Domingo, 14 de Dezembro de 2014

Dirt Dress - Revelations EP

Ativos desde 2007, ano em que se estrearam com o EP Theme Songs, os norte americanos Dirt Dress vêm de Los Angeles, na Califórnia e têm no indie rock a sua força motriz, uma sonoridade que não é inédita, mas que, neste caso, é feita com enorme originalidade, já que o grupo tem uma forma muito própria de conjugar a guitarra com os sintetizadores, como ficou particularmente explícito em Donde La Vida No Vale Nada, o último trabalho do trio, editado em novembro de 2012. Agora, estão de regresso com mais quatro canções, ensacadas num EP intitulado Revelations, que viu a luz do dia a dezoito de novembro, por intermédio da Future Gods.

Twelve Pictures foi o primeiro tema do EP divulgado pelos Dirt Dress e logo aí percebeu-se que vivem muito de referências do passado, nomeadamente o garage rock dos anos sessenta e a psicadelia da década seguinte. O breve interlúdio feito com um saxofone, as guitarras e a voz, levam-nos de volta aos primórdios do punk de cariz mais lo fi, em plena década de setenta e onde não falta aquele travo do surf pop psicadélico, numa canção que também comprova o elevado grau de emotividade e de impressionismo que o projeto coloca nas suas letras (I’ve cut myself so deep I’ve seen my muscles bleed).

O clássico rock sombrio e visceral, misturado com o punk e o surf rock mais obscuro, são, portanto, o grande referencial sonoro do grupo, mas também a pop experimental, a surf pop dos anos sessenta e a pop alternativa dos anos oitenta. Assim, a ânsia, a rispidez e a pura e simples crueza, são amenizadas por um grande cuidado na produção e nos arranjos, principalmente nas cordas e por uma utilização assertiva do sintetizador.

Além de Twelve Pictures, temas como Skin Diving e, principalmente, Silk Flowers, plasmam um superior cuidado não só na procura de uma diversidade melódica e até instrumental, mas também na demonstração de controle das operações, mas sem deixar que isso ofusque o charme exalado pelo universo cinzento e nublado que cobre a mente criativa do coletivo. Isso também é conseguido no modo como as canções aconchegam a voz, quase sempre colocada numa postura um pouco lo fi, o que lhe dá uma tonalidade fortemente etérea e ligeiramente melancólica.

Interessantes no modo como dissecam uma já clássica relação estreita entre o rock de garagem, a pop lo fi e o punk psicadélico e exímios na forma como colocam na voz o tal cariz algo sombrio que tão bem os carateriza, em Revelations os Dirt Dress apresentam-nos quatro canções cheias de estilo, tão enevoadas como a penumbra que rodeia o próprio grupo, mas também tão luminosas como só as bandas que sabem ser eficazes à sombra das suas próprias regras conseguem ser. Espero que aprecies a sugestão...


autor stipe07 às 17:07
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Sábado, 13 de Dezembro de 2014

Rocco DeLuca – Rocco DeLuca

Natural de Silver Lake, na Califórnia, Rocco DeLuca lançou no passado mês de agosto Rocco DeLuca, um disco homónimo e produzido por Daniel Lanois que, com um pomposo alinhamento de onze músicas, aposta numa pop e num indie rock que entre o nostálgico e o esplendoroso, tem algo de profundamente dramático e atrativo. Este é um trabalho diversificado, acessível, com melodias orelhudas e que foi alvo de uma produção aberta e notoriamente inspirada.

A toada ritmada, enigmática e cheia de groove de Colors Of The Cold, o single já retirado do disco, faz-nos, de imediato, procurar perceber porque é que ao mesmo tempo que damos por nós a abanar as pernas ao ritmo da música e a tentar perceber porque é que uma pop tão orelhuda e exuberante tem de se apresentar perante nós com um grau de exigência particularmente elevado. De seguida, sentimos a necessidade de procurar uma clara perceção da mensagem que o tema nos transmite. A música de Rocco DeLuca é mesmo assim, comunica connosco implacavelmente, não permite qualquer sentimento de indiferença e consegue cativar com notória facilidade.

