Segunda-feira, 15 de Dezembro de 2014

Damon Albarn And The Heavy Seas – Live At The De De De Der

O melancólico, mas sempre genial, brilhante, inventivo e criativo Damon Albarn, personagem central da pop britânica das últimas duas décadas, regressou este ano aos discos em nome próprio e em grande estilo com Everyday Robots, um trabalho que viu a luz do dia a vinte e oito de abril e um belíssimo compêndio de doze canções produzidas por Richard Russell e lançadas por intermédio da Parlophone, que entraram diretamente para o top dos melhores discos de 2014 para este blogue.

A quinze e dezasseis de novembro últimos, Damon Albarn deu dois excelentes espetáculos no mítico Royal Albert Hall, em Londres, com a particularidade de terem sido gravados pelos técnicos dos estúdios de Abbey Road e terem ficado imediatamente disponíveis para venda após cada um dos concertos. Além dos The Heavy Seas, a banda que acompanha Albarn em estúdio e ao vivo, os concertos contaram com as participações especiais de Brian Eno, De La soul, Kano e Graham Coxon, seu parceiro nos Blur.

Escutar estes dois concertos permite-nos fazer uma visita guiada sobre toda a herança sonora essencial que Damon Albarn nos deixou, principalmente nas duas últiams décadas, num alinhamento que contém temas dos Gorillaz, dos The Good The Bad And The Queen, dos Blur, Mali Music e, obviamente, do seu projeto a solo, com destaque para o mais recente e acima citado Everyday Robots.

Falar de Damon Albarn como artista a solo e não abordar as experiências musicais do artista em projetos tão significativos como os Blur, os Gorillaz ou os The Good The Bad and The Queen é algo impossível e Live At The De De De Der transpira a tudo aquilo que Albarn idealizou e criou nestes projetos, com canções que vale bem a pena escutar num formato mais cru e orgânico, umas mias despidas e outras notavelmente enriquecidas e que, desse modo, ganham uma outra personalidade.

Albarn é, por excelência, um minimalista viciado pelos detalhes, uma contradição apenas aparente e que se torna ainda mais audível no modo como, ao vivo, este artista viciado em tecnologia, mas também apaixonado pela natureza orgânica de um enorme espetro de instrumentos e permanentemente inquieto e numa pesquisa constante sobre o modo como os pode tocar, transborda modernidade, juntamente com uma extraordinária sensação de proximidade com o público, a que não será também alheio o facto de ter-se feito sempre acompanhar por outros músicos extraordinários, mesmo nunca tendo deixado de ser o protagonista maior de todas as bandas e projetos que criou.

Impecavelmente produzido e conseguindo transpirsar todas aquelas boas sensações que distinguem um espetéculo ao vivo das versões de estúdio, Live At The De De De Der é absolutamente fundamental para quem quiser rever o cardápio de um músico que é, antes de tudo, um homem comum, às vezes também solitário e moderno. Em palco o coração traiçoeiro de Albarn converte-se num portento de sensibilidade e optimismo, a transbordar de um amor que o liberta definitivamente de algumas das amarras que filtrou ao longo do seu percurso musical e, sem deixar completamente de lado a melancolia que, como ele tão bem mostra, tem também um lado bom, diante de um público entusiasta e que o venera, empenha-se em mostrar-nos que a existência humana e tudo o que existe em nosso redor, por mais que esteja amarrada à ditadura da tecnologia, pode ser um veículo para o encontro do bem e da felicidade coletivas. Espero que aprecies a sugestão...

Damon Albarn And The Heavy Seas - Live At The De De De Der

CD 1
01. Spitting Out The Demons
02. Lonely Press Play
03. Everyday Robots
04. Tomorrow Comes Today
05. Slow Country
06. Kids With Guns
07. Three Changes
08. Bamako City
09. Sunset Coming On
10. Hostiles
11. Photographs (You Are Taking Now)
12. Kingdom Of Doom
13. You And Me
14. Hollow Ponds

CD 2
01. El Manana
02. Don’t Get Lost In Heaven
03. Out Of Time
04. All Your Life
05. End Of A Century
06. The Man Who Left Himself
07. Tender
08. Mr. Tembo
09. Feel Good
10. Clint Eastwood
11. Heavy Seas


autor stipe07 às 17:44
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Sábado, 13 de Dezembro de 2014

Rocco DeLuca – Rocco DeLuca

Natural de Silver Lake, na Califórnia, Rocco DeLuca lançou no passado mês de agosto Rocco DeLuca, um disco homónimo e produzido por Daniel Lanois que, com um pomposo alinhamento de onze músicas, aposta numa pop e num indie rock que entre o nostálgico e o esplendoroso, tem algo de profundamente dramático e atrativo. Este é um trabalho diversificado, acessível, com melodias orelhudas e que foi alvo de uma produção aberta e notoriamente inspirada.

