man on the moon

Bravestation - IV

stipe07 — Fri, 17 May 2013 21:19:06 GMT

Depois de Giants Dreamers, álbum editado no verão passado e que divulguei oportunamente, os Bravestation dos irmãos Devin Wilson (voz e baixo) e Derek Wilson (guitarra) e de Andrew Heppner (teclados e sintetizadores) e Jeremy Rossetti (bateria e percurssão), estão de regresso aos discos com IV, um EP editado no passado dia catorze de maio. Entretanto já divulgaram alguns singles desse novo álbum, sendo o mais recente Somewhere We Belong, canção disponível para download no bandcamp da banda, assim como o restante EP.

Liricamente, as quatro canções deste EP contam histórias que misturam fantasia com realidade e que depois ganham vida com canções emotivas, luminosas e cheias de cor (We use emotional experiences from real life and try to recreate them in another world).

Sonoramente, estes quatro rapazes de Montreal, no Canadá, misturam elementos do R&B com a new wave e a eletrónica, criando paisagens sonoras com uma atmosfera e abordagem tendencialmente pop. Conseguem colocar uma elevada dose de groove nas canções, salientadas pelo ligeiro abanar de ancas que proporcionam. Os anos oitenta estão bastante presentes, quer nos efeitos hipnóticos colocados na voz, como nos sintetizadores, que recriam a sonoridade típica dessa década. E, à semelhança do que acontece com outros projetos similares contemporâneos, é possível sentir aqui que a abordagem a esses gloriosos anos da pop soa, ao mesmo tempo, como um retrocesso temporal, mas também algo sonoramente futurista. Confere...

01. All We Have Is Us
02. Somewhere We Belong
03. Ancient Kids
04. Rain Child

Mesita - XYXY EP

stipe07 — Sat, 04 May 2013 21:01:24 GMT

Um ano após o lançamento do álbum Coyote, o norte americano Mesita, ou seja, o músico de vinte e quatro anos James Cooley, natural de Denver, no Colorado, acaba de divulgar um novo EP. A belíssima coleção de quatro canções chama-se XYXY, foi lançada no passado dia vinte e três de abril e está disponível para download no bandcamp do músico, graças também à sempre louvável generosidade do mesmo.

Mesita é um projeto que tem em Sufjan Stevens e os Sea And Cake algumas das suas principais influências. O EP começa com Alone Is Okay, um tema introdutório e com um forte teor introspetivo, guiado por um piano muito melódico, alguns metais e a voz de James em falsete. Depois, Hostages mantém o mesmo piano, mas já inclui uma percussão sintetizada, com uma certa toada soul e a mesma voz de James, mas agora em coro, algo que amplia o pendor emocional do tema. De seguida chega o grande destaque do EP; Kingston é uma canção conduzida por uma percussão rápida e aditiva, acompanhado por um baixo em groove, um sintetizador cheio de loops e efeitos e a voz em eco e quase impercetível do músico a espalhar sensualidade e hipnotismo à canção. Para o fim, chega o tema homónimo, uma canção cheia de charme e com uma nova batida, também rápida mas com algumas variações e os efeitos metálicos de sempre, que incluem cordas e instrumentos de sopro.

XYXY são cerca de quinze minutos muito inspirados de um músico que entretanto já está de regresso ao estúdio para compôr e gravar novos temas pelo que em breve deverão haver novidades de Mesita para podermos disfrutar. Espero que aprecies a sugestão...

Tomorrow’s World – Tomorrow’s World

stipe07 — Thu, 02 May 2013 21:43:06 GMT

Editado a oito de abril através da Naïve, Tomorrow's World é o disco homónimo de estreia de um novo projeto francês, suportado numa dupla formada por Jean-Benoît Dunckel dos Air e Lou Hayter, dos New Young Pony Club.

Nos períodos em que os Air estão parados Dunckel costuma aventurar-se, muitas vezes anonimamente, em outros projetos alternativos, que quase sempre se situam na zona de conforto sonora proposta pela banda a que pertence e que também incluem a composição de bandas sonoras. Um desses devaneios foi Darkel, o seu projeto a solo de 2006 que germinou o disco homónimo Darkel. E agora, em 2013, surgiram os Tomorrow's World, cujo nome é inspirado numa antiga e famosa série televisiva britânica. Desta vez, a outra face é feminina, neste caso a lindíssima Lou Hayter e desta dupla cheia de charme só poderia vir algo muito requintado, como aquilo que é apresentado nas onze canções do homónimo de estreia.

Em Tomorrow's World ouve-se mais reminiscências da dupla de Versailles, nos arredores de Paris, do que dos New Young Pony Club, o que deverá significar que as rédeas ficaram nas mãos de Dunckel. A eletrónica está muito presente, mas na versão mais calma, melódica e clássica.

Um dos meus temas preferidos do disco é A Heart That Beats For Me, uma canção com uma certa doçura chic que me fez lembrar o saudoso Moon Safari (1998). Há igualmente uma escrita apurada, que resultou em notáveis momentos de poesia, com realce para as letras de Don’t Let Them Bring You Down (It’s not the time of year that brings me down/It’s not the rain that’s falling down, down/It’s all the people who are not around. e de Drive (Follow the moon through the night/ I feel the pull of the machine/The blood is rushing to my head/I’m driving closer to the edge).

Mesmo que Dunckel, por ter na mão as tais rédeas, não fuja aqui muito do estilo eletrónico típico dos Air, é importante ressaltar a bela voz de Lou Hayter que casa muito bem com as viagens climáticas e etéreas que o seu parceiro compôe, com a performance vocal da miúda a destacar-se em Think Of Me, uma canção que assenta numa melodia simples de um teclado e Insider, já para não falar do charme de Pleurer Et Chanter, acentuado por a música ser cantada em francês. Esta canção mistura também um baixo espacial, com um piano etéreo e uma batida que fazem dela uma espécie de trip ácida implícita. A já citada Drive, sonoramente remete-nos para os anos oitenta e o movimento new wave mais dançante, típico de uns Human League e, finalmente, So Long My Love, uma canção cheia de efeitos, tem influências bem vincadas do krautrock.

À imagem da capa do disco, Tomorrow's World acaba por ser uma excelente banda sonora para uma viagem noturna pelas ruas de uma cidade e este é, quanto a mim, um projeto que reúne dois músicos de talento e que, por isso, pode vingar no futuro. Espero que aprecies a sugestão...

01. A Heart That Beats For Me
02. Think Of Me
03. Drive
04. Pleurer Et Chanter
05. So Long My Love
06. Don’t Let Them Bring You Down
07. Metropolis
08. You Taste Sweeter
09. Catch Me
10. Life On Earth
11. Inside

CHVRCHES - Recover EP

stipe07 — Tue, 23 Apr 2013 20:57:52 GMT

Os CHVRCHES são Iain Cook, Martin Doherty e Lauren Mayberry, um trio de Glasgow, na Escócia e Recover é o EP de estreia a banda, editado no passado dia vinte e seis de março por intermédio da Glassnote. Os CHVRCHES são uma das novas sensações da indie pop atual de cariz mais eletrónico e experimental e, devido a este EP, vistos como uma das potenciais grandes bandas dos próximos anos.

Para que se faça justiça a este novidade refrescante, os CHVRCHES devem, antes de mais, ser reconhecidos pela capacidade que demonstram em reinventar um pouco mais a pop, um género musical há algum termpo muito saturado de propostas e onde só os grandes talentos conseguem realmente se distinguir dessa amálgama sonora que a pop diariamente nos dá. Alguma excentricidade acaba por ser aquele detalhe precioso que os faz sobressair e fazer com que as canções de Recover, ainda que assentes num clima experimental e numa sonoridade livre de padrões, possam ter um acabamento ao mesmo tempo radiofónico e aprazível.

Não há como não reconhecer que a voz de Lauren Mayberry é impecável no balanço entre altos e baixos e dá-nos refrões facilmente cantaroláveis e os sintetizadores ricos acabamentos melódicos, que se aproximam da toada pop da década de noventa, tão em voga no atual cenário alternativo nórdico e que nos remete para trabalhos mais recentes de um James Blake mais dançável, dos The Knife ou dos Fever Ray, entre outros. Música pop na melhor formatação vendável das melodias, mas livre de exageros ou conceitos dispensáveis.

Bastam os instantes iniciais de ZVVL para perceber que há muito por trás da massa encefálica da tríade que compõe a banda. Mas um dos meus destaques e grande surpresa do EP é o conteúdo sonoro de Now Is Not The Time, uma música voltada para as pistas de dança e com as antigas tendências a serem trabalhadas com foco no presente e na novidade.

Como o título anuncia, Recover parece trabalhado de forma a recuperar a boa forma da música, neste caso a pop, através da apresentação ao público de uma míriade de possibilidades e transformações que encarnam um duelo constante entre a ausência de novidade na essência, mas usando sons do passado como um instrumento favorável ao ineditismo. Em suma, aplicar a velha fórmula de olhar para o que já foi feito em busca da conquista de algo novo. Uma estratégia repetida por centenas de outras bandas, mas que parece dar certo nas mãos do CHVRCHES. Espero que aprecies a sugestão...

Echopark - Trees

stipe07 — Mon, 22 Apr 2013 21:49:08 GMT

Echopark é o novo projeto do italiano Antonio Elia Forte, um músico a residir atualmente em Londres. Trees, lançado a dezasseis de abril, é o disco de estreia e foi gravado quase inteiramente num quarto arrendado em Whitechapel, nos arredores da capital britânica, com meios instrumentais rudimentares e apenas uma mão cheia de microfones.