A percussão de Free e as cordas de Feather And Knife, dois verdadeiros opostos e a folk introspetiva de Everything Hurts e Thief And The Moon surpreendem apenas quem não estiver disposto a aceitar a essência de um disco que sobrevive na procura de diferentes caminhos, sem nunca resvalar numa perigosa monotonia, já que o grau qualitativo dos arranjos, que incluem alguns sopros e metais algo implícitos, é o grande suporte de uma sonoridade que nos coloca lado a lado com alguns dos melhores fundamentos daquilo que define o som caraterístico de uma América profunda, sempre sedenta de novos e diferentes espetros sonoros e, ao mesmo tempo, muito ciosa das suas raízes. Se o falsete de Rocco e a eletrificação da guitarra em Congregate são um excelente exemplo do modo como este músico e compositor consegue criar um claro clima nostálgico, sem descurar a criação de sons inteligentes e solidamente construídos, já a percussão e o dedilhar de The World (Part 1) emerge-nos no particular universo nativo em pleno mojave, que, curiosamente, apesar do pó que levanta, provoca um suor que exala um certo erotismo, que se sentem novamente quando em Through Fire a batida sincopada, muito bem acompanhada por uma linha melódica sintetizada deliciosa e uma guitarra encorpada, fazem dessa canção uma festa pop, psicadélica e sensual.

Este cruzamento assertivo entre um certo blues e a pop mantém-se até ao final do alinhamento, com o sintetizador a ter, finalmente, o protagonismo que merece em Two Bushes, outro exemplo que prova que este artista norte americano coloca, com particular mestria, elementos orgânicos lado a lado com pormenores eletrónicos deliciosos.

A música de Rocco DeLucca aposta nesta relação simbiótica, feita com o simples dedilhar da guitarra acomodada pelo baixo e por um sintetizador aveludado que se esconde atrás dos ritmos, para a criação de canções que procuram ser orelhudas, de assimilação imediata e fazer o ouvinte despertar as suas pretensões emotivas, porque é tudo conjugado de uma forma simples, mas eficaz.

Rocco DeLuca é um compêndio musical fresco e luminoso, com substância e onde cabem todos os sonhos, criado por um músico impulsivo e direto, mas emotivo e cheio de vontade de nos fazer refletir. Mesmo nos instantes mais melancólicos e introspetivos, não há lugar para a amargura e o sofrimento e o que transborda das canções são mensagens positivas e sedutoras. Rocco DeLuca é exímio na forma como se apodera da música pop para pintar nela as suas cores prediletas de forma memorável, com um otimismo algo ingénuo e definitivamente extravagante, onde cabe o luxo, a grandiosidade e uma intemporal sensação de imunidade a tudo o que possa ser sombrio e perturbador. O disco impressiona não só pela produção musical, mas principalmente porque sustenta uma áurea de felicidade, mesmo nos momentos mais contidos e prova que este Rocco DeLuca é um músico inventivo, de rara sensibilidade e que não tem medo de fazer as coisas da forma que acredita. Espero que aprecies a sugestão...

Rocco DeLuca - Rocco DeLuca

01. Colors Of The Cold
02. Free
03. Feather And Knife
04. Congregate
05. Everything Hurts
06. The World (Part 1)
07. Through Fire
08. Thief And The Moon
09. Two Bushes
10. Will Strike
11. Simple Thing


autor stipe07 às 14:35
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Sexta-feira, 12 de Dezembro de 2014

Deerhoof - La Isla Bonita

Os Deerhoof são uma banda rock de São Francisco, formada por John Dieterich, Satomi Matsuzaki, Ed Rodriguez e Greg Saunier e estão de regresso aos discos com mais dez canções, certamente impregandas com um indie rock carregado de distorções e pesadas batidas que chocam com o punk e o hip hopriffs carregados de groove e toda a amálgama desorientada de texturas sonoras que possas imaginar. A rodela chama-se La Isla Bonita e viu  luz do dia a três de novembro através da Polyvinyl Records.

Impressionado pelos Deerhoof quando escutei, há uns dois anos Breakup Song, aguardava com confessada expetativa um novo trabalho deste coletivo norte americano que, em abono da verdade, não defraudou as minhas expetativas mais otimistas. Nos Deerhoof, quanto maior for a sensação de caos e confusão nos nossos ouvidos, maior é a vontade que se tem de elogiar a sua música e em La Isla Bonita aquele lixo sonoro, completamente metefórico, que achei sublime em Breakup Song, mantém os seus altíssimos padrões qualitativos, com a voz da japonesa Satomi Matsuzaki, uma miúda cheia de energia, com quem dá vontade de rebolar num jardim e acabar com a boca cheia de húmus e pétalas de jasmins e malmequeres, a ser, ainda por cima, aquele detalhe que não nos faz hesitar em qualquer instante relativamente ao desejo de escutar este trabalho com frequência e de o balizar com natural louvor.