A toada ritmada, enigmática e cheia de groove de Colors Of The Cold, o single já retirado do disco, faz-nos, de imediato, procurar perceber porque é que ao mesmo tempo que damos por nós a abanar as pernas ao ritmo da música e a tentar perceber porque é que uma pop tão orelhuda e exuberante tem de se apresentar perante nós com um grau de exigência particularmente elevado. De seguida, sentimos a necessidade de procurar uma clara perceção da mensagem que o tema nos transmite. A música de Rocco DeLuca é mesmo assim, comunica connosco implacavelmente, não permite qualquer sentimento de indiferença e consegue cativar com notória facilidade.

A percussão de Free e as cordas de Feather And Knife, dois verdadeiros opostos e a folk introspetiva de Everything Hurts e Thief And The Moon surpreendem apenas quem não estiver disposto a aceitar a essência de um disco que sobrevive na procura de diferentes caminhos, sem nunca resvalar numa perigosa monotonia, já que o grau qualitativo dos arranjos, que incluem alguns sopros e metais algo implícitos, é o grande suporte de uma sonoridade que nos coloca lado a lado com alguns dos melhores fundamentos daquilo que define o som caraterístico de uma América profunda, sempre sedenta de novos e diferentes espetros sonoros e, ao mesmo tempo, muito ciosa das suas raízes. Se o falsete de Rocco e a eletrificação da guitarra em Congregate são um excelente exemplo do modo como este músico e compositor consegue criar um claro clima nostálgico, sem descurar a criação de sons inteligentes e solidamente construídos, já a percussão e o dedilhar de The World (Part 1) emerge-nos no particular universo nativo em pleno mojave, que, curiosamente, apesar do pó que levanta, provoca um suor que exala um certo erotismo, que se sentem novamente quando em Through Fire a batida sincopada, muito bem acompanhada por uma linha melódica sintetizada deliciosa e uma guitarra encorpada, fazem dessa canção uma festa pop, psicadélica e sensual.

Este cruzamento assertivo entre um certo blues e a pop mantém-se até ao final do alinhamento, com o sintetizador a ter, finalmente, o protagonismo que merece em Two Bushes, outro exemplo que prova que este artista norte americano coloca, com particular mestria, elementos orgânicos lado a lado com pormenores eletrónicos deliciosos.

A música de Rocco DeLucca aposta nesta relação simbiótica, feita com o simples dedilhar da guitarra acomodada pelo baixo e por um sintetizador aveludado que se esconde atrás dos ritmos, para a criação de canções que procuram ser orelhudas, de assimilação imediata e fazer o ouvinte despertar as suas pretensões emotivas, porque é tudo conjugado de uma forma simples, mas eficaz.

Rocco DeLuca é um compêndio musical fresco e luminoso, com substância e onde cabem todos os sonhos, criado por um músico impulsivo e direto, mas emotivo e cheio de vontade de nos fazer refletir. Mesmo nos instantes mais melancólicos e introspetivos, não há lugar para a amargura e o sofrimento e o que transborda das canções são mensagens positivas e sedutoras. Rocco DeLuca é exímio na forma como se apodera da música pop para pintar nela as suas cores prediletas de forma memorável, com um otimismo algo ingénuo e definitivamente extravagante, onde cabe o luxo, a grandiosidade e uma intemporal sensação de imunidade a tudo o que possa ser sombrio e perturbador. O disco impressiona não só pela produção musical, mas principalmente porque sustenta uma áurea de felicidade, mesmo nos momentos mais contidos e prova que este Rocco DeLuca é um músico inventivo, de rara sensibilidade e que não tem medo de fazer as coisas da forma que acredita. Espero que aprecies a sugestão...

Rocco DeLuca - Rocco DeLuca

01. Colors Of The Cold
02. Free
03. Feather And Knife
04. Congregate
05. Everything Hurts
06. The World (Part 1)
07. Through Fire
08. Thief And The Moon
09. Two Bushes
10. Will Strike
11. Simple Thing


autor stipe07 às 14:35
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Quarta-feira, 10 de Dezembro de 2014

beat radio - singles​/​demos 2014

Oriundo de Bellmore, em Nova Iorque, beat radio é Brian Sendrowitz e anda desde 2005 a criar excelentes composições que têm como maiores trunfos uma belíssima voz e um magnífico trabalho instrumental, com destaque para Ver Straten, que se juntou a Brian em 2007 para tomar conta da bateria e assim ajudar a expandir o som deste projeto que tem sido comparado a referências tão distintas como os Sparklehorse, os Luna ou os The Weakerthans. Após uma década com quase uma dúzia de lançamentos, entre EPs, albuns e singles, parece que a inspiração de Brian é inesgotável e, tendo passado o presente ano a escrever a maior quantidade possível de canções, resolveu antecipar o lançamento de Take It, Forever, o seu novo registo de originais que deverá ver a luz do dia em 2015, com a partilha de singles/demos 2014, um compêndio com temas, com a promessa de alguns deles virem a fazer parte desse trabalho.