Teleportation é o primeiro single retirado de Trees. O video foi realizado por Valentina Dell’Aquila e o download do tema pode ser feito gratuitamente através da página do soundcloud da editora Enclaves.

Antonio é natural de Lecce onde, com cinco anos, pegou na guitarra que era do seu pai e começou a querer tocar. Lecce é uma cidade mediterrânica do sul de Itália conhecida pelo bom tempo durante todo o ano e pelo dinâmico movimento underground. É um local onde proliferam músicos, e praticantes de skate e surf. Em Itália acaba por ser o equivalente a Echo Park, uma importante zona industrial de Los Angeles, onde se inspirou para batizar este seu projeto musical.

Para Antonio a imperfeição é um objetivo concreto, uma espécide de ideal que busca com lucidez e um bom gosto que merece amplo destaque. Atualmente abundam propostas sonoras que fazem do ruído e da imprecisão sonora pontos de partida no processo de criação musical e Echopark segue esse rumo, mas fá-lo com inegável mestria, nomeadamente na forma como consegue captar o instante mais emotivo de uma canção e deixá-lo submergir, sem que o conceito lo fi e impreciso seja subjugado.

Trees percorre o mesmo território da dream pop de uns Beach House ou uns Midas Fall, mas sem obedecer ao habitual formato canção, indo mais ao encontro do que, por exemplo, Four Tet ou Youth Lagoon costumam sugerir. É um disco que se deve ouvir de uma enfiada, como um todo, como se fosse apenas um tema de trinta e seis minutos e proporciona sentimentos antagónicos já que é um disco muito acessível mas difícil de descrever. Tem momentos intrigantes, principalmente aqueles em que se ouvem as tais imperfeições, ruídos de fundo e colagens e aqui reside o maior charme do disco porque ficamos sem saber muito bem se são sempre propositadas ou até momentos sonoros involuntários. Tão depressa surgem ruídos sintetizados como um incrível baixo (Mountain) ou sons de cordas perfeitamente limpídos (For Lore), mas sempre com um fundo, que muitas vezes é um simples bater de ondas ou a aspereza do contacto entre dois grãos de areia.

Esta primavera Antonio vai passar do quarto arrendado para os palcos e entrar em digressão para promover Trees. E uma das grandes novidades é que terá uma banda a acompanhá-lo. O disco tem momentos que poderão agradar bastante ao vivo. Espero que aprecies a sugestão...

Cranes

Teleportation

Mountain

Franky

Youth and Fury

Raindrops

Gray Clouds

Brother

No Time To Riot

Waves

For Lore

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Miles - Faint Hearted

stipe07 — Tue, 16 Apr 2013 17:56:07 GMT

Lançado a vinte e sete de março pelo selo Modern Love, casa de Andy Stott, Vatican Shadow e outros artistas que partilham o mesmo interesse sonoro, ou seja, que lidam com composições ambientais e sempre densas, Faint Hearted é o novo álbum de Miles, músico que também integra a dupla Demdike Stare. Faint Hearted é o primeiro disco que Miles lança através da Modern Love e sucede ao bem sucedido Luxury Problems, um dos discos mais aclamados do ano passado.

Faint Hearted contém oito temas inéditos, fragmentos e partículas sonoras que mergulham no uso de sobreposições complexas e ambientais, resultado que passeia tanto pelo dub sombrio como pela eletrónica climática dissolvida nos trabalhos de outros parceiros da Modern Love. Status Narcissism, um tema que apela às pistas de dança, foi a canção escolhida para apresentar a obra e, tal como as restantes canções, é um tema que se serve de várias camadas de sons, manuseadas com um implícito acabamento lo fi, atestando as diferentes linguagens que descrevem o cardápio sonoro de que Miles se foi servindo ao longo da carreira.

O produtor foi dando rédea solta aos sons do mundo eletrónico que se quiseram juntar ao conteúdo de Faint Hearted e da toada jungle de Lebensform, ao techno minimal de Irreligious, acabaram por surgir ambientes quentes e distantes, fabricados por vários sintetizadores que conhecem de cor os caminhos que devem seguir para atingir determinado propósito sonoro.

Faint Hearted não é um disco para as massas, está a anos luz das propostas mais radialistas, mas é rico e diversificado e transporta imagens oníricas, onde a música nos suga devido ao hipnotismo que carrega, muitas vezes apenas assente em encadeamentos repititivos, mas sempre desprendidos de fórmulas estanques.

Miles não teve receio de juntar tudo aquilo que o atrai e de deixar que a própria instrumentação lhe desse dicas sobre a melhor abordagem e a escolha do rumo que algumas canções de Faint Hearted quiseram seguir. Terá sido bastante compensador para ele o processo de composição e gravação, assim como é estimulante para nós perceber a riqueza de cada parcela do disco e ser constantemente presenteado pelo imprevisível ao longo da sua audição. Espero que aprecies a sugestão...

Ólafur Arnalds – For Now I Am Winter

stipe07 — Thu, 11 Apr 2013 21:07:49 GMT

Natural da belíssima Islândia, o compositor Ólafur Arnalds deu-nos no passado dia vinte e cinco de fevereiro a mais recente versão do seu inverno, através de For Now I Am Winter, o seu terceiro disco que, estimados leitores, é um trabalho tão aconchegante que as doze músicas que contém conseguem facilmente tirar-nos o fôlego. For Now I Am Winter contou com arranjos de Nico Muhly e a participação especial, na voz, de Arnór Dan Arnarson em quatro canções, cantor dos Agent Fresco e que já tinha participado no projeto de beneficiência do japonês Ryuichi Sakamoto de apoio às vítimas do tsunami no seu país natal.

Ólafur estreou-se em 2007 com Eulogy For Evolution e é já um dos mais reputados compositores da atualidade. Combina música de orquestra com eletrónica. Além dos dois discos anteriores, Ólafur já tinha editado alguns EPs e composto bandas sonoras de filmes. Ele próprio considera que este disco é, para já, a obra-prima da sua carreira, um álbum que atesta o seu enorme amadurecimento porque embarca numa evolução conceptual sazonal que usufrui do neo-clássico e estabelece-se como um pilar do estilo e que benefecia certamente do salto que deu recentemente da Erased Tapes para a Mercury Classics.

Uma das grandes novidades do álbum é, pela primeira vez nos seus trabalhos, incluir a voz; Se And They Have Escaped The Weight Of Darkness (2010) tinha colocado Ólafur na linha da frente do universo sonoro que abarca, este For Now I Am Winter dá um novo passo em frente, não só por causa dessa inserção vocal, mas principalmente porque expande ainda mais os seus horizontes e aprimora a elegância e o cunho sentimental com que abraça a míriade sonora que de que se serve para compôr.

Se anteriormente era o piano que liderava o processo de composição, neste terceiro disco Ólafur também colocou em enorme plano de destaque as cordas, com particular destaque para o violino. Os arranjos do norte americano Nico também adicionaram novas texturas ao som do compoitor islandês e adicionaram os sintetizadores ao seu cardápio essencial.

O álbum tem momentos coloridos e cheios de emoção e, ao mesmo tempo, instantes que se tornam profundamente pensativos, nostálgicos e melancólicos. E esta dupla sensação é um dos maiores trunfos de For Now I Am Winter, já que cria uma impressionante sensação de beleza e de efeitos contrastantes dentro de nós. Falo seguramente de um disco carregado de contrastes, mas que não deixa de seguir uma linha condutora homogénea que se define pela tal deriva entre a componente mais orquestral e elementos típicos da eletrónica.

A voz de Arnór acaba por fazer dos quatro temas onde o podemos ouvir os destaques maiores de For Now I Am Winter, porque, nas mesmas, o patamar de emoção acaba por ser potenciado, já que este cantor conjuga, por exemplo, a genialidade de Jónsi (Sigur Rós) com a sensibilidade vocal de Martyn Heyne dos dinamarqueses Efterklang.

For Now I Am Winter é uma extraordinária coleção de catorze temas islandeses, misturados com técnicas minimalistas norte americanas e regadas com a tradicional sensibilidade europeia. Simples pianos assombrados por prodigiosos arranjos de cordas, fundem novos e antigos estilos sonoros, uma sugestão que todos irão certamente apreciar...

01. Sudden Throw
02. Brim
03. For Now I Am Winter (Feat. Arnor Dan)
04. A Stutter (Feat. Arnor Dan)
05. Words Of Amber
06. Reclaim (Feat. Arnor Dan)
07. Hands, Be Still
08. Only The Winds
09. Old Skin (Feat. Arnor Dan)
10. We (Too) Shall Rest
11. This Place Was A Shelter
12. Carry Me Anew
13. No. Other (Feat. Arnor Dan)

Woodkid – The Golden Age

stipe07 — Tue, 02 Apr 2013 18:17:41 GMT

Depois do EP de estreia Iron, cujo tema homónimo foi usado por Quentin Tarantino em Django Unchained, já chegou aos escaparates, no passado dia dezanove de março, The Golden Age, o disco de estreia de Woodkid e que também tem essa canção no alinhamento. Woodkid é o nome de um projecto musical criado pelo fotógrafo e realizador francês Yoann Lemoine, um rapaz talentoso e pelos vistos multifacetado.

