e no imenso oceano nostálgico que se espraia perante nós em I'm A Shoe. Depois, temas como Medusa's Outhouse, que segue esta linha autoral bem definida com rigidez, mostrando-nos um romântico inveterado, especialista em musicar lamentos e amores que não deram certo e o andamento rugoso e caribenho da fumarenta Run Sister Run, deixam-nos convencidos da excelência de um disco que mantém, em todo o alinhamento, uma fluidez agradável e inegavelmente marcante.

Mangy Love é, em suma, uma formidável sequência de composições bastante radiofónicas, onde tudo aquilo que atrai e influencia Cass McCombs, e que descrevi acima, é densamente compactado, com enorme mestria e um evidente bom gosto, num artista que longe de se abrigar apenas à sombra de canções melódicas convencionais, procura, disco após disco, reforçar o seu historial sonoro com um brilho raro que entronca, basicamente, na simplicidade com que se aventura na sua própria imaginação e numa indisfarcável devoção aos autores clássicos da América que o viu nascer e onde cabem, numa ténue fronteira, todos os sonhos, mas também diferentes angústias. Espero que aprecies a sugestão...

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01. Bum Bum Bum
02. Rancid Girl
03. Laughter Is The Best Medicine
04. Opposite House
05. Medusa’s Outhouse
06. Low Flyin’ Bird
07. Cry
08. Run Sister Run
09. In A Chinese Alley
10. It
11. Switch
12. I’m A Shoe


autor stipe07 às 22:09
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Terça-feira, 2 de Agosto de 2016

Warpaint - New Song

Theresa Wayman, Emily Kokal, Jenny Lee Lindberg e Stella Mozgawa estão de regresso com Heads Up, um título feliz para batizar aquele que será o terceiro disco das Warpaint, sucessor de um homónimo, lançado em 2014.

Heads Up irá ver a luz do dia à boleia da Rough Trade Records já a vinte e três de setembro e New Song é o primeiro single divulgado do disco, canção algo inédita no percurso do quarteto por mostrar uma faceta mais polida e luminosa. A mesma conta com uma belíssima letra, entrelaçada com deliciosos acordes e uma melodia minusiosamente construída com diversas camadas de instrumentos. Acaba por ser mais um passo em frente num projeto que nunca se acomodou a uma abordagem estilística estanque, apesar de manter no seu epicentro sonoro uma intensa aúrea sexual, que despe as Warpaint de todo aquele mistério, tantas vezes artificial, que as poderia envolver, mostrando, assim, mais uma vez, com ousadia, a sua verdadeira personalidade. Confere...

Warpaint - New Song


autor stipe07 às 19:03
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Quarta-feira, 13 de Julho de 2016

Crescendo – Unless

Lançado no final do último inverno, Unless é o segundo trabalho dos Crescendo, um trio norte americano oriundo de Los Angeles, concebido por Gregory Cole, o mentor do projeto, ao qual se juntaram Olive Kimoto e Jess Krichelle. O grupo estreou-se em 2014 com o aclamado Lost Thoughts, uma coleção de canções escritas por Gregory e que se debruçavam sobre alguém que estava apaixonado e vivia dentro de uma pintura a óleo famosa e este Unless reforça este espírito imaginário bastante romântico, caloroso e apelativo de uns Crescendo que se servem de algumas das melhores armas do shoegaze e da dream pop para nos fazerem mergulhar num universo bastante impressionista, mágico, etéreo e espacial, também.

Estas doze canções incluídas em Unless são, sem reservas ou pudores, eficazes na transmissão de sentimentos e ações onde a materialização do aparentemente impossível é apenas uma consequência óbvia da espontaneidade de quem se deixa conduzir pelo desejo e pelos sonhos. O código morse de Intro que antecede e depois intercala o pulsar inquietante e majestoso de Repulsor serve para nos explicar que este é um alinhamento que tem o intuíto claro de comunicar com o ouvinte e deixar uma mensagem específica, mas que para a mesma seja entendida é essencial que haja predisposição para a assimilação sem reservas da linguagem muito própria que expôe estes Crescendo.

Daí em diante, uma voz em permanente eco e quase impercetível, guitarras carregadas de loops enleantes e distorções rugosas, particularmente impressivas em Tell, principalmente quando flutuam por cima de um baixo encorpado e uma bateria quase sempre num registo rítmico frenético, são o receituário de uns Crescendo que em Last e em Said não deixam de piscar os dois olhos, praticamente em simultâneo, ao krautrock e que em Pressure, um tema que conta com a participação especial de Frankie A. Soto, mostram todo a nuvem ciclópica e catalisadora que envolve um som genuíno e muito peculiar onde, num misto de ingenuidade, impulsividade, esperança e resiliência, contam as suas histórias e cabem todos os nossos sonhos, mesmo os mais inquietantes. Os quase três minutos de Softly são um daqueles elixires psicotrópicos que tomando conta de nós, tornam-nos num herói incrivelmente sedutor, capaz de guiar ao éden quem se deixar arrebatar por si. Espero que aprecies a sugestão...