Nestas oito canções existem algumas curiosidades que importa destacar, nomedamente uma versão de Pour It Up, um original de Rihanna e a versão punk do genérico da série de televisão Full House, entretanto incluida num podcast intitulado Everywhere You Look, que desconstrói sonoramente cada um dos episódios desta sitcom.
Começa-se a escutar esta coleção de canções pelo tema homónimo do tal álbum que está para chegar e percebe-se de imediato que beat radio é um projeto que propôe uma coleção irrepreensível de sons inteligentes e solidamente construídos, que nos emergem em ambientes carregados de batidas e ritmos que, tomando como exemplo as teclas e o sintetizador desta canção, poderão facilmente fazer-nos acreditar que a música pode ser realmente um veículo para o encontro do bem e da felicidade coletivas.
Daí em diante, tudo aquilo que se escuta tem algo de fresco e hipnótico, uma pop com um pendor eletrónico simples, bonito e dançável, nem que o façamos no nosso íntimo e para nós mesmos. Os sintetizadores têm um tempero muito particular e as guitarras, que têm o protagonismo maior em Losing Time e o sintetizador sustentam a base melódica e sabem como dar o tempero ideal às composições que, com frequência, duvidam delas próprias sem saberem se querem avançar para uma sonoridade futurista, ou se preferem viver na firme intenção de ficarem a levitar na pop dos anos oitenta.. Depois a voz um pouco lo fi e shoegaze, confere aquele encanto retro e relaxante e amplia a atmosfera de brilho e cor em movimento que sustenta esta obra com um alinhamento alegre e festivo e que parece querer exaltar, acima de tudo, o lado bom da existência humana.
Sem deixar de evocar um certo experimentalismo típico de quem procura, através da música, fazer refletir aquela luz que não se dispersa, mas antes se refrata para inundar os corações mais carentes daquela luminosidade que transmite energia, estas oito canções carecem de cantos escuros e projetam a beat radio inúmeras possibilidades sobre o seu futuro discográfico próximo. Espero que aprecies a sugestão...
 
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autor stipe07 às 21:45
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Belle And Sebastian – Nobody’s Empire

Belle And Sebastian - Nobody's Empire

Já se sabe desde setembro que os escoceses Belle & Sebastian estão de regresso aos discos com um novo álbum. Esse trabalho irá chamar-se Girls In Peacetime Want To Dance e verá a luz do dia a vinte de janeiro através da Matador Records, sendo o primeiro da banda em quatro anos, desde Write About Love e produzido por Ben H. Allen (Animal Collective, Washed Out).

Depois de ter sido divulgado Party Line, o primeiro single de Girls In Peacetime Want To Dance, agora chegou a vez de conhecermos o tema de abertura do disco intitulado Nobody's Empire. Com versos confessionais que falam da infância do vocalista, a canção conduz-nos de volta ao indie pop mais orelhudo, com aquele requinte vintage que revive os gloriosos anos oitenta. Confere...


autor stipe07 às 21:42
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Quinta-feira, 4 de Dezembro de 2014

Bored Nothing – Some Songs

Bored Nothing é um projeto de Melbourne, na Austrália, liderado por Fergus Miller. Depois de ter lançado diversas demos e EPs, disponíveis num dos mais interessantes e complexos bandcamps que já tive a oportunidade de espreitar, chegou em 2012 o disco de estreia, por sinal um homónimo, através da Spunk Records. Dois anos depois, a vinte e sete de outubro, viu a luz do dia Some Songs, o segundo disco.

Some Songs é indie rock introspetivo de primeira água, plasmado em treze canções de fino recorte e uma superior sensibilidade, tão simples e descomprometidas como deveria ser a nossa própria existência, tantas vezes absorvida por instantes que obrigam o nosso superior interesse pessoal a lidar com dilemas, quimeras e frustrações, que certamente nos enriquecem, mas que não precisam de dar sinal de si em permanência. Simple Songs pretende oferecer-nos exatamente o oposto, uma sonoridade solta e etérea, assente no fino e delicado dedilhar das cordas, feito por guitarras vintage contidas e que geralmente procuram um ponto de equilíbrio, felizmente quase sempre instável, entre a submissão acústica e a aparente agressão de efeitos e distorções, que vão subindo de volume à medida que o alinhamento avança. Esta receita não deixa também de ser abastecida por alguns simples detalhes e arranjos sintetizados, com momentos em que domina uma toada lo fi, crua e pujante, cheia de quebras e mudanças de ritmos, com uma certa, e quanto a mim feliz, dose de improviso.