Em La Isla Bonita há rumba e synthpop, rock e hip hop, guitarras, sintetizadores, sinos, tambores, violas e xilofones, uma praga de instrumentos que nos consomem e Matsuzaki ao megafone em Big House Waltz, numa filosofia de montagem de canções em torre, com loopings e riffs até que a tal torre pareça uma canção e dela se liberte uma energia que nos impele ao movimento indiscriminado. Apesar de o disco conter também belos momentos melódicos, com especial destraque para Mirror Monster, a estrutura caótica, barulhenta e tematicamente reinvindicativa de Paradise Girl é um excelente exemplo do poder de diversão que a música pode ter e, numa banda que, imagine-se, vai já no décimo terceiro trabalho da carreira e conseuge sempre ser, em simultâneo, familiar e surpreendeente, esta vitalidade no modo como se vai constantemente reinventando, ficando tão bem plasmada logo na abetrura de um alinhamento e, já agora, em Exit Only, o primeiro tema ecolhido para single do disco, comprova que dificilmente os Deerhoof têm concorrência á altura no modo como se servem das guitarras distorcidas de Ed Rodriguez e John Dieterich, do baixo sincopado e da constante alternância entre as células rítmicas da bateria de Greg Saunier, particularmente assertiva na já referida Big House waltz, para instaurar um clima caótico que, tendo pontos de encontro com diferentes estilos, é no punk experimental que encontra o porto seguro para quem quiser defini-los de modo mais balizado. Paradise Girls é também uma  boa canção para se perceber o modo como os Deerhoof conseguem manter intacta a sua ideologia e, simultaneamente, abraçarem o inedetismo, mas Last Fad e Doom também cumprem essa dupla função com grande relevância.

Em La Isla Bonita, os Deerhoof mostram-se mais roqueiros e pesados, mas mantêm, a vitalidade habitual, expressa naquela capacidade de experimentar e de compor sem alienar o ouvinte, assim como o espírito que os fez avançar no universo sonoro alternativo, sempre numa posição de merecido destaque, tanto para quem aprecia sonoridades mais comerciais, como para aqueles que procuram algo diferente e profundamente intrincado, psicadélico e até nebuloso. O póprio título do disco, que nos remete, como já terão todos percebido, para o maior sucesso da rainha da pop, é apenas e só um exemplo claro e feliz desta apenas aparente contradição e deste posicionamento a meio caminho entre dois extremos, a verdadeira zona de conforto deste coletivo californiano. Espero que aprecies a sugestão...

Deerhoof - La Isla Bonita01 Paradise Girls
02 Mirror Monster
03 Doom
04 Last Fad
05 Tiny Bubbles
06 Exit Only
07 Big House Waltz
08 God 2
09 Black Pitch
10 Oh Bummer


autor stipe07 às 21:57
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Quinta-feira, 27 de Novembro de 2014

Cold War Kids – Hold My Home

Os norte americanos Cold War Kids regressaram recentemente aos discos com Hold My Home, um trabalho que viu a luz do dia no passado mês de outubro por intermédio do selo Downtown, em parceria com a Sony RED. Esta banda de Silverlake, na Califórnia, tinha-se destacado com Dear Miss Lonelyhearts, o registo discográfico anterior, e este sucessor, produzido por Lars Stalfors e os próprios Cold War Kids, era aguardado também por mim com enorme expetativa.

Disco alegre e expansivo, à custa de emoções fortes embrulhadas em temas simples, adornados com enorme versatilidade e um elevado pendor pop, Hold My Home está longe de se abrigar apenas à sombra de canções melódicas convencionais e reforça o brilho raro de uma banda enérgica e com enormes qualidades intrínsecas, que vêm logo à tona no primeiro single escolhido do trabalho. All This Could Be Yours é um luminoso tratado de indie rock, feito com uma percussão imponente e uma melodia contagiante e uma escolha feliz para uma banda que tem também no seu horizonte conseguir atingir um público vasto e cimentar uma forte base comercial, algo que esta canção poderá propiciar. Aliás, o video já divulgado do tema, onde se vê a modelo Polina Barbasova a passear à noite nas ruas de Londres, de forma apelativa e até hedonista, ao mesmo tempo que se cruza com detalhes físicos com uma simbologia apelativa, em imagens às vezes a preto e branco e de forte apelo sexual, diz tudo sobre o modo incisivo como os Cold War Kids querem conquistar o seu espaço num meio fortemente competitivo.

Mas Hold My Home não é apenas e só All This Could Be Yours e há outras composições que merecem uma audição atenta. Temas como First ou Hot Coals acabam por se situar também na permissa sonora do single, feitos com a envolvência dos teclados a cruzar-se de modo sagaz com guitarras que mudam constantemente de sonoridade e distorção e com o ritmo sempre bem marcado da bateria a ser o complemento ideal destes dois edifícios sonoros enérgicos e intencionalmente meticulosos. Já a tensão que os coros e o solo de guitarra criam na melodia de Drive Desperate, comprovam que há espaço de manobra na capacidade inventiva da dupla para um futuro que tente outras nuances do indie rock de cariz mais experimental.