Apesar de ter demorado cerca de dois anos a ser editado, The Golden Age já causava furor o ano passado quando foram divulgados os temas Run Boy Run e I Love You. Desde o EP que aguardava com alguma expetativa este estreia e confesso ter saboreado com particular gosto o dinamismo e a grandeza deste trabalho.

The Golden Age confirma a estreita ligação entre os dois mundos, o musical e o cinematográfico, onde habita Yoann. Isso está bem evidente quando esta estreia segue as pisadas do primeiro EP e, dessa forma, navega na similar atmosfera ambiciosa e majestosa de Iron, feita com arranjos orquestrais que fazem lembrar a banda sonora de uma epopeia fantástica. Fica evidente que Woodkid aprecia heróis épicos e convive confortavelmente com a grandiosidade sonora que a composição sobre eles exige. E esses heróis poderão ser um simples rapaz que, na tal Run Boy Run, tema que lhe valeu a nomeação para um Grammy, luta pela sua sobrevivência e torna-se num homem cheio de batalhas para enfrentar. Logo a seguir, em The Great Escape, essa personagem encontra, como o título da canção indica, um sempre indispensável refúgio, alimentado com uma base instrumental alegre e repleta de trompetes.

Há uma evidente heterogeneidade entre as catorze canções do disco, onde se incluem dois interlúdios, com destaque para Shadows, uma belíssima ode sinfónica. Logo no início, à delicadeza e sensibilidade do tema homónimo, feitas com pianos e violinos, sucede a atmosfera mais caótica de Run Boy Run. E este dinamismo entre ambientes mais calmos e outros mais agitados vai sendo jogado com vários sons orquestrais e outros mais introspetivos, dos quais destaco, nos primeiros, Iron e Conquest Of Spaces e, nos segundos, Boat Song, Where I Live, uma canção onde Yoann confessa a sua resignação perante a inevitabilidade da morte e as angústias da vida (Where I'm born is where I'll die. Where I live is where I cry) e, principalmente, além do caos agitado, os coros e a voz de Yoann em Stabat Mater.

A audição de The Golden Age é uma viagem a um mundo imaginado por Yoann, com personagens que encarnam a pacatez do nosso quotidiano e que são elevadas a um ímpar patamar de grandeza e admiração porque lutam, diariamente, pela sobrevivência, nessa espécie de mundo, algo surreal, mas onde se refletem os nossos maiores medos, expetativas e interrogações. Como se pode escutar no final, em The Other Side, é intrínseca à natureza humana uma constante insatisfação e que, por isso mesmo, o homem, quer seja um soldado, um príncipe, um pequeno rapaz, ou um agricultor, estará sempre, enquanto existir, em permanente conflito interior, sendo as pequenas vitórias que vai conseguindo contra si mesmo que sustentam o seu crescimento pessoal e que definem as escolhas que vai fazendo ao longo da vida.

No sitio de Yoann poderás conferir algum do seu art work e de vídeos que realizou, nomeadamente os vídeos Born To Die, da Lana del Rey, Dreaming of Another World, dos Mistery Jets e vídeos de Kate Perry, Rhianna e os seus próprios, conhecidos por roçarem sempre o épico e por terem uma estética inconfundível. Espero que aprecies a sugestão...

01. The Golden Age
02. Run Boy Run
03. The Great Escape
04. Boat Song
05. I Love You
06. The Shore
07. Ghost Lights
08. Shadows
09. Stabat Mater
10. Conquest Of Spaces
11. Falling
12. Where I Live
13. Iron
14. The Other Side

Website
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Paperfangs - Past Perfect

stipe07 — Mon, 25 Mar 2013 12:51:59 GMT

Um dos melhores discos que ouvi em 2013 chama-se Past Perfect e assinala a estreia nos trabalhos de longa duração dos Paperfangs, uma banda finlandesa natural de Helsinquia, formada pelos irmãos Jyri e Tarleena e pelo amigo Mikko. Past Perfect viu a luz do dia a vinte e dois de fevereiro por intermédio da Soliti Music e sucede aos EPs ePop006, editado em 2010 e AAVAV, disponibilizado em 2012 e que contém Violet, uma cover de um original dos Kiss Kiss. (O último está disponível para audição no Bandcamp dos Paperfangs e ePop006 pode ser obtido gratuitamente na Eardrums Pop).

Past Perfect é um dos discos que mais tenho ouvido nos últimos dias, muito por culpa de encantadores teclados, de uma batida subtil transversal ao disco e que lhe confere uma textura sonora única e peculiar e de um jogo de vozes quente e intimista. Past Perfect ouve-se com satisfação no carro, no escritório, no quarto, ou no exterior enquanto se pratica exercício físico, sendo um álbum excelentemente produzido e que viaja bem connosco, independentemente do local onde se está.

Não é fácil destacar algumas canções devido à homonegeidade sonora do álbum e à elevada bitola qualitativa do mesmo. Não há pressa e sofreguidão na forma como as guitarras e o sintetizador se cruzam musicalmente entre si e suportam as aproximações com a eletrónica. No entanto impressionou-me In Age, tema que dá o mote para o conteúdo dos cerca de trinta e cinco minutos dos disco e das próximas nove canções e também, logo depois, Bathe In Glory, o primeiro single de Past Perfect e já conhecido há algum tempo, um tema que entra pelos nossos ouvidos com extrema delicadeza, na forma de uma belíssima canção, com uma voz profunda e uma viola que se encaixa perfeitamente num ambiente nostálgico, também potenciado pela luminosidade do sintetizador. This Power destaca-se pelos pequenos toques de uma corneta e um piano profundo, numa simbiose que provoca uma espécie de quebra cabeças que nos implora para que nos dediquemos a identificar as várias camadas sonoras e as diferentes texturas da canção.

All Girls Are Grey é o segundo single já retirado de Past Perfect; Começa de forma muito simples, apenas com a bateria e o sintetizador, para depois receber, de braços abertos, o piano, uma batida dançável e a peculiar voz grave de Jyri.

Para estreia, os Paperfangs não se sairam nada mal. O irmão, a irmã e o amigo dos dois deitaram-se numa nuvem feita com a melhor dream pop escandinava e operaram um pequeno milagre sonoro; Tornaram-se expansivos e luminosos, encheram essa nuvem com uma sonoridade alegre, floral e perfumada pelo clima ameno da primavera que está quase a chegar e o mais interessante é que conseguiram fazê-lo sem grande excesso e com um belíssimo acabamento açucarado, duas das permissas que justificam coerência e acerto na estratégia musical escolhida.

Em suma, Past Perfect é um belíssimo álbum, com um conteúdo grandioso e um desempenho formidável ao nível instrumental e da voz, um tratado musical leve, cuidado e que encanta, não sendo difícil ficarmos rendidos ao seu conteúdo. Espero que aprecies a sugestão...

01. In Age
02. Bathe In Glory
03. Selfless
04. This Power
05. Repeat
06. Darkling, I Listen
07. Widow’s Song
08. Avenue Of Splendours
09. All Girls Are Grey
10. His Famous Last Painting

Doldrums - Lesser Evil

stipe07 — Mon, 18 Mar 2013 19:20:58 GMT

Doldrums é o projeto musical do produtor canadiano Airick Woodhead e Lesser Evil o disco de estreia, lançado no passado dia vinte e cinco de fevereiro pela Souterrain Transmissions.

Lesser Evil é um passeio por diversos estágios e épocas distintas da música experimental. Enquanto a aproximação com sons recentes se entranham no brilho pop da produção musical canadiana, os encaixes sintéticos e a busca pelo etéreo levam-nos para uma variedade de outros mundos, que passam de Björk aos conterrâneos Grimes, um cenário pouco exato, com projeções sonoras sintéticas e vozes que se derretem nos nossos ouvidos e onde o óbvio e o tradicional não cabem.

Este músico de Montreal aborda diferentes detalhes sonoros, com versatilidade, tendo sempre a eletrónica como pano de fundo, algo bem patetne logo no ínicio com She Is The Wave, tema que conta com a participação especial de Guy Dallas e pouco depois em Egypt, dois dos principais destaques deste disco.

Cada canção de Lesser Evil tem uma identidade própria, como se cada tema estivesse isolado dentro da grandiosidade de uma obra discográfica que pode ser, em simultâneo, nos seus diferentes momentos, estranha, sombria e ainda assim atrativa, visto ser imensa a capacidade do produtor em lidar com a suavidade e a constante acessibilidade das melodias.

Como nada aqui é convencional e a voz é quase sempre reproduzida num registo andrógeno, como se fosse mais um instrumento, cada instante sonoro de Lesser Evil parece que nos instiga. Seja como for, apesar de tanta disparidade, os onze temas da rodela podem ser agrupados em dois grandes grupos; Por um lado temas explosivos e que até convidam às pistas, como Anomaly, She Is The Wave e Sunrise e por outro canções com um cariz mais climático, atmosférico e introspetivo, nomeadamente Singularity Acid Face e Lost In Everyone, registos com menor uso da voz e que incorporam um maior cariz experimental.

Apesar das já citadas aproximações às mesmas experiências sonoras climáticas e dançantes que atualmente circulam no cenário musical canadiano e das quais se destacam, no seu universo sonoro, Grimes e Purity Ring, Doldrums é um projeto que mantém uma natureza própria, baseada na sobreposição de sons que hipnotizam e destabilizam em simultâneo e fazem da audição de Lesser Evil um tortuoso (elogio) e sinuoso (outro elogio) passeio sonoro assertivo e inventivo. Espero que aprecies a sugestão...