Assim, Some Songs, apesar da aúrea fortemente melancólica de alguns temas, tem o condão de nos presentear com um alinhamento caloroso e reconfortante, sendo  uma banda sonora ideal para aquecer os dias mais tristonhos e sombrios que descrevem este outono. Ao som dele podemos meditar e repousar embalados por histórias que conterão, certamente, um vincado cariz autobiográfico, de um músico com pouco mais de vinte anos que, ao segundo disco, continua a tentar entender melhor o seu âmago e a lidar com as vicissitudes normais da sempre difícil transição para a vida adulta, fazendo-o através de tudo aquilo que de mais transcendental e lisérgico tem sempre a composição e a criação musical.

O alinhamento de Some Songs começa com um simples instante acústico chamado Not e depois chega finalmente a bateria e o baixo em Ice-Cream Dreams, o primeiro single divulgado, sem dúvida um momento alto do disco, devido ao ritmo e ao modo cativante como Bored Nothing nos oferece a sua voz com uma certa dose de reverb que amplia a tonalidade doce e sussurrante da mesma, como se o cantor nos soprasse ao ouvido enquanto espalha o charme incofundível do seu registo vocal. Depois, ainda no período inicial, temas como Where Do I Begin e We Lied merecem também audição dedicada porque, apesar de conduzidas pela guitarra, expandem-se e ganham vida devido ao critério que orientou a escolha dos restantes instrumentos e à forma como a voz mostra novamente uma sede incontrolável de protagonismo e se posiciona e se destaca. Pessoalmente, fui invariavelmente seduzido pelo teclado que, desde logo o inicio, toma conta de We Lied e o modo com o batida sintetizada passou a acompanhar essa melodia, pouco depois, numa dança com uma energia ímpar, cheia de outros sons que se atropelam durante o percurso da canção e que fazem dela, o meu momento prefeirdo do disco. Este exemplo é fundamental para o ouvinte mais dedicado perceber que a personalidade de cada tema do disco pode demorar um pouco a revelar-se nos nossos ouvidos, mas certamente será compensador experimentar sucessivas audições para destrinçar os detalhes precisos e a produção impecável e intrincada que as distingue e que, por acréscimo, sustenta o conteúdo.

Um outro instante acústico intitulado Ultra-lites marca a passagem para um novo capítulo do trabalho, mais elétrico, ritmado e luminoso, cheio de canções conduzidas por melodias assentes em guitarras distorcidas e um baixo e uma bateria sempre em sintonia, mas onde também não faltam detalhes sintetizados inspirados. Do quase punk lo fi de What You Want Always ao blues de Why You Were Dancing With All Those Guys, passando pela pop luminosa de Where Would I Begin, este é um novo periodo que reforça o cariz eclético de um músico inspirado e ajuda a fazer de Some Songs um disco feito na emoção e na intuição.

Até ao final, o rock experimental de Song for Jedder e de Ultra-lites II, os laivos de rock progressivo de Don't Go Sentimental e o groove de Artificial Flower, são o capítulo final de um compêndio de várias narrativas, onde convive uma míriade alargada de sentimentos que, da angústia à euforia, conseguem ajudar-nos a conhecer melhor a essência de um Fergus Miller sereno e bucólico. Com canções cheias de versos intimistas que fluem livremente, Bored Nothing procura através da música a sua individualidade, enquanto conta experiências e nos ajuda a perceber sobre aquilo que medita, as suas conclusões e as perceções pessoais do que observa, enquanto a sua vida vai-se desenrolando e ele procura não se perder demasiado na torrente de sonhos que guarda dentro de si e que nem sempre são atingíveis. Espero que aprecies a sugestão...

Bored Nothing - Some Songs

01. Not
02. Ice-cream Dreams
03. The Rough
04. We Lied
05. Ultra-lites
06. Do What You Want Always
07. Why Were You Dancing With All Those Guys
08. Where Would I Begin
09. Come Back To
10. Song For Jedder
11. Don’t Go Sentimental
12. Artificial Flower
13. Ultra-lites II


autor stipe07 às 21:18
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Cairobi - Zoraide

Cairobi

Com músicos da Inglaterra, México, Itália e Áustria, mas baseados atualmente em Londres, os Cairobi são Giorgio Poti, Salvador Garza, Stefan Miksch, Alessandro Marrosu e Aurelien Bernard, um coletivo prestes a lançar-se nos lançamentos discográficos com Distante Fire, um EP que vai ver a luz do dia a dezasseis de fevereiro do próximo ano.