Crescendo - Unless

01. Intro
02. Repulsor
03. Tell
04. Last
05. Haunted
06. Said
07. The Morning Sonata
08. Space Cadett
09. Pressure (Feat. Frankie Soto)
10. Transformer
11. Yet
12. Softly


autor stipe07 às 18:35
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Quinta-feira, 30 de Junho de 2016

Autolux – Pussy’s Dead

Lançado na última primavera pela Columbia Records, Pussy's Dead é o novo registo de originais dos Autolux, uma banda norte-americana de rock experimental formada em 2000 em Los Angeles pelo guitarrista e vocalista Eugene Goreshter, o baixista Greg Edwards e a baterista e vocalista Carla Azar e que vai já no terceiro disco de uma carreira que tem colocado em sentido a crítica mais atenta.

Estes Autolux são ricos no modo como utilizam uma hipnótica subtileza, assente, essencialmente, na dicotómica e simbiótica relação entre o fuzz da guitarra e vários efeitos sintetizados arrojados, com uma voz serena mas profunda a rematar este ménage que fica logo tão bem expresso no clima planante, mas incisivo de Selectallcopy. É uma musicalidade prática, concisa e ao mesmo tempo muito abrangente, num disco marcado pela proximidade entre as canções, fazendo com que o uso de letras cativantes e de uma instrumentação focada em estruturas técnicas simples, amplie os horizontes e os limites que foram sendo traçados numa carreira com mais de uma década e marcada por discos como Future Perfect (2004) ou Transit Transit (2010), já verdadeiros clássicos da pop experimental.

Em Soft Scene, com a passagem para uma batida seca, acompanhada por um flash e um rugoso e cru riff de guitarra, percebe-se uma saudável ausência de controle, insinuando-se um clima punk que pisa um terreno bastante experimental e que, algures entre os Liars e os The Flaming Lips, é banhado por uma psicadelia pop ampla e elaborada, sem descurar um lado íntimo e resguardado, que dá não só a esta canção, mas a todo um disco, um inegável charme, firme, definido e bastante apelativo.

A tal ausência de controle não é aqui sinónimo de amálgama ou ruído intencional; Em Pussy's Dead, canções como as radioheadianas Junk for Code e, com outras nuances mais translúcidas, Listen To The Order, assim como o frio e contemplativo piano de Anonymous, mostram-nos que este é um registo onde cada instrumento parece assumir uma função de controle, nunca se sobrepondo demasiado aos restantes, evitando a todo momento que o alinhamento desande, apesar das cordas e das teclas mostrarem uma constante omnipresença, como é apanágio de um som que se pretende simultaneamente acessível, atrativo e imponente, sem descurar a faceta algo obscura e misteriosa que estes Autolux apreciam radiar, juntamente com uma fragilidade e sensorialidade que na pop majestosa, esculpida e etérea que enfeita Change My Head, por exemplo, encarna um registo melódico ecoante e esvoaçante que coloca em sentido todos os alicerces da nossa dimensão pessoal mais frágil e ternurenta.

A receita que os Autolux assumiram em Pussy's Dead arrancou do seio do grupo o melhor alinhamento que apresentaram até hoje, expresso em dez canções que exaltaram o melhor de cada intérprete. Se as guitarras ganham ênfase em efeitos e distorções hipnóticas e se bases suaves sintetizadas, acompanhadas de batidas, cruzam-se com essas cordas e outros elementos típicos da pop e da própria folk, como demonstra Becker e se é também audível um piscar de olhos insinuante a um krautrock que, cruzando-se com um certo minimalismo eletrónico, prova o minucioso e matemático planeamento instrumental de um disco que contém um acabamento límpido e minimalista, então não nos resta outra alternativa senão concluir que este é um álbum feliz, porque além de ter gozado de uma clara liberdade e indulgência interpretativa, dividida entre redutos intimistas e recortes tradicionais esculpidos de forma cíclica, também contou com uma enorme sapiência para a criação de nuances variadas e harmonias magistrais, onde tudo se orientou com o propósito de criar um único bloco de som, fazendo do disco um corpo único e indivisível e com vida própria, onde couberam todas as ferramentas e fórmulas necessárias para que a criação de algo verdadeiramente imponente e que obriga a crítica a ficar mais uma vez particularmente atenta a esta nova definição sonora que deambula algures pela cidade dos anjos. Espero que aprecies a sugestão...

Autolux - Pussy's Dead

01. Selectallcopy
02. Soft Scene
03. Hamster Suite
04. Junk For Code
05. Anonymous
06. Brainwasher
07. Listen To The Order
08. Reappearing
09. Change My Head
10. Becker


autor stipe07 às 17:45
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Segunda-feira, 6 de Junho de 2016

Cass McCombs – Opposite House

Cass McCombs - Opposite House

Natural de Los Angeles, na Califórnia, Cass Mccombs é um dos mais notáveis intérpretes do folk rock norte americano e está prestes a regressar aos discos com Mangy Love, o oitavo tomo discográfico da sua já extensa e notável carreira. Será um alinhamento de doze canções, que verão a luz a vinte e seis de agosto e sucedem ao excelente Big Wheel And Others, sendo o primeiro álbum do músico depois de ter assinado pela ANTI- Records.