Intro

Anomaly

She is the Wave (feat. Guy Dallas)

Sunrise

Egypt

Holographic Sand Castles (feat. Sami Nacomi)

Singularity Acid Face

Lesser Evil

Golden Calf

Lost in Everyone

Painted Black

How To Destroy Angels - Welcome Oblivion

stipe07 — Thu, 14 Mar 2013 22:25:18 GMT

Conforme referi em Curtas... LXXXIII, depois de dois EPs e uma enorme ansiedade por parte dos fãs dos Nine Inch Nails e não só, Trent Reznor viu finalmente o seu projeto How To Destroy Angels, editar Welcome Oblivion, o disco de estreia, lançado no passado dia cinco de março pela Sony.

Os EPs editados em 2010 e 2012 já o anunciavam com clareza, mas quem ainda acalentava alguma esperança de encontrar semelhanças óbvias entre os os NIN e estes How To Destroy Angels, viu, felizmente, cair por terra tal pretensão, caso já tenha tido o privilégio de escutar, na íntegra, Welcome Oblivion. E se Trent, um dos maiores egos do rock atual, tem o protagonismo principal neste projeto, não é de descurar o papel fulcral que Mariqueen Maandiq, a sua esposa, desempenha nesta assumida separação concetual, sendo de saudar, por isso, a nova postura do músico para ceder à opinião de terceiros e com eles colaborar, de forma aberta e sistemática, na produção musical. Recordo que além de Trent Reznor e Mariqueen Maandiq, também fazem parte dos How to Destroy Angels, Atticus Ross (o produtor preferido de Trent Reznor) e Rob Sheridan.

Fazendo uma alusão à recente atração de Trent Reznor por bandas sonoras de filmes, Welcome Oblivion podia muito bem ser a banda sonora de um futuro pós apocalíptico, do Blade Runner se fosse realizado hoje. O disco vive da eletrónica e dos ambientes intimistas que a mesma pode criar sempre que lhe é acrescentada uma toada algo acústica, mesmo que haja um constante ruído de fundo orgânico e visceral. É deste cruzamento espectral e meditativo que o disco vive, com treze canções algo complexas e bastante assertivas. Esta complexidade é uma das grandes qualidades de Welcome Oblivion, porque espelha a elevada maturidade dos músicos que compôem os How To Destroy Angels e espelha a natural propensão dos mesmos para conseguirem, com mestria e excelência, manusear a eletrónica digitalmente, através de batidas digitais bombeadas por sintetizadores e adicionar-lhe as clássicas guitarra, baixo e bateria.

Assim, há travos daquele espírito industrial, típico dos NIN, mas com uma carga ambiental assinalável, bem patente, por exemplo, nos temas On The Wing e And The Sky Began to Scream, mas essas batidas sintéticas e repletas de efeitos maquinais, nunca se sobrepôem, em demasiado, ao restante conteúdo sonoro. Ice Age prova esta minha teoria quando a voz de Maandiq e uma certa toada folk fazem do tema dos momentos mais atraentes e diferentes do disco. Recusive Self-Improvement é talvez um dos melhores temas do disco; assenta em elementos minimalistas que vão sendo adicionados a um baixo sintético com um volume crescente.

Um dos maiores destaques de Welcome Oblivion acaba por ser o single How Long, uma feliz escolha para amostra, já que, de certa forma, compila toda a arrojada e diversificada míriade sonora do álbum. Seja pelo ritmo do baixo, por causa do ritmo aditivo, da toada gospel, ou da voz hipnótica, How Long está condenada a ser uma das grandes músicas do ano.

Como já terão percebido, nos How To Destroy Angels, outra cedência óbvia de Trent e que já nos faz duvidar sobre quem realmente mandará lá em casa, tem a ver com a primazia da voz; Aqui a condução do microfone está entregue aos belíssimos dotes vocais da sua esposa. Apesar de Trent também cantar, ela assume-se, através da voz, como o principal fio condutor das treze canções, seja através de um registo sussurrante, ou através de uma performance vocal mais aberta e luminosa e que muitas vezes contrasta com a natural frieza das batidas digitais.

Este extraordinário álbum de estreia de um projeto que merece toda a atenção termina com uma toada mais instrumental, já que os últimos três temas atiram-nos para ambientes eletrónicos de outrora, com os teclados a terem o maior destaque, a construirem diversas camadas sonoras em The Loop Closes e muito bem acompanhados por um piano em Hallowed Ground, um tema plausível como a chuva e onde há uma voz omnipresente entregue a um espírito desolado e que nos remete, devido ao baixo constante, para os sons de fundo de uma típica cidade do mundo moderno.

Welcome Oblivion tem uma forte componente experimental e aconselha-se audições repetidas para que se tenha a perceção clara do seu conteúdo e dos mínimos detalhes. O sucesso da estreia dos How To Destroy Angels depende da predisposição do ouvinte e do cenário que cada um de nós cria tendo em conta a atmosfera sonora proposta. São sessenta e cinco minutos cheios de momentos brilhantes, com diferentes graus de intensidade e que precisa de um tempo que objetivamente merece. Espero que aprecies a sugestão...

1. The wake-up
2. Keep it together
3. And the sky began to scream
4. Welcome oblivion
5. Ice age
6. On the wing
7. Too late, all gone
8. How long?
9. Strings and attractors
10. We fade away
11. Recursive self-improvement
12. The loop closes
13. Hallowed ground

Atoms For Peace - AMOK

stipe07 — Mon, 04 Mar 2013 13:26:47 GMT

Acaba de chegar ao mercado discográfico AMOK, um novo capítulo de uma das parcerias mais inventivas do universo musical, formada por Thom Yorke e Nigel Godrich e que começou nos clássicos do Radiohead, nomeadamente o OK Computer (1997) e o Kid A (2000). Esta colaboração estreita teve como último grande momento o In Rainbows (2007), a última obra prima da banda de Oxford e que reformulou a sonoridade do grupo inglês e influenciou decisivamente a própria industria musical. Agora, em AMOK, o álbum de estreia dos Atoms For Peace, uma banda que conta nas suas fileiras também com Flea, Joey Waronker e Mauro Refosco, Yorke e Godrich dão sequência às habituais experimentações eletrónicas que tanto gostam.

A forma como AMOK está concebido oculta a presença de Flea, Joey Waronker e Mauro Refosco, figuras que talvez merecessem um maior destaque durante no processo de construção do álbum. AMOK tem pouco mais de quarenta e cinco minutos de texturas sonoras assentes na dita eletrónica e com pouco impacto ao nível dos instrumentos convencionais. Fica-se com a perceção que o disco serve especificamente para expandir o universo redundante cultivado por Thom Yorke desde o lançamento de The Eraser (2006) e que Godrich usa o disco para dar sequência às mesmas guitarras que carimbaram o trabalho da sua outra banda, os Ultraísta, projeto com um acabamento sonoro bastante similar e que se estreou em 2012.

Na audição de AMOK somos aprisionados por uma sequência enérgica de sintetizadores, batidas eletrónicas e guitarras sequenciais que naturalmente nos hipnotizam. Músicas como Dropped e Default, por exemplo, são capazes de tomar conta da mente, sem muitas dificuldades, de um qualquer ouvinte mais frágil e sensível, porque mergulham na fase a solo de Thom Yorke e percorrem as guitarras cíclicas do krautrock, uma das marcas das produções recentes de Godrich.

Com uma formatação essencialmente sintética e canções dotadas de forte proximidade rítmica, AMOK parece, muitas vezes, um álbum que saiu de uma fábrica escondida num laboratório caseiro de Godrich. Com um enquadramento musical adequado, o álbum engata numa sucessão de programações matemáticas que se interligam profundamente, com a voz de Thom Yorke a ser alvo de um tratamento acústico identificado logo na primeira música do trabalho, Before Your Very Eyes. Em diversos momentos fica a sensação de que a voz do britânico foi concebida graças ao auxílio constante de softwares ou programas específicos, um composto algo semelhante ao que foi feito em Kid A e similar ao que Kraftwerk e outros representantes do género já propuseram anteriormente.

Ainda que se revele como um verdadeiro concentrado de soluções programadas, em alguns momentos de AMOK, a percussão e as batidas dos demais colaboradores fluem de maneira inventiva e até se deslocam da linearidade que toma conta do disco. Como referi acima, infelizmente não chegam para dar outro destaque aos restantes membros dos Atoms For Peace, porque são instantes raros, sendo os melhores aqueles que se ouvem em Stuck Together Pieces, música em que Joey Waronker e o brasileiro Mauro Refosco mostram finalmente ao que vieram.

AMOK deve ser analisado de um ponto de vista completamente indissociado dos Radiohead já que, a mim parece-me ser apenas um projeto que serve de pretexto para que Thom Yorke e Nigel Godrich, com o beneplácito de mais três músicos, experimentem alguns devaneios sonoros eletrónicos. Quem quiser procurar aqui um trabalho similar às propostas mais sérias, profundas e inventivas que geralmente os Radiohead apresentam, será injusto com a filosofia subjacente a AMOK e a estes Atoms For Peace e estará, indevidamente, a pressentir o desmoronar da imensa capacidade criativa de uma das bandas mais influentes e decisivas do panorama alternativo nos últimos vinte anos. Espero que aprecies a sugestão...