Zoraide é a canção que abre o alinhamento de Distante Fire, uma junção sónica e psicadélica de um verdadeiro caldeirão instrumental e melódico, um momento de pura experimentação, assente numa colagem de várias mantas de retalhos que nem sempre se preocupam com a coerência melódica e que, por isso e por ser extremamente dançável, deverá ser objeto do maior deleite e admiração. Esta é, acreditem, uma canção que desperta-nos para um paraíso de glória e esplendor e subjuga momentaneamente qualquer atribulação que nesse instante nos apoquente. Confere...


autor stipe07 às 18:28
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Segunda-feira, 1 de Dezembro de 2014

Sondre Lerche – Please

Sondre Lerche é um músico, cantor e compositor norueguês que vive em Brooklyn, Nova Iorque e que também se tem notabilizado pela composição de bandas sonoras, além do seu trabalho a solo. Please é o seu mais recente registo de originais, um trabalho que viu a luz do dia recentemente, por intermédio da Mona Records e que aposta numa pop que entre o nostálgico e o esplendoroso, tem algo de profundamente dramático e atrativo. Ao longo de dez músicas, Please oferece-nos um trabalho diversificado, acessível, com melodias orelhudas e que foi alvo de uma produção aberta e notoriamente inspirada.

When crimes are passionate, can love be separate?, questiona-nos Sondre Lerche no meio da toada ritmada e cheia de groove de Bad Law, ao mesmo tempo que damos por nós a abanar as pernas ao ritmo da música e a tentar perceber porque é que uma pop tão orelhuda e exuberante tem de se apresentar perante nós com um grau de exigência particularmente elevado, no que diz respeito à perceção que devemos ter da mensagem que o tema nos transmite. Depois, as cordas e a percussão de Crickets e o looping contínuo da guitarra em Legends, surpreendem pela toada mais rock, mas que não pode ser acusada de deturpar a essência do disco, já que essa procura de outros caminhos não resvala, como às vezes sucede, para algo qualitativamente menor. Apesar de Bad Law ser o single já extraído de Please, essas duas canções que se seguem não lhe ficam a dever em termos de notoriedade e potencial de airplay.

Quando, em At Times We Live Alone, Sondre abranda instrumentalmente, apesar da secção de sopros e dos metais que aqui se escutam, mantém-se num nível elevado porque aprimora o seu registo vocal, inaugurando um grave à Sinatra, em oposição clara à exuberância do falsete que nos prendeu em Bad Law e que acabava por ser, na minha opinião, mais um detalhe a juntar à homenagem que o artista pretendeu fazer com esse tema ao período aúreo que a pop eletrónica viveu há três décadas.

Após a distorção de uma guitarra tomar conta do já esperado clima nostálgico de Sentimentalist, o ambiente de festa regressa em Lucifer e com ele os sons inteligentes e solidamente construídos, que nos emergem num universo carregado de batidas e ritmos que não deixam de exalar um certo erotismo, que se sentem novamente quando em After The Exorcism a bateria sincopada e com uma batida tribal, muito bem acompanhada por uma linha melodica de guitarra deliciosa, faz dessa canção uma festa pop, psicadélica e sensual.

Este cruzamento assertivo entre o rock e a pop mantém-se até ao final do alinhamento, com o baixo a ter, finalmente, o protagonismo que merece em At A Loss for Words e o sintetizador a tomar conta de Logging Off, outros exemplos que provam que este artista norueguês coloca, com particular mestria, elementos orgânicos lado a lado com pormenores eletrónicos deliciosos.

A música de Sondre Lerche aposta nesta relação simbiótica, feita com batidas e guitarras acomodadas pelo baixo e por um sintetizador aveludado que se esconde atrás dos ritmos, para a criação de canções que procuram ser orelhudas, de assimilação imediata e fazer o ouvinte dançar, quase sem se aperceber, apesar de não descurar as suas pretensões emotivas, porque é tudo conjugado de uma forma simples, mas eficaz.

Please é um compêndio musical fresco e luminoso, com substância e onde cabem todos os sonhos, criado por um músico impulsivo e direto, mas emotivo e cheio de vontade de nos pôr a dançar. Mesmo nos instantes mais melancólicos e introspetivos, não há lugar para a amargura e o sofrimento e o que transborda das canções são mensagens positivas e sedutoras. Sondre Lorche é exímio na forma como se apodera da música pop para pintar nela as suas cores prediletas de forma memorável, com um otimismo algo ingénuo e definitivamente extravagante, onde cabe o luxo, a grandiosidade e uma intemporal sensação de imunidade a tudo o que possa ser sombrio e perturbador. Please impressiona não só pela produção musical, mas principalmente porque sustenta uma áurea de felicidade, mesmo nos momentos mais contidos e prova que este norueguês é um músico inventivo, de rara sensibilidade e que não tem medo de fazer as coisas da forma que acredita. Espero que aprecies a sugestão...