Além da aposta em melodias aditivas e pegajosas, feitas com uma coleção irrepreensível de sons inteligentes e solidamente construídos, que nos emergem em ambientes carregados de batidas e ritmos, outro trunfo que poderá levar os Cold War Kids a conseguirem os seus intentos é, sem dúvida, o excelente desempenho da voz de Nathan, cujo charme e irrequietismo constantes se posicionam sempre de modo irrepreensível perante os desafios que as melodias colocam. Go Quietly é a canção onde se sente melhor os tempos e o espaço em que a voz se posiciona, atingindo aí o topo qualitativo da performance neste disco, com especial ênfase nos momentos da canção em que acompanha os coros e deles sobressai com intensidade e elevada emotividade.

Disco sem cantos escuros, Hold My Home é um álbum poderoso e orquestral, proposto por uma dupla que certamente procura, através da música, fazer refletir aquela luz que não se dispersa, mas antes se refrata para inundar os corações mais carentes de uma luminosidade sonora que transmita energia. Sem serem demasiado complicados no momento de criar sons e melodias intrincadas, os Cold War Kids expoem de modo particularmente epxlosivo canções que fluem naturalmente e trazem, em alguns momentos, aquela felicidade incontrolável e contagiante que todos nós procuramos. Espero que aprecies a sugestão...

Cold War Kids - Hold My Home

01. All This Could Be Yours
02. First
03. Hot Coals
04. Drive Desperate
05. Hotel Anywhere
06. Go Quietly
07. Nights And Weekends
08. Hold My Home
09. Flower Drum Song
10. Harold Bloom
11. Hear My Baby Call


autor stipe07 às 20:57
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Terça-feira, 18 de Novembro de 2014

The Growlers – Chinese Fountain

Os The Growlers são uma banda norte americana de Costa Mesa, na Califórnia, formada por Brooks Nielsen (voz), Matt Taylor (guitarra), Scott Montoya (bateria), Anthony Braun Perry (baixo) e Kyle Straka (teclas e guitarra) e que descobri já em 2012 por causa de Hung At Heart, o terceiro álbum da discografia do grupo, um disco gravado em Nashville, editado em novembro desse ano através da Everloving Records e que foi produzido por Dan Auerbach dos The Black Keys. Um ano após esse registo, disponibilizaram Guilded Pleasures e agora, novamente com uma cadência quase anual, os The Growlers regressam às edições com Chinese Fountain, um trabalho editado no passado dia três de setembro e disponivel na plataforma bandcamp.

Os The Growlers têm uma sonoridade fortemente influenciada pela psicadelia dos anos sessenta, sendo óbvias referências os The Doors, Country Joe e os Beach Boys da era Pet Sounds. São frequentemente catalogados com uma banda de surf rock, mas a sua sonoridade vai muito além dessa simples bitola. Na verdade, eles focam-se no rock de garagem e no blues como pedras de toque e adicionam uma toada lo fi, que lhes dá um certo charme e uma personalidade ímpar, devido a alguns arranjos inéditos e uma guitarra que, não raras vezes, se aproxima perigosamente da psicadelia.

Esta aparente simplicidade e descomprometimento não será obra do acaso e obedece claramente a um desejo de criação de uma imagem própria, inerente ao conceito de rebeldia, mas sem descurar um apreço pela qualidade comercial e pela criação de canções que agradem às massas.

Os The Growlers têm toda a aparência de conviverem pacificamente com esta dicotomia, mas escapam do eventual efeito preverso da mesma e com mestria, até porque há uma elevada sensação de espontaneidade na maioria deste alinhamento de onze canções, onde não faltam ecos crescentes e explosões percurssivas, como se tivesse sido composto para ser escutado por amigos. Espero que aprecies a sugestão..