01. Before Your Very Eyes
02. Default
03. Ingenue
04. Dropped
05. Unless
06. Stuck Together Pieces
07. Judge Jury and Executioner
08. Reverse Running
09. Amok

K-X-P - II

stipe07 — Sat, 02 Mar 2013 17:12:51 GMT

Os K-X-P são um trio finlandês, sedeado em Helsinquia e formado por Timo Kaukolampi, Tuomo Puranen e Tomi Leppanen. No estúdio e, às vezes, ao vivo, acompanham-nos Anssi Nykänen. O grupo nasceu das cinzas dos Op:l Bastards e dos And The Lefthanded e começaram a carreira com Kaukolampi a declarar que K-X-P started after I wanted to stop playing in bands. It’s the antidote to normal bands. Its an anti-band. II foi lançado a onze de fevereiro pela Melodic Records e sucede ao disco de estreia, homónimo, editado em 2010.

O disco de estreia dos K-X-P teve críticas bastante favoráveis de publicações tão conceituadas como a Q, Future Music e a Pitchfork. Todas foram unânimes em enuncair o krautrock como a influência de base da sonoridade do grupo, com laivos de jazz, rock, eletrónica e dance music, nas suas mais variadas vertentes.

Este sucessor mantém a mesma bitola sonora da estreia. Foi gravado entre Berlim e Helsinquia, em antigos cinemas, estúdios tradicionais de gravação e utilizaram equipamento vintage, analógico e eletrónico. O conteúdo remete-me imediatamente para os vizinhos dinamarqueses, a dupla Reptile Youth e o seu disco homónimo. Neste II também se combina a energia punk com sons eletrónicos, mas as formas instrumentais, acordes, vozes e todo o aparato de elementos sonoros procuram reproduzir, com um elevado teor experimental, as marcas identitárias do krautrock.

O uso apurado dos sintetizadores, remetem para ambientes algo sombrios, mas as melodias são acessíveis o que provoca uma estranha, mas agradável sensação durante a audição. A canção Melody, logo a abrir, encarna este espírito e não será inocente o título já que o conteúdo perverte as redundâncias naturais do estilo em que está inserida e o mesmo é dançante, rápido e cresce numa mistura que percorre a eletrónica, o pós-punk e a música de dança.

É notório que todo o ambiente instrumental criado foi pensado para os concertos, como se II fosse, só por si, uma enorme jam session, soturna e imprevisível, que mergulha em túneis de ruídos, sintetizadores intransponíveis e o uso assertivo das reformulações musicais.

Mas II não vive só dos sintetizadores. Há sequências felizes de guitarras dançantes, vozes complementares e batidas que aproximam a banda dos alemães Neu!. Temas como Magnetic North e Flags & Crosses são capazes de olhar para o passado, ao mesmo tempo que mantêm firme uma relação com o presente. É quase uma quebra do que naturalmente direciona outros trabalhos do género, com o trio a mostrar ser capaz de manipular toda e qualquer referência de forma a produzir algo novo.

Curiosa é a inserção de pequenos complementos instrumentais que parecem feitos apenas para encher o disco, mínimas inclusões atmosféricas espalhadas por toda a obra, como se fossem uma introdução para outros temas, nomeadamente, Ydolem, RBJTEV, EKMVIV e Reel Ghosts, que têm uma dimensão sonora e temporal muito mais significativa.

Tudo isto somado resulta, como referi anteriormente, numa sequência instrumental hipnótica de oito temas que poderá deixar-nos em transe. A força musical que circula pelo álbum parece ampliar-se em cada nova audição e esse é um dos maiores elogios que se pode fazer a II e a estes K-X-P. Espero que aprecies a sugestão...

01. Ydolem
02. Melody
03. Staring At The Moon
04. RBJTEV
05. Magnetic North
06. EKMVIV
07. In The Valley
08. Tears (Extended Interlude)
09. Flags & Crosses
10. Reel Ghosts
11. Easy (Infinity Waits)
12. Dark Satellite

K-X-P "Magnetic North" directed by Kimmo Kuusniemi (2013) from K-X-P on Vimeo.

Foals - Holy Fire

stipe07 — Fri, 01 Mar 2013 21:42:35 GMT

Depois de Antidotes (2008) e Total Live Forever (2010), os Foals, uma banda de Oxford liderada por Yannis Philippakis, estão de regresso aos discos com Holy Fire, disco lançado pela Transgressive no início de fevereiro. Os Foals têm sido uma banda em constante mutação sonora. Da transposição das guitarras experimentais de Antidotes para o ambiente claustrofóbico de Total Life Forever, esse sempre difícil segundo disco, lançado em maio de 2010, serviu para aproximar a banda do grande público e ajudar a influenciar nomes como os Alt-J (∆), Everything Everything, ou os Egyptian Hip Hop.

A experimentação sonora faz parte do ADN dos Foals e com Holy Fire o grupo sobe mais um degrau no cardápio experimental que o define. Neste terceiro disco vão mais longe porque, além de se afastarem do clima soturno dos momentos experimentais de Total Live Forever e da crueza da estreia, optaram agora por criar um clima mais animado e até dançável. As melodias experimentais de Antidotes ainda estão por toda a parte, o mesmo acontece com a atmosfera densa do último álbum, mas a diferença está na forma como o ritmo convida-nos a dançar. No entanto, ainda há canções que contêm detalhes que fazem a ponte com o passado, nomeadamente Late Night, a climática Moon, ou Milk & Black Spiders, temas que aperfeiçoam de maneira natural e particular muito do que foi produzido anteriormente por esta banda britânica.

Assim, os onze temas de Holy Fire, consolidam as experiências anteriores e fogem ao óbvio de forma madura e cativante, olhando delicadamente para os anos setenta e estabelecendo uma conexão com as pistas de dança do passado e do presente. Tudo isto está claramente plasmado na explosiva Inhaler e na jovial My Number, talvez a canção que melhor carateriza o novo rumo sonoro dos Foals, algo dance punk e com uma natureza instrumental que se divide entre a aceleração dos Gang Of Four e as experimentações dos Talking Heads.

Holy Fire, um disco leve e aventureiro, acaba por ser uma rodela que brinca abertamente com as composições comerciais de maneira individual, sem qualquer pensamento ou amarra sonora que parta de um conceito maior ou que ligue todas as canções. Este álbum produz efeito com o tempo, ou seja, é mais um daqueles discos que exigem várias e ponderadas audições, porque cada canção esconde texturas, vozes, batidas e mínimas frequências acústicas que só são percetíveis seguindo essa premissa. Espero que aprecies a sugestão...

1. Prelude
2. Inhaler
3. My Number
4. Bad Habit
5. Everytime
6. Late Night
7. Out Of The Woods
8. Milk & Black Spiders
9. Providence
10. Stepson
11. Moon

Mister Lies - Mowgli

stipe07 — Thu, 28 Feb 2013 23:34:05 GMT

Nick Zanga é Mister Lies, um produtor que se estreou em 2012 com o EP Hidden Neighbors EP e que agora, quase um ano depois, chega aos discos com Mowgli, álbum editado pela Lefse no passado dia vinte e seis de fevereiro. Escondido no nome Mister Lies, Zanga desenvolve melodias sonoras ambientais e experimentais, que utilizam a sobreposição etérea de batidas, bases atmosféricas e com a voz a ser explorada apenas como um complemento sintético e que serve como um caminho direto para a nuvem climática que paira sobre a sua mente.

Enquanto Toro Y Moi, Washed Out e outros representantes do cenário chillwave atual absorvem a herança dos Boards Of Canada, Zanga parece movido pelo oposto. É como se o produtor partisse do final de tarde que Alan Palomo pinta de forma eletrónica no Era Extraña, o último disco do seu projeto Neon Indiana, para, com oito canções que se escutam como se fossem apenas uma só, construir a banda sonora para um nítido passeio noturno. Surgem assim composições articuladas de forma concisa, uma proposta eminentemente instrumental e com um delineamento sonoro essencialmente amargo e sofrido. Um canto sem voz, mas capaz de conduzir o ouvinte solitário por entre paredes de ruídos acinzentados e sintetizadores minimalistas, todo um acabamento que fragmenta o clima sombrio do R&B em diferentes blocos de som.

Mowgli é um trabalho que mantém no quase um curioso estímulo para o ouvinte permanecer no disco. Com exceção para o saxofone erótico de Trustfalls, não há aquela grandiosidade tantas vezes presente em álbuns do campo sonoro similar. É como se algumas morressem na praia, antes de atingirem um auge, que geralmente se adivinha. Mas isso, quanto a mim, não é um defeito, porque obedece à conceção ideológica de Mowgli e assim, com maior nitidez, Mister Lies expressa a tal amargura que parece querer transmitir e que, possivelmente, não corresponderá ao normal estado de espírito de Zanga, exatamente por assinar como Mister Lies.

Seja como for, Mister Lies não deixa de nos brindar com pequenos instantes de exaltação. É o caso de Align, canção que afasta o produtor da zona de conforto em que está inserido, para brincar com o uso das batidas de forma crescente. Entretanto, é na busca pelo som climático que Mister Lies orienta Mowgli, numa espécie de hipnose musical, um fluxo constante que encaminha o álbum para os tais instantes finais, após um nítido crescimento e que felizmente se deixam ficar pela intenção.

Mowgli pode muito bem vir a ser o começo de uma obra futura de enorme projeção para este produtor e a base da sua futura discografia. Com pitadas de Thom Yorke, Willian Bevan e Chaz Bundick, Mister Lies faz de Mowgli um cartão de visitas que nos obriga a ficar atentos aos seus lançamentos futuros. Espero que aprecies a sugestão...