Sondre Lerche - Please

01. Bad Law
02. Crickets
03. Legends
04. At Times We Live Alone
05. Sentimentalist
06. Lucifer
07. After The Exorcism
08. At A Loss For Words
09. Lucky Guy
10. Logging off


autor stipe07 às 19:27
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Sexta-feira, 28 de Novembro de 2014

Walter Benjamim - We might never fall in love

Luis Nunes é português, viveu em Londres mas atualmente instalou-se algures no Alentejo e é também Walter Benjamim, nome de um filósofo alemão do início do século passado e o alibi perfeito para Luis escrever sobre o que intencionalmente quiser e poder assim, como já li algures, criar um mundo imaginário onde tudo é perfeito, o amor não dói e o coração não se parte.

No entanto, parece que esse mundo chegou ao ocaso já que Walter Benjamin anunciou recentemente que vai dar o tiro final na sua carreira cantada em inglês, fazendo-o com a edição de um single, disponivel exclusivamente para download na página de bandcamp do músico. Drive Anyway e We might never fall in love são os dois temas do single e estava previsto que o primeiro fizesse parte de Robots, um disco em que Luis trabalhava com o amigo Jakob Bazora e o segundo, o tema principal, é uma nova versão de uma canção originalmente lançada em 2008 no álbum The National Crisis, editado pela extinta netlabel Merzbau. Esta nova roupagem do tema conta com convidados de luxo, nomeadamente todos os membros dos You Can't Win Charlie Brown, colegas de editora Pataca, Afonso Cabral, Salvador Meneses, Tomás Franco Sousa, João Gil, Raquel Lains, Luís Costa (e a namorada Carina Costa) e David Santos (também conhecido como Noiserv), além da presença da banda de sempre: João Correia (bateria) e Nuno Lucas (baixo). É, como não podia deixar de ser, uma celebração entre amigos.

Drive Anyway foi gravada quando o músico ainda vivia em Londres e a canção conta com a participação do austríaco Moritz Kerschbaumer. O vídeo da canção é composto exclusivamente de imagens caseiras do tempo em que Luis vivia com a sua banda em Londres e da sua viagem de volta para Lisboa

Os temas são dois belíssimos momentos sonoros assentes numa sonoridade melancólica e que nunca azeda, que naturalmente nos faz sorrir, mesmo que a tristeza nos trespasse por significarem o epílogo de um projeto que teve como momento alto a edição do fantástico disco The Imaginary Life Of Rosemary And Me.

No próximo dia doze de Dezembro será o encerramento oficial das hostilidades de Walter Benjamim com um concerto no Lux, em mais uma noite Black Baloon, um espetáculo que começa às 23:00 e acaba quando o Lux fechar as portas com um DJ set de Pedro Ramos, Quem és tu Laura Santos? e do próprio Walter.

Luis Nunes tem trabalhado recentemente em discos de músicos e bandas como Éme, TAPE JUNk ou Pedro Lucas. Em breve irá anunciar um novo projecto, com outro nome e numa língua mais materna. Confere os dois temas que marcam a despedida de Luis Nunes do projeto Walter Benjamim e a entrevista que o músico me concedeu acerca deste momento marcante da sua carreira artística.

Depois de te ter entrevistado há já mais de dois anos devido a The Imaginary Life Of Rosemary And Me, o que mudou tanto na vida de Luis Nunes para ele resolver colocar um ponto final no alter ego Walter Benjamim?

Aconteceram tantas coisas. Mudei-me de Londres para a vila de Alvito, no meio do Alentejo. Acho que essa foi a mudança mais radical que fiz na vida, agora vivo no campo e vou de vez em quando a Lisboa aos fins-de-semana ou quando vou tocar. Eu já sabia que isso implicaria acabar com o Walter. Já estou cansado de escrever em inglês, fez sentido enquanto vivia noutro país. Agora quero escrever sobre o que me rodeia, sobre a nossa realidade específica, sobre as pessoas que vejo todos os dias e os sítios que vou descobrindo. Só posso fazer isso de maneira plena na minha língua. É difícil porque a música é obrigatoriamente diferente e exige pôr-me à prova. É voltar a aprender a escrever canções, é como nascer outra vez. Essa é a razão, vou acabar com o nome porque não faz sentido ter um nome em inglês e cantar em português. Continuo a ser a mesma pessoa, só a atravessar uma nova fase.

A despedida do Walter é feita com a edição de um single com dois temas. Não haveria mais material para editar pelo menos um EP? E a que se deveu a escolha destas duas canções?

Tenho canções gravadas para um álbum inteiro. O problema é que teria que misturar tudo, regravar coisas, cantar tudo outra vez. Não me apetece nada, não faz sentido dedicar mais dois meses da minha vida a algo que já não vai acontecer. Escolhi estas duas canções porque eram representativas de algo importante. Não havia uma boa versão gravada da We Might Never Fall In Love, que é uma das músicas mais emblemáticas do Walter. A outra é uma canção que gravei em Londres com um amigo meu muito especial, o Moritz Kerschbaumer, com quem estava a gravar um disco no nosso estúdio, que era no meu quarto. Nunca foi acabado e achei que era importante incluir essa fase na minha vida na despedida, teria pena se esse período não tivesse ficado representado.