The Growlers - Chinese Fountain

01. Big Toe
02. Black Memories
03. Chinese Fountain
04. Dull Boy
05. Good Advice
06. Going Gets Tuff
07. Magnificent Sadness
08. Love Test
09. Not The Man
10. Rare Hearts
11. Purgatory Drive


autor stipe07 às 19:14
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Terça-feira, 11 de Novembro de 2014

Foxygen - ...And Star Power

Sam France e Jonathan Rado são a dupla por trás dos Foxygen, um projeto californiano, natural de Weslake Village, nos arredores de Los Angeles, apaixonado pela sonoridade pop e psicadélica dos anos cinquenta a sessenta e setenta, dois períodos localizados no tempo e que semearam grandes ideias e nos deram canções inesquecíveis, lançaram carreiras e ainda hoje são matéria prima de reflexão. Na estreia, com Take the Kids Off Broadway, (disco criado em 2011, mas apenas editado no ano seguinte) os Foxygen procuraram a simbiose de sonoridades que devem muito a nomes tão fundamentais como David Bowie, The Kinks, Velvet Underground, The Beatles e Rolling Stones. Dois anos depois, com uma melhor produção e maior coesão, o sucessor, We Are The 21st Century Ambassadors of Peace & Magic, disco produzido por Richard Swift, trazia o mesmo horizonte vasto de referências e as inspirações da estreia, mas trabalhadas de forma ainda mais abrangente e eficaz. Agora, ao terceiro trabalho e na Jagjaguwar que desde sempre os abriga, os Foxygen alargam ainda mais os horizontes, libertam-se de qualquer amarra que ainda os poderia limitar e deixam a criatividade evidenciar-se nas mais diversas formas.

No meio de ruídos e alguns diálogos desconexos, mas com vários momentos onde conseguem sintonizar-se no ambiente certo, os Foxygen apresentam um projeto megalómano, uma hora e vinte de música que atesta o amadurecimento natural da dupla, que aprendeu subtilmente a mudar o seu som sem ferir as naturais susceptibilidades dos gostos musicais que cada um dos dois guarda dentro de si e que foram, desde sempre, o grande fator motivacional dos Foxygen, já que não são gostos propriamente convergentes.

...And Star Power é um verdadeiro tratado sonoro carregado de emoção, cor e alegria, uma verdadeira viagem no tempo, mas também um disco intemporal na forma como plasma com elevada dose de criatividade o que de melhor recria atualmente o vintage, ao mesmo tempo que aponta caminhos para o futuro não só da dupla, como de todo um género musical que não se deve esgotar apenas na recriação de algumas das referências fundamentais do passado, mas também subsistir numa demanda constante por algo genuíno e que depois sirva de modelo e de referencial sonoro. O modo como os Foxygen recriam a música de outrora, faz já deles um modelo a seguir para outros projetos que queiram trilhar este caminho sinuoso e claramente aditivo, principalmente pelo modo como, não só no disco, mas mesmo em cada música, conseguem ser transversais e estabelecer pontes entre o passado e o futuro.

Em ...And Star PowerCosmic Vibrations é a canção que melhor mostra as diversas mudanças que o grupo consegue criar dentro da mesma composição. A introdução de quase um minuto tem um tom sexy, acompanhado de um órgão e uma percussão muito subtil. Quando o baixo pulsante entra, a canção começa a tomar um rumo mais rock e sensual, atingindo o auge numa aceleração que é novamente interrompida pela toada anterior, uma espécie de coito interrompido mas que não impede o regresso aos preliminares.

Outros destaques deste disco são, certamente, a balada I Don't Have Anything/The Gate, que tem o melhor refrão de ...And Star Power e You & I, outro instante melancólico que obedece à sonoridade glam dos anos setenta, abastecida pelo período aúreo de Bowie. A quadra Star Power tem um experimentalismo instrumental que se aproxima do blues marcado pelo piano e pelas guitarras, além dos metais e de alguns ruídos que assentam muito bem na sequência de canções, que vão acelerando e aumentando o nível de ruído e de distorção à medida que a sequência avança. A secção de sopros e as vozes, ao terceiro tomo (What Are We Good For), acabam por fazer deste tema um dos grandes destaques do disco, com a toada groove e funky que passeia de mãos dadas com o momento mais rock do álbum, feito de imensas guitarras e de vários instantes sonoros diferentes sobrepostos. Esta sequência, que termina com Ooh Ooh, soa à banda sonora ideal para uma noite bem regada, com alguma agitação e boa música, onde os acontecimentos parecem sair um pouco fora de controle, mas na madruga, tudo acaba bem.

Outro momento que retive foi a sequência feita com percurssão e as teclas em Mattress Warehouse e o lado mais lisérgico e desconexo dos Foxygen plasmado em 666 e Wally's Farm e na sedutora Cannibal Holocaust, uma música que embarca num clima enganadoramente doce e, por isso, potencialmente lisérgico. Até ao final, parece haver um aumento no volume de acidez que abastece a dupla e, quer em Hot Summer, quer em Cold Winter/Freedom aumenta a frequência de vozes perturbadoras e sons desconexos, com a última a ser uma viagem hipnótica de seis minutos obscura, áspera e aterradora, um clima que apenas diminui lentamente em Can’t Contextualize My Mind e Brooklyn Police Station. O alinhamento encerra com Everyone Needs Love e Hang, dois temas que nos ajudam a aterrar em segurança, de forma amena, doce e otimista, mas sempre de mãos dadas, como não podia deixar de ser, com o soft rock e a psicadelia.