01. Ashore

02. Dionysian

03. Align

04. Lupine

05. Canaan

06. Ludlow

07. Hounded (feat. Exitmusic's Aleksa Palladino)

08. Trustfalls

STRFKR - Miracle Mile

stipe07 — Tue, 26 Feb 2013 21:57:38 GMT

Os STRFKR (Starfucker) são uma banda norte americana de Portland, no Oregon, formada por Josh Hodges, Keil Corcoran, Shawn Glassford e Patrick Morris. Conforme anunciei no Curtas... LXXVI, Miracle Mile é o último disco da banda, lançado no passado dia dezanove de fevereiro pela Polyvinyl Records.

Os STRFKR (Starfucker), antigos Pyramids, sempre foram uma banda de grandes melodias, letras aditivas e uma sonoridade impecável. Isso é bem evidente ao longo de toda a discografia deste coletivo, disponível para audição gratuita e integral no sitio da editora e com um conteúdo assente em sintetizadores e numa voz peculiar e bem enquadrada. Tem sido assim desde o surgimento do grupo, em 2007, marca que se repete no homónimo lançado em 2008 e no Reptilians de 2011. Após meia dúzia de anos, este era o momento certo para o grupo arriscar um pouco mais, o que aconteceu neste Miracle Mile, o álbum mais coerente e com melhor estratégia musical do grupo.

Em canções como Julius, Florida e mesmo na versão do clássico Girls Just Want To Have Fun de Cyndi Lauper, o novo álbum deixa os teclados fluírem de forma suave e muito encantadora. De mãos dadas com a pop durante toda a audição, este novo disco deixa de lado uma aúrea algo cinzenta que pairava nos outros discos e, tal como a capa colorida de Miracle Mile, os STRFKR operam um pequeno milagre sonoro e tornam-se mais expansivos e luminosos, com uma sonoridade alegre, floral e perfumada pelo clima ameno da primavera que está quase a chegar. E o mais interessante é que conseguem fazê-lo sem grande excesso e com um belíssimo acabamento açucarado, duas das permissas que justificam a tal coerência e acerto na estratégia musical.

Em Miracle Mile há menos pressa e menos sofreguidão na forma como as guitarras e o sintetizador se cruzam musicalmente entre si e as aproximações com a eletrónica, que sempre fizeram parte do ADN dos STRFKR, agora abrem espaço para uma simbiose entre a indie pop da década passada e a folk confortável da década de noventa. Basta contactarmos com o cenário mágico de Say To You ou o clima nostálgico de Fortune’s Fool para ficarmos plenamente convencidos que Miracle Mile é um belíssimo álbum, com um desempenho formidável, ao nível instrumental e da voz e que apesar de faltarem mais canções com um cariz tão comercial como a primeira, não é difícil ficarmos rendidos ao seu conteúdo.

De Toro Y Moi a Foster The People, passando pela synthpop de Leave It All Behind, um tema que passeia pela década de oitenta sem colocar de lado a música pop mais recente, nomeadamente os Passion Pit do álbum Gossamer ou os Ra Ra Riot no recente Beta Love, estamos na presença de uma obra com um conteúdo grandioso e experimentações que interagem com a pop convencional. Em suma, um tratado musical leve e cuidado e que encanta. Espero que aprecies a sugestão...

01. While I’m Alive
02. Sazed
03. Malmö
04. Beach Monster
05. Isea
06. YA YA YA
07. Fortune’s Fool
08. Kahlil Gibran
09. Say to You
10. Atlantis
11. Leave It All Behind
12. I Don’t Want to See
13. Last Words
14. Golden Light
15. Nite Rite

Millionyoung – Variable

stipe07 — Sat, 23 Feb 2013 19:49:26 GMT

Millionyoung é o projeto musical de Mike Diaz, um músico e produtor norte americano, natural de Miami, na Flórida.

Depois de ter lançado Amanecer em julho de 2012, cerca de sete meses depois está de regresso aos lançamentos discográficos com Variable, um álbum lançado no passado dia doze de fevereiro pela Old Flame Records/Rix Records.

Variable é um álbum muito linear e uniforme, já que todos os temas têm uma sonoridade bastante similar e que se baseia numa espécie de simbiose entre a chillwave e o r&b. É um conteúdo sonoro um pouco à semelhança do que fez recentemente Toro Y Moi, no excelente Anything In Return. O disco tem imenso groove e além de destacar o efeito da voz em reverb, que geralmente é um detalhe do meu agrado, também não quero deixar passar em claro a toada funk das linhas de baixo sintetizadas, que dão um certo charme inconfundível aos temas e plasmam o que de melhor se faz atualmente no campo da chillwave. Além do single homonimo, destaco Lovin, uma música que me levou até aos Memory Tapes e o album Seek Magic (2009), uma intrincada composição e que, no seio do disco, representará uma espécie de catarse sónica do seu conteúdo.

É pois muito agradável ouvir o disco na íntegra e a transição entre os temas muitas vezes mal se percebe, já que é tudo muito melódico e bem estruturado. Mais do que para cantar ou dançar, Variable é uma rodela perfeita para relaxar e descontrair. Espero que aprecies a sugestão...

01. Variable
02. Lovin
03. Reciprocal
04. Swish
05. Grow
06. Nao
07. Keeps
08. Everyday
90. It’s Fun To Remember
10. Into Your Heart

Kids Without Instruments - Kids Without Instruments EP

stipe07 — Wed, 20 Feb 2013 21:39:38 GMT

Os Kids Without Instruments são o sonho concretizado de uma dupla de Long Beach, na Califórnia, que se conheceu no Tumblr. Eles são FrankJavCee, um cantor, produtor e escritor de vinte anos e Marion A. Shootingstar, uma cantora de dezanove anos e juntos resolveram começar a fazer música em 2011. Kids Without Instruments é o EP de estreia deste projeto.

A dupla começou a compôr música em conjunto ainda antes de se conhecerem pessoalmente, apenas recorrendo à eletrónica e a sintetizadores de 8-bits. Uma interação mais intensa e pessoal começou quando os dois começaram a estudar juntos cinema na California State Long Beach.

Este EP chamou a atenção da indústria musical indie e recentemente assinaram pela Kobalt Music Publishing, etiqueta que alberga vários nomes de relevo, nomeadamente Skrillex, Bon Iver, Cut Copy, Gotye, Dada Life, Moby, Yeasayer, Kid Cudi, Band of Horses, LMFAO, Beck, Peaches, Tiesto, entre outros.

Um arrojado e curioso sonho que esta dupla alimenta é poderem um dia liderar um projeto de cariz solidário que possa oferecer a crianças de todo o mundo teclados alimentados a energia solar para que, de acordo com a dupla, as crianças descubram o poder da música eletrónica.

Na verdade, os Kids Without Instruments têm esse nome como banda exatamente porque fazem questão de raramente usar instrumentos convencionais, quer em estúdio quer em palco, servindo-se quase sempre de um computador portátil com um MIDI, ou seja, uma especificação para sintetizadores que assegura a reprodução de diferentes instrumentos. Espero que aprecies a sugestão...

Curtas... LXXXVI

stipe07 — Tue, 19 Feb 2013 13:11:30 GMT

Os dance-punkers Chk Chk Chk (!!!), que anunciaram na semana passada o seu regresso com THR!!!ER para vinte e nove de abril, partilharam este fim de semana o primeiro avanço da nova produção. Chama-se Slyd e saúda-nos com uma valente energia funk, com as devidas palmas a acompanhar e um groove afrobeat corpulento num frenesim de samples e batidas opulentas. Slyd está disponível para download no site da banda em troca de um email.

Johnny Depp está a lançar uma coletânea intitulada Son of Rogue's Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs and Chanteys, da qual já consta no alinhamento Keith Richards, Iggy Pop e Tom Waits, entre outros. Agora, outro nome confirmado foi o de Michael Stipe, em dueto com Courtney Love , no tema Rio Grande. Son of Rogue's Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs and Chanteys daterra nos escaparates supostamente hoje.

Os Primal Scream em 2013 estão vivos com novo disco a caminho e o novo video, do tema 2013, já é uma realidade! O álbum chama-se More Light e será editado a seis de maio.

Já passaram treze anos desde que os Primal Scream apresentaram o último grande registo da carreira da banda, o álbum XTRMNTR (2000). Depois disso, apenas alguns singles e participações especiais foram aparecendo e agora resta torcer para que More Light faça reviver o período aúreo deste grupo liderado por Bobby Gillespie.

Um dos discos mais aguardados em 2013 é o dos Phoenix, por responsabilidade da própria banda devido ao excelente Wolfgang Amadeus Phoenix disco editado em 2009. Temas como Litzomania, 1901 e Rome, com melodias agradáveis e que encarnaram excelentes sonoridades pop e indie rock, já nos fazem sentir saudades da banda. Mas parece que Thomas Mars e seus parceiros estão de volta; Bankrupt! chega no dia vinte e dois de Abril e Entertainment é o primeiro single já conhecido.

Desde o lançamento de Galaxy Garden no último ano, que o produtor inglês Lone parece viver um enorme período criativo. Agora chega-nos AM Portal, um tema com cerca de seis minutos e que acompanha a formatação sonora incorporada no decorrer do álbum passado. O tema foi disponibilizado em modo ÉFV. Confere...