Pessoalmente, por ter gostado tanto do teu disco de estreia, confesso um certo desapontamento por saber que não vai haver sucessor. Robots era esse segundo disco da vida de Walter Benjamim? Porque não foi concluído?

Esse disco (da qual foi tirado Drive Anyway) era uma experiência constante. Eu e o Moritz passámos um ano a gravar coisas praticamente todos os dias, era um monstro. Um dia eu disse-lhe que ia para Lisboa e foi um choque para todos, deixei o disco pendurado. Não houve tempo para o acabar, infelizmente.

A despedida oficial de Walter Benjamim é no mítico Lux, já a doze de dezembro. Além dos convidados, há mais alguma surpresa na manga? Quais são as tuas expetativas para essa noite de celebração?

Eu estou a encarar todos os músicos que vão tocar como membros de uma banda definitiva. O Moritz vem de propósito de Londres, o que, como calculas, me deixou extremamente feliz. Eu quero fazer este ponto final rodeado de amigos, essa é a surpresa na manga. Quero que as pessoas se deixem levar pelas canções e dançar a noite toda.

Tens trabalhado recentemente em discos de músicos e bandas como Éme, TAPE JUNk ou Pedro Lucas e em breve irás anunciar um novo projecto, com outro nome e numa língua mais materna. Já podes adiantar algo mais? Como vai ser a tua vida profissional depois de acordares no próximo dia treze de dezembro?

Vou acordar violentamente ressacado, espero eu. A vida profissional não muda muito, o Walter Benjamin não é propriamente algo que gere uma fortuna. Eu tento fazer várias coisas que me entusiasmam, tento equilibrar tudo. Estou  a fazer um disco em português, estou a escrever canções, estou entusiasmado. Mesmo que o disco seja uma merda, estou entusiasmado como não estava há muito tempo.

Obrigado pela entrevista e, principalmente, pela tua música!

Obrigado eu. Abraço.


autor stipe07 às 18:07
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Segunda-feira, 24 de Novembro de 2014

Joan As Police Woman - The Classic

Joan Wasser, que o mundo conhece como Joan As Police Woman e como a eterna namorada de Jeff Buckley, está de regresso aos discos com The Classic, um trabalho produzido pela própria Joan Wasser e por Tyler Wood, editado através da PIAS Recordings e que contou com a participação especial de um vasto leque de músicos, dos quais se destacam Joseph Arthur, Steve Bernstein, Oren Bloedow, Doug Wieselman e Reggie Watts, entre outros. Todas estas aparições enriquecem imenso Classic, quer ao nível instrumental, quer da voz, mas não posso deixar de destacar a presença de Reggie Watts no tema homónimo do disco, pelo modo como confere uma toada gospel incrível à canção.

Incubado na mente criativa de uma artista que já fez parte dos projetos Dambuilders, Those Bastard Souls e Mind Science Of The Mind e de ter cantado com Lou Reed, Antony & The Johnsons ou Rufus Wainwright, The Classic conquista-nos logo no início com Witness, Holy City e The Classic, três canções que nos colocam bem no centro do que melhor se pode encontrar na música negra norte americana e atestam definitivamente que Joan As Police Woman é uma das mais talentosas, vibrantes, originais e carismáticas escritoras de canções da atualidade e que a sua música pede e merece um ambiente especial e muito próprio para ser devidamente disfrutada.

Gravado quase na totalidade ao vivo, este trabalho que mistura então o indie rock, com alguns dos detalhes mais importantes do jazz, do funk, do R&B e da soul, prossegue sempre de forma sofisticada e com um esplendor e uma luminosidade incomuns, de algum modo expressas no artwork de um disco que vale ouro, como o tom dessa imagem.

Depois de um arranque de carreira em grande forma, com Real Life (2006) e To Survive (2008), nem em Cover (um disco de covers, como o nome indica, lançado em 2009), ou The Deep Field (2011) ela deu sequência a essa mestria inicial. Mas agora, em 2014 está de regresso a Joan As Police Woman intensa e apaixonante, que tanto expôe tristezas e receios e até ideias relacionadas com a própria morte (What Would You Do), como nos indica caminhos mais ou menos diretos para a felicidade (Stay), que pode até ser a carnal, fazendo tudo isso sempre de mãos dadas com aquela soul que vai buscar inspiração à motown. E, mesmo tendo em conta que a intimista Get Direct é uma das melhores canções do disco, fá-lo com aquela exuberância que antes o uso quase exclusivo do piano, como suporte do processo de construção melódica, de algum modo restringia, para agora, tendo optado por uma vasta miríade de instrumentos e coros, conseguir mostrar-se mais positivista, emotiva e até interessante, principalmente porque mostra ser capaz de se mover com à vontade por territórios sonoros mais diversificados, mantendo uma elevada bitola qualitativa nas suas composições. Esse tal piano, agora é muitas vezes subsituido por um orgão sintetizado, que dá ao som de Joan As Police Woman um travo mais masculino, alternativo e até psicadélico.