Opposite House é o primeiro avanço divulgado de Mangy Love, canção que conta com a participação especial de Angel Olsen nas vozes de fundo e que reforça a habitual sonoridade de McCombs, assente em banjos e violões carregados de amargura e de uma interessante dose de bom humor e ironia, uma sonoridade simplista, porém inebriante, que pula entre suaves exaltações ao rock alternativo e sorumbáticas doses de uma folk ruidosa, num oceano de melancolia ilimitada. Confere...


autor stipe07 às 19:18
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Domingo, 17 de Abril de 2016

Happy Hollows - Way Home

Produzido por Lewis Pesacov nos estúdios Sunset Sound e masterizado por Mark Chalecki, Way Home é o mais recente tema divulgado pelos Happy Hollows, uma banda norte americana oriunda de Los Angeles, na Califórnia e formada por Sarah Negahdari, Charlie Mahoney, Matt Fry e Dan Marcellus.

A banda está prestes a entrar em digressão no próximo mês de maio com os consagrados Lucious e o cariz rugoso e elétrico, mas simultaneamente luminoso e efervescente desta canção bastante festiva, é uma excelente porta de entrada para um grupo que tem em Amethyst o seu último registo de originais, editado em 2013 e que parece ter finalmente sucessor. Confere...


autor stipe07 às 21:11
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Sexta-feira, 1 de Abril de 2016

The Moth And The Flame – Young And Unafraid

Os The Moth & The Flame de Brandon Robbins, Mark Garbett, Michael Goldman e Andrew Tolman são uma das melhores descobertas musicais que fiz nos últimos anos, um grupo que me ficou sempre na retina assim que tive a oportunidade de escutar o disco homónimo de estreia deste grupo norte americano natural de Provo, no Utah e atualmente sedeado em Los Angeles, na Califórnia. Esse é um dos álbuns que mais saiu da estante cá de casa nos últimos anos e que até deu origem a um dos takes do blogue na Everything Is New TV. Os The Moth And The Flame lançaram esse disco homónimo de estreia a 11.11.11. e entretanto já chegou o sucessor, um álbum intitulado Young And Unafraid e que foi concebido pela banda juntamente com os aclamados produtores Peter Katis (Interpol, The National), Tony Hoffer (M83, Beck) e Nate Pyfer (Parlor Hawk, Fictionist).

Young And Unafraid foi precedido de um EP com mais quatro canções, editado em setembro último e cujo conteúdo nos ofereceu, desde logo, algumas luzes sobre o conteúdo sonoro deste sucessor de The Moth And The Flame, que viu a luz do dia através da Elektra Records. Já agora, recordo que há dois anos, em 2013, a banda tinha lançado um outro Ep intitulado simplesmente &, um conjunto de canções editado pela Hidden Records e produzido por Joey Waronker (Beck, Atoms For Peace, R.E.M.).

Neste Young and Unafraid mantém-se, felizmente, a sonoridade pop atmosférica da estreia, com canções que envolvem o ouvinte em ambientes etéreos, mas com uma sonoridade mais direta e rugosa, como se percebe logo na visceralidade de Red Flag e na imponência de Silvertongue. O indie rock mantém-se, assim, como elemento ativo de um arquétipo de onde também sobressai uma presença forte da sintetização, com instantes em que os instrumentos clamam pela simplicidade e outros em que a teia sonora se diversifica e se expande para nos arrastar sem dó nem piedade para um ambiente sombrio e nostálgico, com caraterísticas muito próprias. Há, assim, canções extremamente simples e que prezam pelo minimalismo da combinação de apenas quatro instrumentos, enquanto outras soam mais ricas e trabalhadas, que nos fazem descolar um pouco mais de uma zona de conforto sonora e arriscam ambientes épicos e com uma instrumentalização ainda mais diversificada, bem explícita, por exemplo, na matriz sintética de Live While I Breathe.

Seja qual for a fórmula aplicada, os The Moth And The Flame pegam firmemente no seu som e usam-no como se fosse um pincel para criar obras sonoras carregadas de pequenos mas preciosos detalhes intrigantes, interessantes e exuberantes. Muitas vezes um simples detalhe fornecido por uma corda, uma tecla ou uma batida aguda dão logo uma cor imensa às canções e a própria voz, que recorda imenso o Beck Hansen do período Sea Changes, serve, frequentemente, para transmitir essa ideia de exuberância e sentimento.

Neste tempo em que abundam os downloads rápidos e as embalagens descartáveis é reconfortante ver uma banda tão interessada e orgulhosa da forma como apresenta a sua música, ainda mais quando o essencial (a música) é bastante recomendável! Uma bonita surpresa que regressa novamente e que espero que aprecies devidamente…

The Moth And The Flame - Young And Unafraid

01. Red Flag
02. Young And Unafraid
03. Empire And The Sun
04. Live While I Breathe
05. Wishing Well
06. Silvertongue
07. Run Anyway
08. Sorry
09. 10 Years Alone
10. Round
11. Life In The Doorway
12. We Are Not Only What We’ve Been Before


autor stipe07 às 20:16
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