The Weatherman - Weatherman (review & entrevista)

stipe07 — Wed, 06 Feb 2013 20:40:38 GMT

The Weatherman é o pseudónimo artístico criado em 2006 pelo multi-instrumentalista portuense Alexandre Monteiro e um projecto pop rock versátil e multifacetado, que se estreou em 2006 com Cruisin’ Alaska, ao qual se sucedeu Jamboree Park at the Milky Way (2009). Agora, no início de 2013, mais concertamente no passado dia vinte e oito de janeiro, chegou Weatherman, a terceira rodela deste cantautor cujo universo pop e pisicadélico sonoros nos remetem para um mundo sonoro diversificado e versátil, onde reina a nostalgia dos anos sessenta e onde nomes como The Beatles ou Beach Boys são referências incontornáveis, além de algumas marcas identitárias da eletrónica atual.

A primeira ideia implícita em Weatherman e que o autor não rejeita totalmente, apesar de considerar que não escreveu canções como se fossem propriamente um diário, ou com a intenção de se expor, nomeadamente na entrevista que me concedeu e transcrita abaixo, tem a ver com, em Weatherman, ter havido uma maior ousadia lírica, já que estas canções sabem ao próprio autor e poderão contar histórias da sua própria existência, através de letras pessoais e intimistas, em contraste aos registos anteriores.

Masterizado por Tim Debney (Thom York, Lilly Allen, Kasabian, Gorillazz, Super Furry Animals, entre outros) no Fluid Mastering em Londres e com uma produção impecável a cargo de João André, sonoramente o disco é homogéneo, tem canções muito alegres e que tanto dão para abanar a anca, como para apelar aos nossos sentimentos mais profundos. As mesmas estão cheias de sintetizadores, teclados e arranjos orquestrais que alternam entre a tal pop, o rock e a própria folk. Delas destaco o fantástico single Proper Goodbye, a belíssima Fab, a delicada I’ve Come Home e a divertida We All Jumped In.

Weatherman é uma sólida e consistente colecção de canções pop, onde o amor nas suas múltiplas vertentes e a procura de lugares reconfortantes como processo de auto conhecimento são a principal força motriz e confirma Alexandre Monteiro como um dos nomes mais promissores do panorama musical nacional. Espero que aprecies a sugestão...

O press release do novo álbum do projeto The Weatherman refere que estamos na presença do registo mais pop e simultaneamente mais auto biográfico. As canções falam de amor e despedidas, das imperfeições, alegrias e tristezas inerentes à condição humana. Estamos em presença de uma coleção de canções que de algum modo retratam a vida de Alexandre Monteiro?

R.: Pode-se dizer que sim, embora seja dificil detectar-se isso de uma forma linear. Não escrevi canções como se fosse propriamente um diário. Esses retratos estão dispersos pelas várias canções, nem eu tive a intenção de mostrar de uma forma demasiado exposta.

Quanto à vertente pop... Da música eletrónica à folk, ouve-se de tudo um pouco neste homónimo. Quais são as principais diferenças sonoras relativamente aos dois álbuns anteriores e, em termos de bandas e/ou autores, o que é que andas a ouvir e, além dos óbvios The Beatles e Beach Boys, quais são as tuas maiores influências?

R.: Em relação aos discos anteriores houve mais cuidado em termos de produção. Procuramos um som que deixasse as canções comunicarem de uma forma mais transparente. Nada aqui aparece escondido, é tudo assumido de uma forma clara. Houve também o objectivo de afirmar convictamente que eu não estou interessado em copiar coisas que foram feitas no passado. Eu sempre quis trazer algo de fresco ao panorama da música pop, em que sentes o peso da História e ao mesmo tempo sentes que faz sentido ouvir-se agora, e este disco penso que tira todas as dúvidas a esse respeito.

Porquê a escolha de Proper Goodbye para primeiro single?

R.: Numa fase mais atrasada do disco, decidimos escolher uma canção que naquela altura nos parecia mais radio-friendly, e esta enquadrava-se bem. Além disso tinha inenrente um certo feeling de final de Verão, o que se adequava à época em que seria lançada (finais de Agosto). Além disso eu confesso que gosto de baralhar as expectativas do público, e então a ideia de eu reaparecer em cena com uma música despedida pareceu-me perfeito!

Adoro o videoclip e identifiquei-me muito com ele. Partilhamos o desejo que a maioria das crianças tinham de ser astronautas quando fossem grandes?

R.: Obrigado! Sim, lembro-me que algures na minha infância e talvez pré-adolescência andei completamente fascinado por astronomia. Devorei tudo o que era livros sobre astronomia, incluindo livros de ficção científica, e lia tudo o que encontrava sobre OVNIS. Cheguei mesmo a dizer aos meus pais que provavelmente eu ir ser astrónomo, mas a música deitou isso por terra. Se calhar ainda vou a tempo... A ideia do vídeo foi mesmo pegar nesses desejos de infância e transpor isso como se se tratasse da despedida “ideal”. Sou ambicioso, e o que é certo é que pode-se dizer que consegui mesmo cumprir esse sonho de ser astronauta ao fazer este vídeo. Claro que quando soube que o Neil Armstrong morreu fiquei emocionado, e calhou logo na véspera do lançamento (do vídeo).

Já agora, tens uma canção preferida em Weatherman?!

R.:Tenho algumas preferidas, mas não me consigo decidir por apenas uma, francamente.

Como foi o processo de escrita e composição destas canções?

R.: Não foi nada de planeado. Eu tenho suficiente confiança em mim próprio como compositor, por isso sei que é escusado forçar. Foi um processo tão natural, que não me sei situar nem no tempo nem no espaço em relação à composição da maior parte dos temas. Assim que eu sentia que tinha algo a dizer através da minha música, sentava-me a compor, ora ao piano, ora à guitarra.

A estreia com Cruisin'Alaska, foi um trabalho apenas composto e tocado por ti. Mas depois disso, em Jamboree Park at the Milky Way e neste Weatherman já há uma banda e convidados. A que se deveu essa inflexão?

R.: Penso que comecei a sentir saudades de trabalhar em banda, algures a meio do percurso. Aliás, sempre foi meu objectivo tocar com uma banda de apoio nos concertos. Penso que é esse o meu objectivo desde sempre e é assim que resulta melhor: eu compor as músicas, e já depois numa fase mais avançada, de escolher os arranjos, buscar outros músicos para colaborarem.

Como é que foi possível a escolha de joão andré para colocar as mãos na produção do disco?

R.: Ele propôs-me produzir este disco logo assim que nos conhecemos. Foi em 2009, na altura em que ele deu alguns concertos comigo, ainda de promoção do meu segundo disco. Penso que ele teve desde logo uma ideia daquilo que poderia ser o meu caminho num futuro disco em termos sonoros. Acabou por ser um processo muito longo, e mesmo ainda que nem sempre com as condições ideais, conseguimos fazer um bom trabalho, penso eu.

E os próximos espetáculos? Onde é que os leitores de Man On The Moon te podem ir ver e ouvir nos próximos tempos? Das actuações ao vivo, devem-se esperar performances a solo ou acompanhado?

R.: Vou fazer inúmeros showcases acústicos, munido apenas de voz e guitarra. Pelo meio, vou ter os concerto de apresentação oficial do disco, com banda completa, no Porto, no Passos Manuel no dia 22 Fevereiro, e em Lisboa, algures em Março.

Blue Hawaii - Untogether

stipe07 — Sun, 03 Feb 2013 21:13:51 GMT

Os Blue Hawaii são um projeto canadiano formado pelo enigmático casal Agor e Raph (na verdade chamam-se Alexander Cowan e Raphaelle Standell-Preston), uma dupla originária de Montreal e que se estreou nos discos em 2010 com Blooming Summer. O sucessor chama-se Untogether e viu a luz do dia na última semana por intermédio da Arbutus Records, a mesma etiqueta que deu a conhecer o excelente Visions, o segundo álbum dos Grimes e um dos discos fundamentais de 2012.

Visions foi um disco importante no panorama musical canadiano porque abriu uma espécie de caixa de pandora; Apesar de se fechar dentro de um universo próprio ao materializar musicalmente das estranhezas que habitam a mente de sua idealizadora, essa mistura entre o pop e a eletrónica abriu espaço para muitos outros artistas, como Blood Diamonds, Doldrums, Majical Cloudz, e outros amantes dos inventos eletrónicos, onde também se podem incluir os Blue Hawaii.

Estamos então na presença de uma dupla que usa sonoridades ambientais, onde a voz tem um papel preponderante, para inventar e criar canções pouco óbvias, que fogem à habitual formatação e que usam a eletrónica como principal estímulo. Untogether, o trabalho mais recente dos Blue Hawaii, está cheio de densas cargas de vozes, sendo um trabalho que prima essencialmente pelo minimalismo e estabelece um campo de atuação em que o detalhe e a sobreposição de elementos mínimos jamais abraçam o excesso.

Como a voz é o destaque maior deste álbum, Raphaelle (que também integra o projeto Braids) dança algo solitariamente enquanto o parceiro passeia em redor, a encaixar pequenas referências sintéticas de forma a adornar as suavizadas formas de som expressas pela artista. Acaba por haver uma homogeneidade ao longo do álbum e até à última música está fixado um encaminhamento de extrema proximidade entre os temas.