Deliciosamente arrojado e mal acabado, ...And Star Power é um ensaio de assimilação de heranças, como se da soma que faz o seu alinhamento de vinte e quatro canções nascesse um mapa genético que define o universo que motiva os Foxygen, uma banda com uma identidade muito própria e um sentido melódico irrepreensível. Numa dupla que primeiro se estranha, mas depois se entranha, é um impressionante passo em frente quando comparado com os registos anteriores, num disco vintage, fruto do psicadelismo que, geração após geração, conquista e seduz, com as suas visões de uma pop caleidoscópia e o seu sentido de liberdade e prazer juvenil e suficientemente atual, exatamente por experimentar tantas referências do passado. Espero que aprecies a sugestão...

I: The Hits & Star Power Suite
Star Power Airlines
How Can You Really
Coulda Been My Love
Cosmic Vibrations
You & I
Star Power I: Overture
Star Power II: Star Power Nite
Star Power III: What Are We Good For
Star Power IV: Ooh Ooh
II: The Paranoid Side
I Don’t Have Anything / The Gate
Mattress Warehouse
666
Flowers
Wally’s Farm
Cannibal Holocaust
Hot Summer
III: Scream: A Journey Through Hell
Cold Winter / Freedom
Can’t Contextualize My Mindi
Brooklyn Police Station
The Game
Freedom II
Talk
IV: Hang On To Love
Everyone Needs Love
Hang


autor stipe07 às 20:21
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Sexta-feira, 31 de Outubro de 2014

The Airborne Toxic Event – Wrong

Depois de Such Hot Blood, os norte americanos The Airborne Toxic Event, uma de uma banda de Los Angeles formada por Mikel Jollett (voz, guitarra, teclas), Steven Chen (guitarra, teclas), Noah Harmon (baixo, voz), Daren Taylor (bateria) e Anna Bulbrook (viola, teclas, tamborim, voz), estão de regresso aos discos com Dope Machines, o quarto trabalho da carreira do coletivo, ainda sem data de lançamento anunciada.

Wrong é o primeiro avanço divulgado de Dope Machines e, pelo sintetizador qe passeia livremente pela canção, ditando o rumo dos acontecimentos, a eletrónica terá um papel ainda mais preponderante no futuro deste coletivo. Confere...

The Airborne Toxic Event - Wrong


autor stipe07 às 13:11
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Sexta-feira, 24 de Outubro de 2014

Allah-Las – Worship The Sun

Naturais de Los Angeles, os norte americanos Allah-Las são Miles, Pedrum, Spencer e Matt e têm um novo disco intitulado Worship The Sun, um trabalho lançado por intermédio da Innovative Leisure no último dia dezasseis de setembro e que sucede a um homónimo que foi o disco de estreia da banda, editado em 2012.

Os Allah-Las estão atrasados ou adiantados quase meio século, depende da perspetiva que cada um possa ter acerca do conteúdo sonoro que replicam. Se na década de sessenta seriam certamente considerados como uma banda vanguardista e na linha da frente e um exemplo a seguir, na segunda década do século XXI conseguem exatamente os mesmos pressupostos porque, estando novamente o indie rock lo fi e de cariz mais psicotrópico na ordem do dia, são, na minha modesta opinião, um dos projetos que melhor replica o garage rock dos anos sessenta e a psicadelia da década seguinte.

Depois de terem impressionado com o búzio de Allah-Las, estes californianos mantêm a toada no sucessor e trazem o mesmo horizonte vasto de referências e as inspirações da estreia, mas trabalhadas de forma ainda mais abrangente e eficaz. Levam-nos novamente numa viagem que espelha fielmente o gosto que demonstram relativamente aos primórdios do rock e conseguem apresentar, em simultâneo, algo inovador e diferente, através de uma sonoridade muito fresca e luminosa, assente numa guitarra vintage, que de Creedance Clearwater Revival a Velvet Underground, passando pelos Lynyrd Skynyrd, faz ainda alguns desvios pelo blues dos primórdios da carreira dos The Rolling Stones e pela irremediável crueza dos The Kinks.