The Classic termina com a reggae Ask Me e damos por nós a lamentar porque, infelizmente e por razões do foro pessoal, Joan As Police Woman teve de cancelar alguns concertos que iria dar no nosso país durante este mês de novembro. Seja como for, isso não retira brilho a um disco que nos faz recuar musicalmente algumas décadas, de um modo cativante e tão intenso que é possivel imaginarmos que estamos num daqueles ambientes smokey dos bares de música ao vivo, enquanto escutamos este The Classic, que também não fica nada mal como banda sonora para usufruirmos de uma boa companhia de serão. Espero que aprecies a sugestão...

Witness

Holy City

The Classic

Good Together

Get Direct

What Would You Do

New Year’s Day

Shame

Stay

Ask Me


autor stipe07 às 23:18
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Quinta-feira, 20 de Novembro de 2014

Little Arrow - Furious Finite

Formados por William Hughes, Dan Messore, Ben Sharpe, Callum Duggan e Rich Chitty, os galeses Little Arrow apresentaram ao mundo a sua folk de forte cariz etéreo e melancólico em 2011 com Mask and Poems, tendo o segundo disco, Wild Wishes, visto a luz do dias dois anos depois. Agora, quase no ocaso de 2014, regressam à carga com Furious Finite, mais uma coleção de canções que misturam o épico com o contemplativo e que parecem tão naturais e espontâneas como a enorme beleza da região de onde provêm e que os inspira, situada na extremidade noroeste das ilhas britânicas.

Conhecido há algumas semanas, o single Medicine Moon já apontava para o caminho certo de consolidação da sonoridade intrínseca desta banda. Essa canção é um exemplo feliz da capacidade dos Little Arrow em estabelecer uma fusão de elementos da indie, da pop, da folk e até da eletrónica, através de melodias luminosas feitas com linhas de guitarra delicadas e arranjos clássicos particularmente deslumbrantes e cheios de luz, amiúde dominados pelos instrumentos de sopro, samples, teclados e uma percurssão, elementos que criam paisagens sonoras bastante peculiares.

Assim que o disco começa somos rapidamente absorvidos pelo mundo caleidoscópico dos Little Arrow, um universo cheio de cores e sons que nos causam espanto, devido à impressionante quantidade de detalhes que o quinteto coloca a cirandar quase livremente por trás de cada uma das canções que transbordam do disco.

Após o single, a mais introspetiva e pastoral Pier Maountain é uma verdadeira tela sonora, com a textura barroca da harpa, a serenidade contemplativa da guitarra e a doce opulência do trompete a darem as mãos para mostrar um emaranhado de referências que têm como elemento agregador a busca de um clima sonoro com uma elevado cariz ambiental, mas que não deixa de ser acolhedor, animado e otimista. A percurssão de Loss Um, o sample inicial de Diamond Shy e a vila acústica que se segue, assim como  o conjunto de sons e incontáveis referências e detalhes que borbulham enquanto estes temas se desenvolve e crescem, são mais duas janelas que os Little Arrow nos abrem para contemplarmos canções recheadas de versos intrigantes, instigadores e particularmente melódicos. Depois, há ainda Ha Ha Happiness, uma canção com uma energia contagiante e diferente das restantes, com um espírito mais rock e que demonstra a tal versatilidade que os Little Arrow demonstram possuir e Flat Earth, War Drones e Holding & Knowing, três temas que plasmam a enorme capacidade que este coletivo possui para escrever canções que tocam fundo e que transmitem mensagens profundas e particularmente bonitas.

Domina Furious Finite um som essencialmente bucólico, épico e melancólico, que pode servir de banda sonora para um mundo paralelo cheio de seres fantásticos e criaturas sobrenaturais, como ilustra a capa de um disco que sugere que encontremos no seu interior uma harmoniosa fonte de conhecimento e inspiração musical e espiritual de toda a espécie, de todos os tempos ou apenas de hoje. Ao encararmos o seu conteúdo com particular devoção, percebemos que essa suposição inicial terá alguma razão de ser já que o mesmo é a expressão prática de uma explosão de criatividade que nunca se descontrola nem perde o rumo, numa receita pouco clara e nada óbvia, mas com um resultado incrível e único. Espero que aprecies a sugestão...

 01. Government Bodies

02. Medicine Moon
03. Pier Mountain
04. Lossum
05. Diamond Shy
06. Flat Earth
07. War Drones
08. Holding & Knowing
09. Ha Ha Happiness
10. Spider
11. Hedgerow

 


autor stipe07 às 18:02
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