Apesar da primazia da voz, não se pode desprezar as referências instrumentais de que Alexander se serve para adornar os temas; A abertura, ao som de Follow, deixa fluir a estrutura abstrata da obra, Try To Be, apresentada logo em sequência, muda completamente essa proposta, transitando entre os Goldfrapp e Toro Y Moi. Até ao fim o casal ainda percorre as climatizações exóticas do trip-hop (Flammarion), a chamada ambient music (Reaction II) e até mesmo a eletrónica mais convencional, nomeadamente em In Two, o meu destaque deste trabalho. Depois, In Two II absorve de maneira particular as vozes e o ritmo próprio do R&B e Daisy e as batidas matemáticas que envolvem a composição, engrandecem o contibuto do músico e aproximam os Blue Hawaii da discografia dos Four Tet.

Obra que necessita de uma audição cuidada, Untogether abarca toda esta míriade de influências mas, como referi no início, raramente se desvia da proposta climática que tanto caracteriza o álbum. Não há variações bruscas ao longo da audição e encontra-se em cada nova composição assinada por Agor e Raph uma variedade rica de preferências sonoras que acomodam o disco num cenário algo distinto e dá continuidade a tudo o que de mais complexo, mas atrativo, tem sido editado recentemente. Espero que aprecies a sugestão...

01. Follow
02. Try To Be
03. In Two
04. In Two II
05. Sweet Tooth
06. Sierra Lift
07. Yours to Keep
08. Daisy
09. Flammarion
10. Reaction II
11. The Other Day

Indians – Somewhere Else

stipe07 — Mon, 28 Jan 2013 19:16:09 GMT

Indians é o projeto a solo do dinamarquês Søren Løkke Juul, um novo nome do cenário musical indie que nos chega das frias terras escandinavas, mas disposto a dar um pouco mais de cor e alegria sonora aos nossos dias. Somewhere Else é o disco de estreia deste projeto, lançado hoje, dia vinte e oito de janeiro, pela conceituada 4AD, uma das minhas etiquetas de referência.

Em Somehwere Else o músico oferece-nos uma mistura harmoniosa e branda que irá agradar os ouvidos de fãs de sons mais delicados e carregados de sentimentos, nomeadamente aqueles que apreciam nomes tão conceituados como Bon Iver ou mesmo os The Shins.

O músico manuseia detalhes sonoros típicos da folk e também de sonoridades mais clássicas, usando como principais instrumentos a viola acústica e o piano, sempre adornados, como não podia deixar de ser por estas paragens, pela eletrónica. Apesar das várias referências musicais que o influenciam, Indians consegue fazer transições suaves entre elas, o que faz de Somewhere Else um disco fluído, harmonioso e bem construído e organizado.

Um dos singles do álbum já apresentado é Cakelakers, um tema que mostra o lado mais enérgico e folk, sendo um dos pontos mais altos e animados de todo o álbum. Na vertente mais intimista, destaco Bird e o seu belo piano, New, a canção que abre o disco e Reality Sublime devido à sobreposição de ecos e reverbs, algo que confere a tal tónica etérea e eletrónica à obra. Para fechar, a canção homónima que dá nome ao disco, destaca-se pela subtileza com que varia de ritmo e tonalidade, sendo sublime a forma como varia de ritmos e a execução da explosão sonora.

A dar os primeiros passos com Somewhere Else, Indians mostra que está no caminho correto, e, mesmo ainda distante de grandes nomes, apresenta um som interessante, principalmente ao mostrar um trabalho bem feito ao lidar com diferentes referências musicais. Espero que aprecies a sugestão...

01. New
02. Bird
03. I Am Haunted
04. Magic Kids
05. Lips, Lips, Lips
06. Reality Sublime
07. Cakelakers
08. La Femme
09. Melt
10. Somewhere Else

Robots Don't Sleep - Robots Don't Sleep EP

stipe07 — Wed, 23 Jan 2013 21:24:59 GMT

Robots Don't Sleep é uma colaboração entre um produtor berlinense chamado Robert Kotch (mentor do projeto Jahcoozi) e o cantor norte americano John LaMonica. Esta parceria acaba de dar origem a um EP homónimo, focado na fusão das duas vertentes vindas de cada uma das partes do duo. Assim, Robot's Don't Sleep foi editado no início de dezembro de 2012 pela Four Music/Sony Music Germany. A parceria não é exatamente nova; Ambos já haviam trabalhado juntos em 2011 em The Other Side, disco do alemão que contou com a voz sensual do amigo norte-americano. Trabalhar com colaborações bem sucedidas é o que movimenta o trabalho de Koch, mas desta vez ele ganha um maior destaque com esta colaboração.

Little White Lies, o tema de abertura do EP, já teve direito a um vídeo oficial, dirigido por Pol Ponsarnau e Lukasz Polowczyk e o tema Don't Wake Me foi recentemente disponibilizado para download pela Spinner. Sobre o conteúdo e concepção do EP, John LaMonica, o vocalista, afirmou:

I think it was the first warm day of the spring and there was this awesome energy buzzing around Berlin. I remember it was hard to spend too much time in the studio because you really wanted to get out there and soak up the sun. Dena, who co-wrote and also sang on the track, had shared these images by the artist Ignacio Torres with us earlier in the week and the impact of these cosmic-looking visual loops helped to kick off a lyrical narrative about straddling both the dreamed and waking worlds. We had a really good time to be sure ... one of those unique studio moments where you feel like the song is creating itself, it felt almost effortless.

Entretanto os Robots Don't Sleep estão prestes a lançar um EP com remisturas das canções Little While Lies e So Bad. Alguns nomes que estarão neste lançamento são CREEP e Sun Glitters. Espero que aprecies a sugestão...

1. Little White Lies
2. So Bad
3. Don't Wake Me
4. Bending Time

Son Lux - At War With Walls & Mazes vs Rising

stipe07 — Tue, 22 Jan 2013 21:52:13 GMT

Son Lux é o projeto de Ryan Lott, um músico de Nova Iorque e que descobri porque a Noisetrade está a disponibilizar para download gratuíto At War With Walls And Mazes, o seu disco de estreia, editado em 2008 pela Anticon e que lhe valeu na altura o título de Best New Artist, pela conceituada publicação NPR. At War With Walls And Mazes é considerado uma espécie de concerto de pop eletrónica e ambiental, onde existe um maestro e depois uma míriade imensa de instrumentos, com Ryan a tomar conta das rédeas nos dois lados da barricada. A sua música, simples e intrigante, feita de intimismo romântico e linhas agrestes de trip hop, tocada por uma fúria experimental que integra uma espantosa solidez de estruturas, é um continente que se desbrava num misto de euforia e contemplação.

Em 2011 seguiu-se o sucessor; O álbum viu a luz do dia em abril de 2011, também por intermédio da Anticon e chamou-se We Are Rising, descrito pela crítica como uma negra simbiose entre Owen Pallett e o período mais recente dos Radiohead. We Are Rising foi a resposta a um desafio lançado pela NPR que pedia que, do nada, um álbum inteiro fosse criado no espaço de apenas 28 dias. Assim nasceu este álbum que levou bem mais adiante as visões que o próprio antes experimentara no álbum de estreia At War with Walls and Mazes . O disco é uma aventura que transcende as noções de género e fronteira, experimentando cenografias elaboradas e linhas complexas sem contudo perder de vista a ideia da canção. As electrónicas são aqui um elemento estruturalmente marcante, a presença de outros instrumentos amplifica os contrastes e acrescenta cores a uma música que cativa e desafia. We Are Rising é daqueles raros discos que, chegados ao fim, nos compelem a regressar ao início e uma experiência rica em acontecimentos sonoros. Atualmente Ryan está a trabalhar no terceiro álbum.

Durante estes quatro anos e inclusivé nestes dois álbuns, o músico já estabeleceu parcerias e colaborações como nomes tão distintos como Sufjan Stevens, Peter Silberman (The Antlers), These New Puritans, My Brightest Diamond, Nico Muhly, Richard Perry (Arcade Fire) e Judd Greenstein, entre outros. Espero que aprecies a sugestão...

01 Flickers
02 All the Right Things
03 Rising
04 Leave the Riches
05 Flowers
06 Chase
07 Claws
08 Let Go
09 Rebuild

Rhye - The Fall

stipe07 — Sun, 20 Jan 2013 17:59:23 GMT

Rhye é uma dupla oriunda de Los Angeles, na Califórnia e que resulta da combinação do canadiano Milosh com Robin Hannibal dos dinamarqueses Quadron, uma banda com uma sonoridade eletrosoul.

The Fall é o nome do novo disco desta dupla, uma das grandes apostas para 2013. As dez canções são uma trama de versos confessionais, apaixonados e levemente dançantes, uma sonoridade sublime, feita com muitas teclas de piano que constroem detalhes sonoros adoráveis, algo que vai de encontro ao que há de mais sublime na pop. Há uma toada soul com algumas semelhanças com o que é proposto pelos britânicos The XX.

Para entender com clareza do que se trata este The Fall basta uma rápida audição da canção que dá título ao registo, um tema com uma tonalidade algo implícita e muito sedutora, que parece desmanchar-se suavemente nos nossos ouvidos. É possível descarregarem o tema gratuitamente através do sítio oficial do projecto californiano. Espero que aprecies a sugestão...

01. Open
02. The Fall
03. Last Dance
04. Verse
05. Shed Some Blood
06. 3 Days
07. One Of Those Summer Days
08. Major Minor Love
09. Hunger
10. Woman