Começa-se a escutar De Vida Voz e cá vamos nós a caminho da praia ao som dos Allah-Las e de volta à pop luminosa dos anos sessenta, aquela pop tão solarenga como o estado norte americano onde a banda reside. E vamos com eles enquanto nos cruzamos com os veraneantes cor de salmão e de arca frigorífica na mão, que lutam interiormente ao chegar ao carro, sem saberem se a limpeza das chinelas deve ser exaustiva, ou se os inúmeros grãos de areia que se vão acumular no tapete junto aos pedais do Mégane justificam um avanço de algumas centenas de metros na fila de veículos que regressam à metrópole. A praia dos Allah-Las, na costa oeste, começa com o pôr do sol e uma fogueira e continua noite dentro até o vidrão ficar cheio e a areia se confundir com as beatas que proliferam, numa festa feita de cor, movimento e muita letargia.

Quem acha que ainda não havia um rock n' roll tresmalhado e robotizado nos anos sessenta ou que a composição psicotrópica dos substantivos aditivos que famigeravam à época pelos estúdios de gravação não permitia grande rigor melódico, ficará certamente impressionado com a contemporaneidade vintage nada contraditória dos acordes sujos de No Werewolf e do groove da guitarra e de uma voz que parece planar sobre Artifact e Recurring, dois dos melhores temas do disco. Depois, o tema homónimo tem um experimentalismo instrumental que se aproxima do blues marcado pela guitarra acústica, além dos metais e de alguns ruídos que assentam muito bem na canção. Had It All, o single já retirado do disco, obedece integralmente à toada revivalista, com um certo travo folk, numa canção que funde Bob Dylan e Jimmy Hendrix, numa sonoridade simultaneamente grandiosa e controlada. Já as cordas de Nothing To Hide e o efeito que as acompanham, assim como a percurssão groove do tema homónimo e os efeitos hipnóticos da guitarra, sustentam duas das mais belas melodias de um disco que até abraça a folk e o country sulista americano em Better Than Mine

Uma das canções mais curiosas do álbum é 501-415, a peça mais psicadélica e sintética do disco e com um timbre pouco usual, estado aqui o momento mais experimental de um trabalho que mesmo nos momentos puramente instrumentais, como Ferus Gallery, Yemeni Jade e a já citada No Werewolf, não desilude.

Buffalo Nickel tem o melhor refrão de Worship The Sun, uma balada que obedece à sonoridade pop dos anos sessenta e Follow You Down tem um experimentalismo instrumental que se aproxima do blues marcado pelo baixo e pelas guitarras, além dos metais e de alguns ruídos que assentam muito bem na canção, uma atmosfera que se repeate no surf rock de Every Girl, uma forma muito luminosa e festiva de encerrar um disco que feito de referências bem estabelecidas e com uma arquitetura musical que garante aos Allah-Las a impressão firme da sua sonoridade típica e ainda permite terem margem de manobra para futuras experimentações.

Worship The Sun é, como de algum modo já referi, coerente com vários discos que têm revivido os sons outrora desgastados das décadas de sessenta e setenta e é uma viagem ao passado sem se desligar das novidades e marcas do presente. É um ensaio de assimilação de heranças, como se da soma que faz o seu alinhamento nascesse um mapa genético que define o universo que motiva esta banda californiana. É um disco vintage, fruto do psicadelismo que, geração após geração, conquista e seduz, com as suas visões de uma pop caleidoscópia e o seu sentido de liberdade e prazer juvenil e suficientemente atual, exatamente por experimentar tantas referências antigas. Espero que aprecies a sugestão...

Allah-Las - Worship The Sun

01. De Vida Voz
02. Had It All
03. Artifact
04. Ferus Gallery
05. Recurring
06. Nothing To Hide
07. Buffalo Nickel
08. Follow You Down
09. 501-415
10. Yemeni Jade
11. Worship The Sun
12. Better Than Mine
13. No Werewolf
14. Every Girl


autor stipe07 às 22:15
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Quinta-feira, 23 de Outubro de 2014

Dirt Dress - Twelve Pictures

Dirt Dress - Twelve Pictures

Ativos desde 2007, ano em que se estrearam com o EP Theme Songs, os norte americanos Dirt Dress vêm de Los Angeles, na Califórnia e têm no punk rock a sua força motriz, uma sonoridade que não é inédita, mas que, neste caso, é feita com enorme originalidade, já que o grupo tem uma forma muito própria de conjugar a guitarra com os sintetizadores, como ficou particularmente explícito em Donde La Vida No Vale Nada, o último trabalho do trio, editado em novembro de 2012.

Twelve Pictures é o novo tema divulgado pelos Dirt Dress e fará parte de Revelations, o próximo EP do grupo, que verá a luz do dia a dezoito de novembro por intermédio da Future Gods. O breve interlúdio feito com um saxofone, as guitarras e a voz que se escuta em Twelve Pictures, levam-nos de volta aos primórdios do punk de cariz mais lo fi, em plena década de setenta e onde não falta aquele travo do surf pop psicadélico, numa canção que também comprova o elevado grau de emotividade e de impressionismo que o projeto coloca nas suas letras (I’ve cut myself so deep I’ve seen my muscles bleed). Confere...


autor stipe07 às 13:39
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Quarta-feira, 15 de Outubro de 2014

Meatbodies - Meatbodies

Natural de Los Angeles, na Califórnia, o norte americano Chad Ubovich tem-se destacado como baixista e guitarrista na banda de Mikal Cronin e como baixista nos FUZZ, um dos projetos do inconfundível Ty Segall. No entanto, ele também tem a sua própria banda, juntamente com os músicos Cory Thomas Hanson e Riley Youngdahl; Chamam-se Meatbodies e no passado dia catorze de outubro editaram um longa duração homónimo, através da insuspeita In The Red, que Larry Hard, responsável dessa etiqueta, enviou em boa hora para a minha redação, já que me tem proporcionado a audição de um excelente álbum de indie rock.

Meatbodies: (left to right) Patrick Nolan, Chad Ubovich, Ryan Moutinho, Killian De Luke - PHOTO BY ALICE BAXLEY

A visceral sequência de abertura de Meatbodies, formada por Disorder, Mountain, HIM e, principalmente, o single Tremmors, mostra-nos logo ao que vem este projeto, que aposta em canções que explodem em cordas eletrificadas e que clamam por um enorme sentido de urgência e caos, um incómodo sadio que não nos deixa duvidar acerca do ADN do grupo, ao longo dos poucos mais de quarenta e cinco minutos que duram as doze canções do disco.

Quem arriscar a audição deste verdadeiro tratado sonoro a transbordar de fuzz e de distorção, deve preparar-se antecipadamente para embarcar numa viagem que leva-nos do noise, ao grunge (Gold), passando pelo punk, o rock psicadélico, o surf rock e o rock lo fi típico da década de noventa, à medida que se sucedem canções simples, mas verdadeiramente capazes de empolgar os ouvintes.

E Meatbodies não vive só de guitarras; Basta escutar-se o baixo na já referida Mountain e em Transparent World para se perceber a importância que este instrumento também tem para a exploração de um som alongado, além de ser um factor decisivo para o abraço constante que junta o punk com a psicadelia, de modo a criar uma atmosfera verdadeiramente nostálgica e hipnotizante. As próprias cordas de um violão em Plank e Dark Road fazem desses temas dois instante de audição obrigatória para quem quiser deixar-se absorver pela lisergia de um espaço sideral musical, que oscila, neste caso, entre o rock sinfónico e guitarras elétricas e acústicas experimentais, com travos de krautrock.

Se globalmente há uma forte tendência para a produção lo fi, este trabalho prova que os Meatbodies apreciam uma maior aproximação ao clima natural de quem não receia transitar entre o presente e o passado, através da definição de um som atento às tendências atuais, digitalmente cuidado, mas que também bebe da nostalgia instrumental firmada há três ou quatro décadas. Por exemplo, na sequência Wahoo e Two, e mesmo em Plank, a sonoridade ensolarada da década de sessenta e o rock de garagem dos anos setenta estão por todo o lado, em canções que não ferem os ouvidos mais incautos, mas que não deixam de nos espancar com uma extraordinária sequência de ruídos estrondosos, mas bastante assertivos e inspirados.

Estes Meatbodies querem parecer grandes, nomeadamente quando abraçam a psicadelia e buscam momentos de pura exaltação, em busca de um lugar no meio de outros gigantes da cena alternativa. Meatbodies é um verdadeiro delírio para os apreciadores deste espetro sonoro, um trabalho onde este grupo californiano arremessa e agita a sua insana cartilha, que até inclui detalhes de garage folk e rock blues, fazendo-o com uma capacidade inventiva que se pronuncia instantaneamente, através de um desejo inato de proporcionar o habitual encantamento sem o natural desgaste da contínua replicação do óbvio. A verdade é que o som deles é uma espécie de roleta russa e um caldeirão de originalidade, que acaba por transportar o ouvinte para uma espécie de bad trip musical, através de um veículo sonoro que se move através de uma sucessão de loopings bizarros, mas ainda assim dançantes. Espero que aprecies a sugestão...

Album-Art-for-Meatbodies-Meatbodies

01. The Archer
02. Disorder
03. Mountain
04. HIM
05. Tremmors
06. Plank
07. Gold
08. Wahoo
09. Two
10. Off
11. Dark Road
12. The Master

 


autor stipe07 às 19:15
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